619. A privatizar, que el mundo se acaba.

 

Si señor. Lo han conseguido. El Sr. Zapataro se ha "cagado" una vez mas y, haciendo caso a las doctrinas mas “liberales” económicamente hablando, ha anunciado de repente, así como quien no quiere la cosa, unas nuevas medidas económicas para “reactivar la economía”.

 

Hace dos días la titular de  economía declaraba que no habría mas medidas correctoras, hoy miércoles ha habido un “zas en toda la boca” y, o bien la ministra no pinta un comino en el gobierno, o bien a Zapatero le han llamado desde el mas allá para que haga lo que le quieren los "mercados" , que si no nos hunden. Tal vez sea una combinación de ambas cosas: una inútil de Ministra y un Presidente adorador y preso del “capital”, no el de Marx por cierto.

 

Las medidas son acojonantes y convendría echarles un vistazo.

 

De momento se anulan los 426 euros de ayuda a los parados de larga duración a partir de febrero. Esta medida puede ocasionar que muchas familias pasen de la pobreza a la miseria mas absoluta. ¿Es ese gasto tan importante como para eliminarlo? ¿Se crearán puestos de trabajo con esta medida? Lo dudo. Los ingleses tiene algo por el estilo pero se le priva de la ayuda a aquel que “rechaza” por tres veces un trabajo. Aquí ni te lo ofrecen.

 

Segunda medida curiosa, mientras que se le sube el IVA a todos, se rebajan los impuestos a PYMES. No se ataca a la bolsa de fraude, y eso que el 25% de nuestra economía es en negro.

 

Mas medidas.¿Se acuerdan de lo que costó hacer la T4 de Barajas, esa joya de la arquitectura hecha para cansar al pasajero? ¿Y la reforma del Prat, que usted y yo pagamos a través de impuestos? Pues lo vendemos, que son rentables. AENA , en conjunto, pierde dinero en muchísimos aeropuertos, vale que hay que perderlo por ser infraestructuras necesarias, pero se privatiza la gestión de los dos aeropuertos que  son de los mas rentables de España, el de Palma sería el mejor pero bueno. Con dos cojones si señor. Lo pago yo, creo una infraestructura moderna y estupenda, y los beneficios te los llevas tú, que casualmente eres  amiguete. La consecuencia será que cerrarán muchos aeropuertos no rentables y ya tendremos otra vez un desajuste en las comunicaciones que seguramente pagarán las provincias mas deprimidas. Como siempre.

Y otro regalito es privatizar el 32 por ciento de las apuestas del estado, c´est-a-dire, mes amies, la lotería. La lotería, en todas sus modalidades, proporciona 20.000 puestos de trabajo y 3.000 millones de euros de beneficios después de reparto de premios. ¿Vamos a perder esas ganancias? Claro que sí. El mercado lo pide y yo, su sumo sacerdote en España, se lo doy. Y, además, son funcionarios. ¡Que se jodan!

 

No me extraña que Rajoy se quedara sin palabras literalmente. ¿Y ahora qué digo yo, qué presento yo en el programa electoral si ya lo ha hecho todo este tío? Porque todo esto se espera de un gobierno de derechas, pero de uno ¿socialista? ¿Desde cuando se le  ha caído a usted la palabra del diccionario?  La derecha nunca me ha gustado ideológicamente hablando, pero mucho menos me gustan los traidores a sus ideas. Y usted es un lamentable ejemplo de lameculismo. Que pena.

 

Y a todo esto ¿Qué vamos a hacer los ciudadanos? Porque seguro que esto no es lo último. ¿Después de esto que nos queda? ¿La esclavitud?

© Alfonso Merelo 2010

618. On the Beach

 En 1957 el escritor norteamericano Nevil Shute publica una novela titulada “On the Beach”. En ella se narra un holocausto nuclear del que sólo se ha librado Australia, al menos de momento, ya que los vientos dominantes hacen que las partículas radiactivas se acerquen peligrosamente al continente. Esta guerra se producía entre las dos potencias de la época: la URSS y USA sin que se supiera cual de las dos comenzó la guerra. Stanley Kramer rodó la adaptación cinematográfica en 1959 con un plantel actoral de primera fila como fueron Gregory Peck, Ava Gardner, Fred Astaire, Anthony Perkins y Donna Anderson. La película es una buena adaptación del libro que narra los últimos días de la civilización humana y la manera de enfrentarse a la muerte cierta.

 

En 2000 se realizó un remake para televisión en dos partes que narraba prácticamente la misma historia con dos diferencias: la acción se trasladaba al presente y se explicitaba donde había comenzado la guerra. El comandante del submarino Scorpion había lanzado sus misiles y había participado de forma efectiva en la guerra de devastación. Ésta había comenzado por, ¿se lo imaginan?, un conflicto nuclear entre las dos Coreas. Este conflicto había desembocado en una guerra total en la que todas las potencias nucleares habían usado su poder nuclear para aniquilar La Tierra.

 

Así es que Corea es un escenario que ya ha estado presente en la imaginación de los productores de  Hollywood como desencadenante de un conflicto bélico a escala mundial. En dos de las películas de la serie Bond, en la versión de Pierce Brosnan, “El mañana nunca muere”  y “Muere otro día” es Corea del Norte, la república comunista hereditaria dirigida por Kim Il Sung, la que es escenario de acción para el superagente 007. Sobre todo en la última de las entregas, “Muere otro día”, Corea es protagonista de la trama desarrollada para la película. Bond es capturado y encerrado en una prisión coreana y posteriormente liberado en un intercambio de prisioneros. En una pirueta de guión M se permite decir “no habría pasado si él hubiera estado aquí” en referencia al atentado del 11 de septiembre.

Pero al margen de anécdotas y boutades, está claro que preocupa mucho esta región de inestabilidad probada y sobre todo preocupa la posibilidad de que una guerra entre las dos naciones pueda desencadenar un conflicto más amplio.

 

Desde luego que no ganamos para sustos.

 

Y esperen ustedes a que los tiburones financieros nos ataquen en breve. Eso va a ser de los mas divertido.

 Estar en la III guerra mundial, que es en la que estamos metidos ya, puede ser apasionante, pero desde luego yo querría algo más de tranquilidad. A mi edad no deberían de darme esos sobresaltos. Mierda de mundo.

 © Alfonso Merelo 2010

617. Preguntas inconexas

1. ¿Por qué el Gobierno no condena de una vez la actuación de Marruecos en El Aaiún?

2. ¿Los principios han de mantenerse siempre, o son maleables en función de las circunstancias?

3. ¿Por qué las medidas económicas siempre van en contra de la mayoría y nunca de la minoría?

4. ¿Por qué nos hemos olvidado de Haití? 

5. ¿Por qué ahora todo el mundo alaba a Berlanga, cuando hace dos días lo ponían a caldo muchos de sus "compañeros"?

6. ¿Cuándo se ha certificado que “el sacrosanto capital” está por encima de las personas?

7. ¿Por qué tenemos un gobierno tan ineficaz y una oposición tan patatera?

8. ¿Quién le ha informado al señor Puigcercós  que en Andalucía no se pagan impuestos?

9. ¿Por qué se hace campaña electoral, nacionalista, atacando a todo lo “externo”? ¿Xenofobia  o gilipollez?

10. ¿Por qué se invierte menos en mi provincia que en las del resto de Andalucía?

11. ¿Por qué Huelva no manda a hacer puñetas a Andalucía de una vez y se une a Extremadura o a Portugal?

