En rigor habría que decir que los guionistas del cine porno son bastante limitados. Sí, ninguno de ellos alcanza el mas mínimo de calidad en cuanto a diálogos o situaciones. Una película porno requiere exclusivamente actores y actrices bien dotados, en todos los sentidos, para practicar el deporte que mas adeptos tiene en el universo conocido. Cierto es que las escenas posibles a planificar y ejecutar tienen unas serias limitaciones técnicasy de variabilidad. Está todo inventado y por tanto la reiteración es norma en este tipo de producciones que van a lo que van.
El cine porno es, por tanto, reiteración ad nausea y usar todo lo posible cualquier otro recurso de cualquier otro escenario o situación real o imaginaria. Es natural que los títulos de laspelículas sean remedos, generalmente simpáticos, de los de films “normales”. Esos títulos son muchas veces descacharrantes y simplemente intentan atraer la atención del porno-mirón. La mayoría de las veces no tiene nada que ver el título con el contenido, aprovechando el tirón de la película original para darse publicidad.
Hay verdaderas maravillas entre estos títulos corruptos, pero hay uno, que no es una copia ni siquiera es porno, es película S, al que siempre se hace referencia por lo zafio y garrulo del mismo; esta estrella es “El fontanero, su mujer y otras cosas de meter”. No me digan que la profunda poesía del título no es conmovedora.
Pero centrándonos en los títulos que remotamente son asimilables a las películas de temática fantástica vamos a ver algunos de los mas extraños y divertidos:
Con “2001: La que te manosea despacio” se alcanzaron sublimes notas de rima en consonante y en “Abierta hasta el amanecer” no se explicita si se trata de un after hours, una tienda de cosmética o una sala de fiestas. Aunque si piensan lo peor, seguro que aciertan. “E.T. pl peneterrestre” es algo indescriptible como nombre en consonancia con aquella cosa de los hermanos Calatrava, “ET y el Otto” en la que el “feo” hacía un ET parecido a Woody Allen disfrazado de espermatozoide. “El Polvo Jurásico” es otra imaginativa cinta donde, supongo por el nombre, se lo deberían pasar estupendamente en esa era geológica. Si no había humanos en esa época ¿los polvos descrito eran entre dinosaurios? ¡Que horror!
El mas famoso arqueólogo de todos los tiempos, el Dr. Jones, tiene varios títulos interesantes “Indiana Jodes En El Templo De Mi Coñito” – madre mía- “Indiana Jones Y El Rabo Maldito” –seguro que no es un programa de cocina en la que se indique como guisar el rabo de toro- “Indiana Jones Y El Templo Calentito” e “Indiana Jones: En Busca Del Rabo Perdido” –seguramente el referido rabo maldito de dos películas anteriores.
El astronauta mas famos de universo sufrió una adaptación porno soft titulada "Flesh Gordon". Hay que decir que esta pelíucla tenía unos aparentes efectos especiales y funcionaba parodia delirante
“La Guarra de las galaxias” es otro de los títulos míticos. No sé de qué iba el argumento, pero puedo imaginar cosas con la princesa Leia o con los robots. A fin de cuentas en ”El retorno del Jedi” Leia estaba liada con Jaba el Hut y nadie se sorprendía de tamaña barbaridad.
Pero es “Mamatrix” la que en menos palabras, una, expresa todo lo que va a dar de sí, evidentemente, la cinta. Es un título contundente y muy expresivo.
Les dejo con un listado de los títulos mas extravagantes y sus correspondientes originales.