12. ¿Por qué la Junta de Andalucía quiere reformar la administración pública a golpe de decreto y no de ley? ¿Ahora? ¿No ha tenido tiempo en 30 años de gobierno? ¿Tal vez se piensa el partido gobernante  que va a perder las elecciones e intenta blindarse?

No tengo respuestas, pero sí muchas mas preguntas.

© Alfonso Merelo 2010

616. Morirse: que chungo

Altar de los muertos en la Casa Colon de Huelva

Como hoy es el día de los fieles difuntos, en lugares bárbaros lo llaman Halloween, me he preguntado a mi misma mismidad ¿por qué tenemos esa obsesión por la muerte?

 

Ya sabemos todos que tenemos que morirnos algún día, cuanto mas tarde mejor, y que eso es lo único cierto en la vida; todo lo demás entra dentro de las posibilidades o probabilidades. Yo creo que el problema con la muerte es que no la llegamos a asumir de verdad. Tenemos miedo de morirnos cuando en realidad debería ser, lo es, una cosa tan normalita como beber un vaso de agua o ser fan de Star Wars, aunque esto lo mismo no es tan normal. Claro que el que sea una cosa normal no implica que nos tenga que gustar. Desde luego a mi no me gusta nada tener que morirme y pretendo retrasarlo lo mas posible. Pero es curioso pensar que algo a lo que le tenemos tanto miedo forme parte de nuestra vida, tal vez mas de lo que debería. Porque si es una cosa tan chunga, que lo es, lo mismo deberíamos pensar en ella lo menos posible, y sin embargo es todo lo contrario.

 

Comparsa Zombies

Hay un número importante de personar que piensan que vivir es no hacer todo lo que, como dicen Roberto Carlos y  Pata Negra, sea ilegal, inmoral o engorde.  Es decir, vivir mas aburridos que una ostra y sin vivir realmente. Pasan por la vida, pero no la viven. Pero al final pasa lo que pasa y a este respecto el estribillo de la comparsa Zombies, de Antonio Martínez Ares, era clarificador:

 

            Disfrute de esta vida que es muy corta
            que el tiempo se nos va de entre los dedos.
            Disfrute porque a ellos no les importa
            aprietan el botón...y todos muertos.

 

Y ya puestos a hablar de la muerte, ¡lo que cuesta morirse! Es que un entierro de nada se pone en mas de 5000 euros. Y la verdad, un millón de pelas por se pasto de la gusanería me parece exagerado. Que si las flores, que si la ceremonia, el ataúd con forrado de terciopelo, la tumba con su mármol grabado y con epitafio o no, la parcelita en el cementerio mas cercano, por veinte años o por treinta, o indefinida. Eso es un dinero que, la verdad, sólo puede resultar bien invertido para los que se quedan, porque para el muerto. Sinceramente, a mí como si me tiran a una fosa común. Como estaré muerto y no me voy a enterar, pues como que me da lo mismo.

 

Hay mucho negocio en esto de la muerte. En primer lugar está el de todas las religiones que prometen la trascendencia. Un mas allá, o acá, que recompensa a los buenos fieles y condena a los malos. Al menos eso se dice. Porque, mis queridos amigos, las religiones se fundamentan en ese miedo a la muerte que todos tenemos encima. Ese miedo es el que permite a los diferentes chamanes mantener el poder sobre sus seguidores y asé ellos medrar en esta vida. En la otra ya veremos.

 

Y, como ya veíamos antes, el negocio de la muerte está muy relacionado con las funerarias y lugares adyacentes. Es obvio que a los muertos hay que enterrarlos, pero los gastos que estas empresas cobran  a los parientes no se si podrían tildarse de exorbitados. Pero para eso están los seguros que muchos contratan. Seguro de defunción, que ya hay que tener valor para estar pagando algo que nunca podremos disfrutar.

Pero eso es lo que vivimos en nuestra cultura, y supongo que en todas las demás. Nuestra máxima debería de ser vivir lo mejor posible y no pensar demasiado en la amiga que te acecha a la vuelta de la esquina.

 

A vivir, que de verdad que son dos días. Y lo malo es que yo ya eh consumido día y medio.

 (c) Alfonso Merelo 2010

 

615. Duende. Ramón San Miguel

 

 

Ramón San Miguel ha publicado su primera novela "electrónica" en la editorial Alfa Eridani. Se trata de Duende, una novela corta que destaca por su utilización de un ambiente extraordinario en el siglo XIX. ¿Flamenco y ciencia ficció? Pues sí, es posible y Ramón lo ha conseguido. Les dejo con el prólogo que amablemente ha publicado en su novela. La novela se puede adquirir en este enlace. No lo duden: duende merece la pena, y mucho

Un duende anda suelto.

Boas noites en galego,

Que bona nit que dirá el catalán.

Gabón para el vasco en eusquera

Que ya me tengo que acostar.

Nosotros, los andaluces

Vocabulario de lengua especial.

Después del repaso a la parienta

Hasta mañana que hay que currelar.

(La Guillotina, carnavales de Cádiz 1977)

Como muy bien expresara el coro La Guillotina, los andaluces tenemos una manera muy particular de expresar fonéticamente el castellano. No es una lengua propia y diferente, es sólo una manera distinta de hablar, y, lo que es mas importante, de expresarse. Es, tal vez, una evolución hacia formas mas simples y desarrolladas del idioma común. Sin embargo escribimos no como hablamos sino como se debe escribir el castellano o español, tanto monta monta tanto. Quiere decir esto que no tenemos un idioma propio y que trascribir nuestro lenguaje hablado a texto escrito resulta complicado y, las mas de las veces, chocante.

En Duende Ramón San Miguel se ha enfrentado a este problema y ha sabido resolverlo con brillantez, máxime cuando su origen cantabrón le hace estar alejado de las formas dialectales andaluzas. Hay que tener en cuenta que no tenemos constancia hablada de cómo se desarrollaba el lenguaje andaluz, gaditano y sevillano a mediados del siglo XIX, época en la que trascurre la acción, por lo que la transcripción que hace nuestro autor puede haberse desarrollado perfectamente como él nos cuenta. Esta digresión acerca del lenguaje no es baldía, aunque me ha servido para iniciar esta presentación, porque me consta que Ramón ha trabajado duro este aspecto intentando reflejar lo mas fielmente posible esa “lengua” del antepasado siglo.

Pero Duende no es sólo este buen ejercicio de búsqueda del lenguaje, Duende es una buena novela de ciencia ficción que toca temas tan interesantes, y fascinantes, como el primer contacto y el arte considerado como algo mas allá de lo “normal”. Porque el arte no es solo aquello que somos capaces de hacer correctamente. El “Arte” trasciende la ejecución brillante para entrar dentro del terreno de los sentimientos y de la belleza. Un buen ejecutante, de pintura, de danza, de canto o de cualquier otra disciplina artística, puede gustar mucho al que le observa y dejar en el una sonrisa y una frase como “es muy bueno, me ha gustado mucho”. Pero un “artista”, alguien que tiene “duende”, es capaz, tal vez sin ser técnicamente excepcional, de levantar al público que lo contempla. Ese “duende” es llegar un poco mas allá de los sentidos, para adentrarse en ese espacio del cerebro que no podemos medir y que está mas cerca, poéticamente, del corazón que de la razón.

En Duende se entremezclan diferentes géneros situando la trama en un siglo XIX español, a partir de su segunda mitad, que es un periodo bastante poco explotado por la literatura actual. No se puede hablar de que el relato sea claramente steam punk, pero la ambientación si que entra de lleno en ese sub-género, y les aseguro que esa mezcolanza queda muy bien resuelta. Los personajes que ha diseñado para esta novela son perfectamente encajables en la tradición de Wells: el intelectual, el hombre del pueblo que trasciende a su condición y la chica, en esta ocasión modelada casi como si se tratara de una Carmen del flamenco. Sin duda un personaje a tener en cuenta, y en el que se recogen esas tradiciones estereotípicas de la mujer andaluza, y gitana para mas señas.

Ramón San Miguel es un autor que lleva varios años escribiendo y publicando tanto en fancines como en publicaciones en papel -Sitio de Ciencia Ficción, NGC3660, las antologías Visiones de la AEFCFyT, etc.-. Ha tratado infinidad de temas dentro de los géneros del terror y la ciencia ficción, aunque sospecho que este último es el que mas le interesa, de momento. He leído casi toda su producción, aun escasa, y casi nunca me ha defraudado. Las dotes de imaginación que destila y un correcto empleo de las palabras lo hacen un escritor siempre interesante. En Duende demuestra su valía para implicar al lector en ese “arte” con “duende” que se le supone a muchos de los artistas flamencos -sin duda Lola Flores, Camarón o Paco de Lucía lo tuvieron o tienen-.

Pasen al tablao y disfruten del flamenco y de la ciencia ficción combinadas en un excelente cóctel.

Alfonso Merelo, Huelva agosto de 2010.

614. Reflexiones después de la HispaCon de Burjassot

(Los veteranos de Luchadores del espacio)

Vengo de vuelta de la HispaCon celebrada este año, por cuarta vez, en Burjassot. Una magnífica convención que debería ser ejemplo para otras organizaciones futuras de este tipo de actos. Con medios monetarios claramente justitos, los organizadores han conseguido satisfacer a todos los que por allí pasamos. Gracias, amigos, porque habéis dejado un grato recuerdo en nosotros.

 

Han sido unos días muy intensos en los que se han desarrollado muchas charlas y ponencias. Mientras que rehacía los 700 kilómetros que me devolvían a Huelva, he tenido mucho tiempo para reflexionar sobre una frase que escuché en una de las presentaciones. Y esa frase me lleva a comentar algunas impresiones, buenas y menos buenas, que me he traído de Burjassot y que quisiera compartir. Que conste que esto es sólo una opinión muy particular y que puede que esté equivocado al decirlas, aunque no creo.

 

(Victor Conde y Rodolfo Martínez en una conferencia sobre Space Ópera; Martínez sustituyó la ausencia de Ángel Torres)

Cuando acudimos a este tipo de convenciones vamos buscando dos cosas: ver y que nos vean. Conocer y que nos conozcan. Y da igual que el que va sea un aficionado de base o un autor reconocido. Y digo esto porque nuestro egos cada vez van desarrollándose de una manera espectacular. Es muy agradable que te reconozcan y que se acerquen a saludarte personas que ni piensas que puedan conocerte (que un subsecretario de cultura de la Generalitat Valenciana se acerque a hablar contigo, y siga tu trabajo, es sorprendente a la vez que agradable). Eso es normal. Todos necesitamos reconocimiento y “adoración” aunque sea mínima. Pese a todo, observo dos actitudes, que no aptitudes, entre los asistentes, sobre todo entre los asistentes “famosos”. La primera es la de integrarse en los actos, comentar, hablar, tomar cervezas y acudir a presentaciones, conferencias y charlas como uno mas. Y si se tiene que sustituir a alguien se le sustituye en una mesa redonda. Y tenemos otra postura, que es también muy valida, que consiste en acudir a que te vean, charlar sólo con los que te interesan, editores normalmente, y no participar en nada que no sea algo propio.

 

(Mesa redonda Editar fantástico)

En Burjassot he visto las dos posturas y no son, a veces, los autores mas “famosos” los que no se integran, todo lo contrario. Casi cualquiera que haya escrito un cuento, en una antología de la que se han editado 10 ejemplares se cree por encima de los pobres mortales. Y por el contrario, veteranos escritores que han probado en mil escritos su valía, se mezclan con la “plebe” sin ningún complejo y acuden ver a otros colegas como imparten sus conferencias o como presentan sus libros.

 

(Carlos Saiz Cidoncha presentando sus libros)

Me sorprende mucho que siendo éste un mundillo tan reducido, los que lo integramos no tengamos idea, ni ganas, de ver como lo hacen los demás, siquiera para copiar lo que otros hagan bien. Pero, eso es lo que tenemos: mundillos cada vez mas fragmentados en los que se excluyen a los que no son de su cuerda. Y, pienso, que eso no es bueno, porque la escasez de fondo social, somos muy pocos chicos, no permite esas exclusiones ni particiones. O vamos todos juntos, o no vamos a ir ninguno. Pero, ya digo que es sólo una impresión. Lo más probable es que esté equivocado. Pero como uno, modestamente, intenta promocionar y dignificar el trabajo de los escritores españoles del fantástico sin distinciones, le duelen esas exclusiones por no ser o pertenecer a algo.

 

(c) Alfonso Merelo 2010

 PD. Las fotos no son alusivas al texto sino simplemente reflejo de algunas cosas de esta hispacon.

613. De la historieta al cine

Como voy a pronunciar una conferencia en la Hispacón de Burjassot el próximo domingo día 10, a las 18.30, que trata de la trasposición del tebeo de ciencia ficción y terror a la pantalla, les cuelgo un artículo que escribí acerca de eses tema, auqneu mas general, y que se publicó en la revista Primeras Noticias nº 240, editada por el Centro de Comunicación y Pedagogía.

 

 

De la historieta al cine

 Introducción

 

Tenemos que convenir que cada una de las diferentes artes tiene un lenguaje propio para expresarse. Indudablemente el cine, como arte que aspira a ser –o que es ya-, tiene un vehículo de expresión propio. Sin embargo, al ser el cine una conjunción de diferentes formas de expresión artística (pictóricas, musicales, literarias...) las características del lenguaje cinematográfico captan, o usan, recursos de otras disciplinas.

 

Si hablamos del lenguaje en el cine podemos afirmar que mantiene muchos parecidos con otro “arte” como es el comic, al que me permitirán que nombre como tebeo o historieta de ahora en adelante, y hago propias las palabras de Carlos Pacheco:

 

“¿Por qué llamarlo comic cuando tenemos una palabra propia para nombrarlo? […] tebeo es el continente, historieta el contenido”[1]. 

 El cine, a primera vista, se podría decir que comparte mas que difiere del lenguaje de la historieta; ambas manifestaciones son visuales en un 80 por ciento y ambas tienen en común un tempo determinado en forma de escenas secuenciadas que determinan la narración. Estos “parecidos razonables” en las formas de expresión hacen que los trasvases entre ambos mundos sean relativamente más sencillos y que los dos "mundos" compartan historias entre sí.

 Algunos estudiosos defienden a ultranza que el paso de la historieta al cine debe realizarse de la manera más fiel posible, y otros opinan que al ser lenguajes diferentes esta fidelidad no tiene por qué guardarse. Elijan ustedes cualquiera de las dos teorías, pues ambas son perfectamente válidas.

 Si que podemos decir que el tebeo que va a ser traspasado al lenguaje cinematográfico es, en esencia, un “story board”[2], y que su plasmación en imágenes es, teóricamente, mas sencilla que la que pudiera derivarse de, por ejemplo, una novela costumbrista, aunque eso no es siempre así.

 Tanto la historieta como el cine nacen aproximadamente en la misma fecha. Probablemente el primero es anterior en algunos años al segundo que es, casi, un invento del siglo XX.  Durante tres décadas se mantienen en mundos separados, hasta llegar a los años treinta, en los que comienzan a producirse múltiples adaptaciones al celuloide de historias originalmente pensadas para el tebeo.

 Pese a los elementos comunes, resulta complicada la adaptación de la historieta a la imagen real. Las posibilidades de la imagen dibujada son inmensamente superiores a las del cine en sus comienzos, incluso ahora siguen siéndolo. Es arriesgado efectuar estas traslaciones ya que el público conoce "visualmente" cómo son los personajes, y adecuarlos a actores reales es siempre complicado.

 El cine comienza mas pronto que tarde a recurrir a las historietas para realizar sus producciones. Es intención de este artículo dar un repaso somero para ilustrar al lector sobre estas trasferencias historieta-cine. No podemos, en tan corto espacio, reflejar todas y cada una de estas adaptaciones o influencias, pero si podemos dar una guía de algunas de las mas conocidas ya sea por motivos históricos, por su fidelidad en la adaptación o por la importancia de la misma. Entiéndase que este trabajo es necesariamente incompleto y que sólo es una referencia básica sin ánimo completista. Para acotar aún mas, sólo se va a tratar de las historietas traspasadas al cine con soporte de imagen real, es decir, con actores interpretando a los personajes. El cine de dibujos animados sería motivo para otro artículo de contenido diferente al presente.

 1 Los comienzos

 

(Flash Gordon y Ming)

Los diversos estudios históricos discuten sobre cual fue la primera de las adaptaciones sin que se pongan demasiado de acuerdo en ello. Luis Gasca (“Los comics en la pantalla”. Pg. 190) afirma que la primera película que usa la historieta como base de guión es el corto “El regador regado”, de los hermanos Lumiere en 1895, que recreaba una tira cómica de la época.  En los USA, Winsor McKay realiza en 1911 un cortometraje adaptando, en dibujos animados, su propia creación “Little Nemo in Slumberland”.

 

(Serial de 1936)

 

Dejando  a un margen las películas de animación, se pude decir que una de las primeras películas adaptadas con gran éxito fue “Flash Gordon”, que dirigió Frederick Stephani en 1936. Flash Gordon fue creado por Alex Raymond como página dominical para King Features Syndicate, llevando la primera página la fecha de distribución correspondiente al domingo 7 de enero de 1934. Raymond ilustró su página semanal hasta el 30 de abril de 1944. La productora Universal Pictures, que había adquirido los derechos de varios personajes de King Features Syndicate, lanza la casa por la ventana, e invierte 350.000 dólares en la producción, cifra nunca antes alcanzada en un serial. Protagonizada por Larry Buster Crabbe como Flash, el serial refleja, bastante acertadamente, lo narrado en las tiras de la serie dibujada. Los tres primeros capítulos adaptaban detalladamente cuatro planchas dominicales cada uno de ellos. El resto de la serie adaptó mucho mas libremente los argumentos de papel, aunque se respetaron los hechos fundamentales en los tebeos. Los actores intentaron recrear a los personajes de papel lo mas parecido posible. En ese aspecto esa primera película es modélica en la caracterización de actores.  A esta adaptación les seguirían dos seriales más con el mismo actor protagonista en las continuaciones.

 

 (Nº 1 del tebeo de Buck Rogers)

“Dick Tracy” es otro tebeo llevado a la gran pantalla tempranamente en la película dirigida por Ray Taylor y Alan James en 1937, y con 15 capítulos. La tira original se comenzó a publicar en octubre de 1931 en el Chicago Tribune New York News Syndicate. Su creado fue Chester Gould y narraba las aventuras de un inspector de policía enfrentado a la mafia. En la película, el detective de la mandíbula cuadrada se enfrentará, con la ayuda de un sinfín de gadgets de ciencia ficción, al Cojo y su Armada Araña. En el posterior serial “Dick Tracy G-Men”, los elementos de ciencia ficción se harán más notables, al enfrentarse Tracy a un villano capaz de devolver los muertos a la vida. En “Los crímenes del fantasma”, Tracy deberá resolver el caso de un criminal denominado El Fantasma, capaz de hacerse invisible.

 Estas primeras incursiones del tebeo en el cine continuarán con las apariciones de diversos superhéroes y otros personajes de acción. Así tomarán el relevo de estas primeras incursiones en el cine de las historietas.

 Desde los años 30 hasta finales de la década de 1940 los seriales, ancestros claros de las actuales teleseries, ocupan muchas horas de proyección en las pantallas cinematográficas de medio mundo. Bastará con enumerar algunas conocidas películas, para comprobar la influencia del tebeo en este mundo fílmico. Así podríamos nombrar las películas “Agente secreto X-9” (Ford L. Beebe, 1937), “Mandrake el mago” (Sam Nelson, 1939), “Buck Rogers” (Ford L. Bebee 1939), “Terry and the pirates” (James W. Horne, 1940), “The Adventures of Capitán Marvel” (William Whitney, 1941), “Batman” (Lambert Hiller, 1943), “The Phantom” (Breezy Reeves Eason, 1943),  “Capitán América” (John English, 1944),   Brick Bradford (Spencer Gordon Bennet, 1945), o “Superman” (Spencer Gordon Bennet, 1948).

 

 

2 Los superheroes

 

(Christopher Reeves, Superman II)

Una de las principales fuentes de inspiración para el cine ha sido el mundo de los superhéroes. El indudable atractivo visual que encierran estos personajes hace que la industria del entretenimiento adopte inmediatamente las figuras coloristas de estos modernos semidioses para su traspaso a la gran pantalla. El primer superhéroe del tebeo es Superman,  personaje que se acerca mucho más a la figura de los semidioses griegos y romanos que a  la concebida por Nietzsche. Nace en 1933 de la pluma de Jerry Siegel y los pinceles de  Joe Shuster. Su primera adaptación al medio se produce en  1948 en una de tantas películas por jornadas que reinaban en esa época. Posteriormente pasaría a televisión y es en 1978 cuando Richard Donner  lleva al “Supermán”, interpretado por Christopher Reeves, a un renacimiento del género en el cine. Esto se deba principalmente a la mejora de los efectos especiales que hacen que las aventuras sean ya creíbles, visualmente hablando, y no risibles. Superman realmente parecía volar. A ésta le seguirán tres secuelas y un reciente film titulado “Superman returns”.

 

Otro de los héroes de la época dorada es Batman. A las primeras películas de episodios se añade una entrañable serie de televisión en la década de los 60 protagonizada por Adam West y que se ha convertido en un monumento a lo “kitsch”. Tim Burton crea un lujoso espectáculo con su “Batman” de 1989. Interpretado por Michael Keaton, Jack Nicholson y Kim Basinger, recoge en alguna medida el “interior” del personaje, aunque, sobre todo, destaca la fantástica e histriónica interpretación de Nicholson dando vida al Jocker. Si algo hay que destacar por encima de todo es la fantástica recreación de la ciudad de Metrópolis. Posteriormente se rodarían varias secuelas: “Batman returns” (1992), “Batman forever” (1995), “Barman y Robin” (1997) y “Batman Begins” (2005). Se  ha estrenado ya el año pasado “Dark night” la última aventura del héroe murciélago.

 La editorial “Marvel Comics”[3]  tuvo un renacimiento en los años sesenta de la mano de Stan Lee. Sus personajes son conocidos ahora por todos los lectores del mundo. Entre los mas populares están “Los 4 Fantásticos”, “Los Vengadores”, “Spiderman”, “Capitán América”, “La Patrulla X (X-Men)”, “Hulk (La Masa)” y otros muchos mas que configuran lo que se denomina “Universo Marvel”. Fuente inagotable para el cine, las adaptaciones han sido mucho más numerosas que las de su rival DC.

 

 

(Capitán América. Serial 1944)

En los lejanos años 40 ya se adaptó una primitiva “Capitán América” que, en 1944, ya peleaba contra los nazis. Dejando a un lado las series de televisión como “Hulk” o “Spiderman”, la primera adaptación que tiene un gran éxito es “X-Men”. En 2000 Bryan Singer dirige una muy respetuosa versión sobre la que es una de las principales franquicias del  Universo Marvel: “los mutantes”. Con un guión aceptable y  unos actores mas que dignos se convierte en una de las mejores adaptaciones al cine de una historieta. A esta primera incursión le seguirían “X-Men 2”( 2003) y “X-Men3” (2006), que crean una saga muy interesante de ver. Es una adaptación muy fiel al espíritu de los tebeos de los años 80 cuando el guionista Crhis Claremont se hizo con las riendas de la serie. Se está rodando ahora un spin-off titulado “Wolverine” y que recrea la historia de uno de los componentes mas carismático de la Patrulla X: Lobezno.

 

De 2002 es la película “Spiderman”, dirigida por el interesante Sam Raimi e interpretada por Toby McGuire. Se recrea el nacimiento del héroe, esta vez picado por una araña modificada genéticamente y no radiactiva como en los tebeos originales. Otras dos adaptaciones vendrían a completar las aventuras del arácnido en las que enfrentaría a enemigos como El Duende, El Dr. Octopus o el Hombre de Arena.  No aportan absolutamente nada ni al personaje ni al cine, pero son películas muy efectistas.

 

“Hulk” es el equivalente en la historieta a Mr. Hyde en la literatura fantástica. El personaje surge en 1963 y es fruto de los experimentos con una bomba gamma que trasforma a un apacible científico, Bruce Banner, en un superpoderoso ser de nombre Hulk, rebautizado en España como “La Masa”. La película dirigida por Ang Lee en 2003 es una adaptación relativamente fiel al original, que adolece de un tremendo handicap: por mucho que se esfuerzan los informáticos, Hulk no es creíble. Es un muñeco que se pasea pegando bandazos por la pantalla. Cuando se escribe este artículo estamos a la espera del estreno de una nueva versión del “monstruo” que dirige Louis Leterrier con la participación de Edward Norton en el papel de Bruce Banner.

  

(Nº 1 de Los 4 fantásticos)

 

(Cartel de la película Los 4 Fantásticos)

 

Los 4 fantásticos, nacidos como el primer supergrupo de la compañía Marvel  de la mano del guionista Stan Lee, fueron llevados al cine en una patética película de 1994 titulada “The Fantastic Four” y dirigida por Oley Sassone. En los últimos años hemos podido ver una lujosa adaptación titulada “Fantastic Four”, dirigida por Tim Story en 2005 que contó con la atractiva Jessica Alba como una de sus protagonistas. Esta película tuvo una segunda parte titulada “Rise of the Silver Surfer” dirigida también por Tim Story. En la primera parte hacía su aparición el villano recurrente del grupo: “El Dr. Muerte”, mientras que en la segunda podíamos ver a “Silver Surfer” surcar el espacio en busca de Galactus.

 

Si los superhéroes se caracterizan, entre otras señas de identidad, por el exotismo en la adquisición de los poderes (arañas radioactivas, rayos gamma, rayos cósmicos, mutaciones) hay uno de ellos que resume lo que es el self made man del superhéroe: Iron Man o, para entendernos, El Hombre de Hierro. Este poderoso individuo es  un fabricante de armas normal, realmente es un “científico loco”, que, tras ser atacado por el viet cong (estábamos en plena guerra de Viet Nam cuando fue creado) y para sobrevivir ha de crear una armadura de hierro que a. le salve la vida al activar su corazón b. le permita comportarse como otro superhéroe cualquiera repartiendo justicia. En la reciente película,  “Iron Man” (Jon Favreau 2008) este origen está actualizado situándolo en la guerra de Afganistán, pero mantiene el resto de connotaciones que se crearon para el personaje. La armadura de alta tecnología es el triunfo de la técnica USA sobre los inconvenientes. Es el exponente de la superioridad de las empresas norteamericanas sobre el resto del mundo.

 

Hay también adaptaciones mas modestas de otros personajes menores de la compañía como  son “Daredevil” (Mark Steven Jonson, 2003), “The Punisher” (Mark Goldblatt, 1998 y Jonathan Hensleigh, 2003), Elektra (Rob Bowman 2005)  o “El motorista fantasma” (Mark Steven Jonson, 2007). Estos personajes no tienen poderes tan extraordinarios y espectaculares, por lo que pueden ser traspasados con mas facilidad al medio. Daredevil El Castigador o Elektra no se diferencian demasiado de las películas de artes marciales al uso. Sólo se le cubre al héroe con un traje colorista y el resto es muy parecido: cabriolas, patadas y golpes durante la mayoría del metraje.

 3. Otros géneros.

  

(Dick Tracy)

 

No sólo del supehéroe vive el tebeo y el cine. Ha habido adaptaciones de historietas procedentes de otros géneros como pueden ser el de aventuras, género negro, el terror o la ciencia ficción.  Las adaptaciones cinematográficas suelen centrarse en tebeos que puedan resultar atractivos visualmente para el espectador, pero también se producen algunas películas que no tienen por qué ser espectaculares.

  

(Maddona y Warren Beatty en la moderna versión de Dick Tracy)

 

Ya vimos un par de ejemplo cuando hablamos de los comienzos. Las  dos películas nombradas en ese aparato fueron objeto de un remake en épocas más modernas. “Flash Gordon” revivió en de la mano del director Mike Hodges en 1980 con  Max von Sydow,  Topol , Ornella Muti  o  Timothy Dalton antes de convertirse en 007. “Dick Tracy”, por otra parte, fue dirigida por Warren Beatty  en 1990 y contó con actores muy conocidos como Dustin Hoffman, Al Pacino, Madonna o el propio Beatty. El director construyó un megadecorado que fue uno de los signos distintivos del film, así como el color desvaido en la fotografía.

 

Harold Foster crea un maravilloso mundo de ficción, en la corte de Camelot, con “El Príncipe Valiente”. Desde 1936 y con una maravillosa visión de las proporciones y de los fondos, -Valiente, un vikingo en la corte de Arturo, vivirá múltiples y extraordinarias aventuras. En 1937 se comienza a publicar estas planchas dominicales para King Features Syndicate. Henry Hathaway dirige una versión cinematográfica en 1954 que cuenta con Robert Wagner, Janet Leigh  y  James Mason como protagonistas principales. La adaptación es bastante interesante en cuanto parece reflejar el espíritu de Camelot y de la vida vikinga de la (supuesta) época. Es uno de los clásicos  que hay que tener siempre en cuenta,

 

“Camino de perdición”, una película que alcanzó un notable éxito y que dirigió Sam Mendes en 2002, proviene del tebeo homónimo  creado por Max Allan Collins y Richard Piers Rayner en 1998. Tanto la historieta como la película narran,  en clave de serie negra, la odisea de un padre e hijo para huir de la persecución de un mafioso. La atmósfera de cine negro de los cuarenta se captó en papel perfectamente y ésta, a su vez, fue pasada al cine con gran acierto.

 

Podríamos encuadrar a “Hellboy” como  un tebeo de superhéroes, pero prefiero hacerlo en el género de aventuras o terror. Guillermo del Toro hace una adaptación magnífica en 2003 de este tebeo creado por Mike Mignola en 1993. Hellboy combina varios géneros que van desde el terror, a la fantasía mezclado con el del superhéroe. Esta faceta múltiple es reflejada en la película que se convierte en una mas que interesante propuesta. La segunda parte, “Hellboy 2” está a punto de estrenarse.

(Portada de Ghost World)

 

 (Tora Birch y Scarlett Johansson en una escena de Ghost World)

“Ghost World” es uno de esos extraños experimentos que a veces se dan en la pantalla. La historia fue creada por Daniel Clowes en 1993. En 2001 fue traspasada a la pantalla bajo la dirección de Terry Zwigoff y protagonizada por Tora Birch, Scarlett Johansson y Steve Buscemi . En ambas se narra la historia de Enid y Rebecca que después de acabar el último curso del instituto tienen todo el verano para pensar en qué hacer con sus vidas. La película obtuvo una crítica muy positiva y fue candidata a los Globos de Oro y los Oscar.

 

Hemos comentado al principio que los aficionados a ambos géneros se dividían entre los que consideraban que las adaptaciones debían ser lo mas fieles posibles y los que opinaban todo lo contrario. “300” es el ejemplo perfecto para ilustrar la primera teoría. El guión y el dibujo son de Frank Miller que se inspiró directamente en la película “El león de Esparta (The 300 spartans) que rodara  Rudolph Maté en 1962. “300” es una adaptación muy fiel y literal de la historia y estética de Miller. Estrenada en 2006 y dirigida por Zack Snyder, se usaron técnicas infográficas para alcanzar una estética muy parecida a los originales. La película se recrea sobre todo en las batallas espectaculares en el paso de las Termópilas que enfrentó al ejército persa del rey Jerjes contra las tropas espartanas de Leónidas.

 

4. Europa.

 

(Cartel promocional de Barbarella)

 

El tebeo europeo tiene unas señas  propias de identidad  que lo hacen diferente al norteamericano clásico. En Europa se inventa lo que ahora se llama “Graphic novel” y que no es mas que el álbum clásico de toda la vida: “Axterix”, “El teniente Blueberry”, “Michel Tanguy”, “Iznogud”, “Achille Talón”, “Tintín”, “XIII”, y en España Paracuellos o Makoki por poner sólo dos ejemplos.

 Europa también adapta sus personajes al cine con mayor o menor fortuna. Ya en los comienzos  del cine se realiza el serial “Fantomas”, que si bien no estaba basado en una historieta, reunía todas las características de la misma en su forma de novela por entregas. Pero es en la década de los 60 cuando estas adaptaciones se producen de manera mas continuada y que llegan hasta nuestros días.

  En Italia los 60 son fuente de “fumetti”[4] para adultos. Series como Diabolik o Satanik gozan de gran predicamento popular. Esas series ponto serán traspasadas al cine. Diabolik es dirigida por Mario Bava en 1968 que reúne un plantel de actores de renombre como John Phillip Law, Michel Piccolli, Marisa Mell o Adolfo Celli. En definitiva es una aproximación a los filmes de James Bond.  “Satanik”  creada por Max Bunker y Magnus es estrenada en 1968 y dirigida por Piero Vivarelli. Estas películas, mezcla de terror, acción y superhéroes de cartón piedra, eran las ofertas clásicas de los programas dobles y los cines de verano. Su validez es, desde luego, nula como producto viable, pero muy entretenidas para públicos poc exigentes.

 “Barbarella” fue dirigida en 1968 por Roger Vadim y protagonizada por la que era su esposa en aquella época Jane Fonda. Procedente de los lápices de Jean Claude Forest, la heroína del espacio se hizo muy popular entre el lector adulto francés de Bande Dessine[5].  Barbarella es un personaje diferente. Anticipa la revolución sexual de mayo del 68 comportándose con un  rol mas avanzado al imperante en la época. La película hace énfasis en la sexualidad y el erotismo de la protagonista y recrea un universo, casi onírico, que se alimenta directamente de los escenarios del “Jardín de las Delicias”  de El Bosco.

 

 

( Dibujo de Blueberry por Jean Giraud)

También Francia produce dos de los tebeos mas significativos de la historia de la historieta: Axterix y El teniente Blueberry que sufren diversas vicisitudes al pasar al cine. El primer personaje, creado por Uderzo y Goscini, lleva ya tres adaptaciones a la gran pantalla “Axterix y Obélix Contra César” (1999), “Axterix y Cleopatra” (2002) y “Axterix en los juegos olímpicos” (2008). Estas películas están mas dirigidas al público infantil y por tanto se centran en mostrar una sucesión de gags, supuestamente graciosos, basados en golpes y situaciones simpáticas. La adaptación de Blueberry es sencillamente algo que ni remotamente se parece al personaje diseñado por Giraud. Si el teniente Blueberry tiene una personalidad muy desarrollada, la película parece ser un spaghetti western de segunda. Este film se basa, ligeramente, en los albumes “El hombre de la estrella de oro” y “La mina del alemán perdido”. 

 

(Cartel de la película Blueberry)

5. España

 

(Cartel de Mortadelo y Filemón: Misión salvar la Tierra)

 Aunque la producción española, tanto en un género como en otro, no es tan importante como la del mercado USA, algunos de los éxitos de nuestro tebeo patrio han conseguido ser traspasados a la gran pantalla. La primera de las incursiones en el cine se produce con el rodaje de Zipi y Zape. De la mano de Escobar, estos dos émulos de Guillermo el travieso aparecieron en el tebeo Pulgarcito en los años 40 y continúan aún siendo reeditados. Enrique Guevara dirige en 1981 “Las aventuras de Zipi y Zape”, que protagonizan los hermanos gemelos  Francisco Javier y  Luis María Valtuille con la colaboración de Mary Santpere. 

 (Zipi y Zape)

 

La revista “El Jueves” se creó a mediados de los años 70 y en ella se publicaron algunas historietas serializadas que han conseguido un gran apoyo popular. De entre todas, dos de ellas, y las dos de la pluma de IVÁ, han originado una adaptación cinematográfica: “Maki navaja” e “Historias de la puta mili”. Las dos adaptaciones son una sucesión de parodias de las historias cortas de IVÁ. Se trata de un fix-up sin casi ninguna hilazón de continuidad. Maki está interpretado por Andrés Pajares, mientras que el Sargento Arensivia, protagonista de las Historias de la puta mili, lo encarnó Juan Echanove.

 

(Historias de la puta mili)

Oscar Aibar realiza su debut como director con una película, que se podría encuadrar dentro del subgénero “post-apocalíptico”, titulada “Atolladero” producida en 1995. Partiendo del comic original guionizado por el mismo Aibar, la historia tiene un parecido muy notable con la saga Mad Max y sus sucedáneos. Está protagonizada por Iggy Pop y Pere Ponce.

 

Mortadelo y Filemón, los dos agentes secretos de la T.I.A., creados por Ibáñez, fueron encarnados por Benito Pocino y Pepe Viyuela. La transposición de los personajes en actores reales es sencillamente imposible. Mortadelo es un “superhéroe” camaleónico y sus habilidades con el disfraz son tan imprevisibles como improbables. Javier Feisser consigue trasmitir algunas de las sensaciones de lo tebeos y mostrar al espectador, siquiera mínimamente, el absurdo mundo de los terribles agentes. La primera película se tituló “La gran aventura de Mortadelo y Filemón”. La segunda parte “Misión salvar la Tierra” cambiaría de director, Miquel Bardem, y de actor en el papel de Mortadelo, en este caso, Eduard Soto. En esta segunda entrega el guión estaría basado, ligeramente en la aventura titulada  “El sulfato atómico”.

 

Me pregunto si en el cine español veremos alguna vez algún “El Capitán Trueno”, con  Elsa Pataki como Sigrid. Tal vez “El Jabato” consiga encarnarse en algún actor, Javier Bardem sin ir mas lejos, y “El Corsario de Hierro”, “Dani futuro”, “Delta 99”, “Cinco por infinito” o “Iberia Inc.” encuentren director y guión que los ampare.  Sería de lo más interesante.

NOTA: (Despues de publicado este artículo, en verano de 2010 comenzó el rodaje de El Capitán Trueno)

 

No es Elsa Pataki la que ha sido elegida para ser Sigrid. Será la actriz Natasha Yarovenko.

 

Conclusión

 

Según el IMDB[6] existen a día de hoy 1.837 películas (series de tv, animación y personajes reales) basadas en historietas. Esto da una idea de la influencia que ha tenido, y parece seguir teniendo, éste género en la puesta en escena del fenómeno cine. La historieta tiene una gran fuerza visual y argumental. Lo que no es posible en el mundo real lo es, y en imágenes, en los tebeos. La diferencia con la literatura está en que mientras que en ésta el lector “interpreta” lo que el escritor le cuenta –cada lector “visualiza” de manera diferente una novela- el tebeo ilustra de manera tangible lo que quiere el autor. No hay margen para la imaginación. Y tampoco la hay en el cine. Lo que vemos es lo que es. Las interpretaciones, al margen de los infinitos montajes del director,  están proscritas. Son dos medios de expresión, dos artes, inmediatos y directos. El mensaje no admite sesgos y se incrusta como una saeta certeramente disparada en el corazón del receptor.

 El cine debe mucho a la historieta, sobre todo en las ideas. Pero ella también le debe al cine la planificación de las escenas, la secuencialidad que no existía en un primer momento y  seguramente algunas cosas mas.

 La historieta, el cine; dos mundos destinados a entenderse y a interrelacionarse. Seguro que esta retroalimentación se mantendrá en el futuro.

 Apéndice

 53 películas que adaptan historietas.

 

1. 300 (2006)
2. Los 4 Fantásticos (2005)
3. Atolladero (1995)
4. Astérix y Obélix contra Cesar (1999)
5. Baba Yaga (1968)
6. Barb Wire (1996)
7. Barbarella (1968)
8. Batman (1989)
9. Blade (1998)
10. Buck Rogers (1939-1977)
11. El Castigador (The Punisher) (1989-2004)
12. Camino de perdición (2002)
13. El Cuervo (1994)
14. Catwoman (2004)
15. El Clic (1985)
16. Constantine (2005)
17. Daniel el travieso (1993)
18. Daredevil (2003)
19. Darkman (1990)
20. Diabolik (1968)
21. Dick Tracy (1990)
22. El Hombre enmascarado (1996)
23. Flash Gordon (1980)
24. Ghost World (2001)
25. Hellblazer (2005)
26. HellBoy (2002)
27. Historias de la puta mili (1994)
28. Hulk (2003)
29. Iron man (2008)
30. Juez Dredd (1995)
31. Kriminal (1996)
32. La Liga de los caballeros extraordinarios (2003)
33. Makinavaja, el último choriso (1992)
34. La Máscara (1994)
35. Men In Black (1997)
36. Modesty Blaise (1966)
37. La gran aventura de Mortadelo y Filemón (2003)
38. El Motorista fantasma (2007)
39. Mystery Men (1999)
40. X-Men (2000)
41. Popeye el marino (1980)
42. Rocketeer (1991)
43. Satanik (1968)
44. Sin City (2005)
45. Spawn (1997)
46. Spiderman (2002)
47. Supergirl (1984)
48. Superman (1978)
49. Blueberry (2004)
50. Tintín y el misterio de las naranjas azules (1964)
51. Tortugas Ninja mutantes (1990)
52. V de Vendetta (2005)
53. Zipi y Zape (1981)

 

© Alfonso Merelo 2008-2010

 

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[1]  Carlos Pacheco es uno de los pocos dibujantes españoles que trabajan en DC y Marvel. La cita procede de la conferencia pronunciada en la Facultad de Derecho de la Universidad de Huelva en abril de 2008.

[2]  Un “story board” es esencialmente una guía, en forma de ilustraciones,  que permite planificar visualmente una secuencia antes de su filmación

[3]   Junto con Detective Comics (DC), Marvel Comics Group es una de las mas potentes empresas de tebeos de USA. 

[4]   Fumetti : comic, tebeo.

[5]   Bande Desinee es la denominación francesa para comic o historieta.

[6]   Internet Movie Database. Base de datos de cine muy completa en Internet. http://www.imdb.com

 

612. Dos Hermanas y la excelencia

Ustedes no lo sabrán, pero uno lleva tres años trabajando en la calidad dentro de mis misiones en la Universidad de Huelva. Todo lo que se hace en este tema en cualquier organización ha de tender hacia lo que denominamos excelencia. El servicio o producto debe aproximarse lo más posible a la excelencia y tender a conseguir esta. Digo esto porque los Encuentros de Literatura Fantástica de Dos Hermanas se están acercando, si no lo son ya, a la excelencia. De regreso a mi ciudad, se hace necesario recapitular sobre la experiencia de estos dos días en los V encuentros que acaban de concluir y para ello podemos ver como éstos están cumpliendo parámetros cada vez mas “excelentes”.

 

En primer lugar, la ubicación de los encuentros, en el Centro Cultural La Almona, resulta prácticamente perfecta. El salón de actos es amplio y cómodo, si bien esperemos que el aire acondicionado tenga a bien funcionar ya para el año próximo cuando el centro esté definitivamente terminado –quedan algunos retoques. El Centro Cultural está a dos pasos del ayuntamiento, con aparcamientos cercanos y con bares, restaurantes y “pubs” donde se puede ir a charlar con los amigos y tomar unas tapas. En este aspecto queda patente la idoneidad del local. Los medios con los que se cuenta son apropiados, aunque se hace ya necesario para próximas ediciones un micrófono inalámbrico para poder ser usado por el público.

 

En segundo hay que destacar la dirección de los encuentros, encabezada por Carmen Gómez Valera impulsora y firme soporte de éstos , a la que acompañan personas tan válidas y eficaces como Almudena Trujillo, la amabilidad personificada y la sonrisa permanente, Teo Palacios, eficiente “relaciones públicas”,  y José Ángel Muriel, enlace con todos y todo, Ernesto Fernández, coordinador necesario, amen de algunos voluntarios mas que no recuerdo sus nombres.

 

En tercer lugar el programa confeccionado para este año se ha mostrado lo suficientemente atractivo y variado para interesar a todos los asistentes. 130 inscritos es una cantidad nada desdeñable de aficionados que acuden un año y otro a estas jornadas.

Las actividades comenzaron con la conferencia inaugural pronunciada por Jerónimo Tristante que desarrollando el tema “La realidad está en crisis” nos hizo sonreír, reír y pensar en lo hartos que estamos de la realidad y por qué buscamos la evasión en la literatura fantástica.

 

Teo Palacios se encargó de moderar la mesa redonda de la mañana en torno a las “Artes y oficios en torno al libro fantástico”, que contó con Mamen de Zulueta (agente literaria), David González (Editor de Berenice) y Olalla García (traductora). Se tocaron estos tres temas tan interesantes, en los que cada uno de los invitados nos ilustró acerca de sus cometidos y tareas.

 

Por la tarde, la primera mesa redonda tuvo por maestro de ceremonias a Pepe Carrasco, que moderó con pulso magistral el tema “¡El papel ha muerto, vivan los bits”. Teresa Petit, Jesús García y Javier Márquez fueron los contertulios cubriendo las facetas respectivamente de editora, librero y escritor. Fue uno de los debates mas encendidos de las jornadas. Es indudable el interés de los asistentes por este tema y, naturalmente, se produjeron opiniones encontradas. Yo me quedaría con una frase de Javier Márquez: “lo que no se puede tocar, en referencia a los textos electrónicos, para el consumidor no tiene valor. Hay que educar a los lectores de que electrónico o en papel el libro tiene costes y que hay que asumirlos”.

 

Por último la tarde noche se cerró con una conferencia Teórico práctica sobre el papel del narrador en la literatura fantástica. Diego Magdaleno y Filiberto Chamorro. Nos obsequiaron con un interesantísimo y divertido monólogo relacionando el cuento fantástico con el erótico en una demostración de que las etiquetas no son siempre efectivas.

 

Este día se hizo la presentación de dos libros, “10 billetes para el fin del mundo” del del Círculo de Escritores Errantes, la colección "Tu decides la aventura", presentada por Pepe Carrasco y Jose Ángel Muriel y “El humo en la botella” de Juan Ramón Biedma

 

El domingo día 3 comenzó con la conferencia. “Cómo escribir sin entrar en crisis” impartida por Joaquín Londáiz, que se explayó contando sus problemas y alegrías al escribir.

 

Para finalizar los encuentros, el que suscribe, moderó una mesa redonda con el sugerente título “La Atlántida: Mundos en crisis”, en la que intervinieron José Ángel Muriel, Javier Negrete, Joaquín Londáiz y Juan Manuel Cortés Copete. Los conocimientos de los contertulios quedaron patentes y cada uno de ellos expuso, desde diferentes puntos de vista, qué es lo que tiene la Atlántida para ser tan “apetecible”. Desde mi punto de vista, y es una de las ideas que lancé, esta querencia se debe a la “santificación” del mito por parte de un peso pesado como fue Platón. Pero y si, como bien dijo Javier Negrete, ¿todo hubiera sido una broma de Platón? Los ponentes no nos pusimos de acuerdo acerca de la veracidad o no del mito. El debate quedó servido.

 

La última pata de este análisis de excelencia son los asistentes. El nivel de participación, y de conocimiento y ganas de aprender, es mucho más que el habitual. El feedback entre ponentes y asistentes es de los más altos que he podido comprobar en otros congresos de esta índole, e incluso en más de uno académico convencional. Los asistentes son, en su mayoría, andaluces, pero ha habido representación de casi todas las Comunidades españolas, lo que da una idea del interés que despiertan los encuentros. Y además, por diez euros, la comida está incluida en la inscripción, de manera que organización, ponentes y asistentes, se mezclan en las mesas dispuestas en el palacio de Alpériz

 

Los V encuentros de literatura Fantástica de dos Hermanas han sido una demostración clara de que el trabajo bien hecho tiene sus recompensas y que, aunque el presupuesto no sea exagerado, las buenas ideas son las que en definitiva hacen que algo triunfe.

 

Sí, ansiosos lectores, llega ahora la parte descriptiva de lo que paralelamente supone el acudir a estos “saraos”. Es, en definitiva, contar como se produce el reencuentro y el encuentro con nuevas personas. Unos amigos no nos vemos salvo de año en año, otros los conocemos y enseguida se establece un feeling. Siempre pasa y, afortunadamente, es otro de los alicientes, importantísimo, que sirven para vencer la pereza y desplazarse cientos de kilómetros para acudir a la cita.

Mi arribada se produjo tempranito y, como ya viene siendo habitual en Dos Hermanas, Mi GPS decidió que la calle Real de Utrera, donde está el Centro Cultural, no tiene numeración y por tanto nada mas entrar en la calle, que es rato de larga, me dijo que ya había llegado. ¿Adonde he llegado, pensé? Menos mal que recordaba del año anterior que donde me dirigía se encontraba mucho más adelante y no hubo mas percances. Allí encontré a los habituales amigos y fui presentado, o me presenté que tengo yo mucha cara para esto, a otros nuevos que son desde ya amigos. Por allí estaban Pepe, Ernesto, Ángel, José Ángel, Carmen, Mª Carmen, Almudena, Violeta, Adrián, Javier, Mariela o Fran,  y nuevos amigos como Francisco o Nuria. A la hora de salir del hotel, para comer, hacían su aparición Javier Negrete y Marimar y los espero para irnos juntos a comer. Recogimos a una persona en el hotel que preguntaba por el centro de la Almona, así que los cuatro llegamos a la comida a la vez que los demás asistentes. Muy buena comida, consistente en unos aperitivos, salmorejo, guiso de carne en salsa y un flan de postre. Comida de cuchareo pero muy bien realizada y que nos permitió compartir un rato de charla con nuevos amigos. José Angel y Mª Carmen estaban por allí y nos sentamos con ellos para charlar debidamente de nuestras cosas.

Despúes de hacer unas cuantas entrevistas, a Carmen, Inés y Pepe, se acabó el día y nos largamos unos cuantos a la presentación de la antología que Saco de Huesos encargó a Sevillaescribe y que consta de 8 relatos. Nos dirigimos al Soberao, un pub en el que el camarero es un aceptable saxofonista. Pero por el camino nos topamos con una procesión de la Virgen del Rosario, que justo pasaba por delante del pub. Desde luego el comienzo de la presenación tuvo cobertura de banda de música, empezaba la cosa así de bien. Entre cervecitas y charlas se presentó el libro que fue inmortalizado por los micrófonos de Uniradio, que este reportero dicharachero se encargó de registrar en su consabida grabadora. Momentos memorables fueron los intentos de explicar que demonios es la literatura “fosca”, cosa que –casi-consiguió definir el amigo Manuel Mije. Esta presentación fue uno de los buenos momentos de este fin de semana. Nos reímos, cerveceamos con fruición y al terminar no hubo mas remedio que ir a cenar. ¿Dónde? Pues donde siempre en Dos Hermanas a un bar que se llama "La jaula" pero como estaba lleno, siempre está lleno, nos tuvimos que sentar en el bar de la lado, que también está muy bien. Unas albóndigas de choco, que sorprendieron a los foráneos mesetarios y por supuesto la carrillada en salsa no podía faltar. Para rematar el pub Bakr Street ¿lo recuerdan de la Hispacon? nos brindó un buen rato de charla y bebidas espirituosas, aunque algún malaje se empeñe en echarle cocacola al Jameson. Herejía, herejía .Y así terminó la noche para este que les suscribe, aunque compañeros y compañeras se quedaron por allí para quemar la noche. Pero uno está mayor y hay que cuidarse.

 

El domingo fue el día de despedida. Y te vas con pena porque pierdes, momentáneamente, amigos que te gustaría ver más a menudo, pero es inevitable. Pero volveremos el año que viene y ya falta menos.

 

© Alfonso Merelo 2010