Austine Powder (Austin Powers)
Coñon El Barbaro (Conan el bárbaro)
Coñon El Destructor (Conan el destructor)
Demolition Woman (Demolition man)
Eduardo Manospajeras (Eduardo Manostijeras)
Eduardo Manospenes (Eduardo Manostijeras)
El planeta de los Pollanimios (El planeta de los simios)
El Polloncito Frankestein (El jovencito Frankestein)
El Polvo Jurásico (Parque Jurásico)
El Quinto Coño (El quinto elemento)
El Sexo Sentido: Veo A Gente En Bolas (El sexto sentido)
Entrevista con el pepino (Entrevista con el vampiro) El Señor De Los Conejillos: La Comunidad De La Verga (ESDLA: La comunidad del anillo)
El Señor De Los Cipotes: Las Dos Vergas (ESDLA: las dos torres)
Eyacula (Drácula X) (¿Drácula?) Hard Cipotter (Harry Potter)
Indiana Jodes En El Templo De Mi Coñito (Indiana Jones y el Templo Maldito)
Indiana Jones Y El Rabo Maldito (Indiana Jones y el Templo Maldito)
Indiana Jones Y El Templo Calentito (Indiana Jones y el Templo Maldito)
Indiana Jones: En Busca Del Rabo Perdido (Indiana Jones y el Templo Maldito)
Juranal Park (Parque jurásico)
La banana mecánica (la naranja mecánica)
La Guarra de las Galaxias (Star Wars)
La Princesa Nabo, primera trilogia de la amenaza travesti (Star Wars) La Noche De Los Zombies Calientes (La noche de los muertos vivientes)
La noche de los zombis calientes
La Polla Interminable (La historia interminable)
Las Bellas Y Las Bestias (La bella y la bestia)
Las Bolas Del Dragon (Bola de dragon)
Las Historias Guarras De La Hermana De Harry Potter: Susu-Potte (¿¿¿???)
Mamatrix (Matrix)
Nabocop (Robocop)
Penecircuito (Cortocircuito)
Penetreitor (Terminator)
Penetreitor 2 el juicio final (Terminator 2 el juicio final) Polvo Jurásico (Parque Jurásico) Porculeitor (Terminator) The Sex Blair Project (The blair whitch project)
Parece ser que Robert Rodríguez, el famoso y sobrevalorado director Mexicano, va a acometer la “proeza” de rodar un remake de la psicotrónica Barbarella. La versión original de esta proeza del pop-art fue rodada pro Roger Vadim en 1968. Su esposa en la época, Jane Fonda, fue la protagonista absoluta, acompañada por Phlip Philip Law, Marcel Marceau o Ugo Tognazzi en los papeles protagonistas. Una jovencísima Fonda que, en su memorias, cuenta lo que padeció en el rodaje del film. Estuvo colgada de cable con Jonh Phlip Law durante horas para rodar las escenas de vuelo, tantas que los arneses les provocaron heridas a los dos. La secuencia del streptease inicial se rodó en un set especial en el que Fonda permanecía en un cristal, mientras que las cámaras estaban debajo de ella con el consiguiente vértigo para la actriz. Jane Fonda es y sigue siendo Barbarella. Su figura, su cara y su actitud angelical daban un divertido toque a la heroína del espacio.
Para esta nueva versión Rodríguez quiere contar con Rose McGowan, su actual pareja y recordada suplente de Prue Halliwel en “Embrujadas” actuando como Page. Particularmente no me disgusta que la actriz sea la nueva Barbarella, sin embargo a mi me da una imagen de todo menos de angelical. Tiene la imagen contraria, seguramente favorecida por su pasado junto a Marilyn Manson y sus espectaculares vestidos o desvestidos que usaba. Mcgowan no se ha cortado un pelo en mostrar sus encantos, mientras que en Fonda era la primera vez que la veíamos así y el choque se convirtió en uno de los alicientes de la película. Con esta nueva actriz la impresión no va a ser la misma experiencia.
El personaje concebido por Forest no se parecía en nada ni a Fonda ni a McGowan, pero el icono que ha quedado es el de Fonda. ¿Qué otras actrices podrían haber interpretado a la dulce Barbarella?
Varias son las candidatas que han sonado para el puesto:
1. Kate Beckinsale (Pearl Harbour, El aviador, Underworld...)
2. Erica Durance (Smalville)
3. Drew Barrymore (ET, Los angeles de Charlie...)
4. Nicole Kidman (Muchas ...)
5. Lindsay Lohan (Betty la fea)
Estas son solo algunas de las postulantes que han sonado en algún momento. ¿Cual sería su preferida de estas u otras? Yo me quedo con Jane Fonda. ¿Como va a superar Rodriguez la escena de los créditos? ¡Imposible!
Hace 100 años y 10 díasnacía en Le Pecq, Francia, Jacques Tati (de apellido real Tatiscehff).
En el centenario de su nacimiento es justo que desde este humilde blog se le dedique un pequeño homenaje a ese genio francés, de ascendencia rusa, de la comedia visual.
Tati creó el personaje de Monsieur Hulot que paseo su gabardina por diferentes películas.Desde que en 1931 realizara su primer corto hasta su muerte en 1982, una producción fílmica no excesiva pero si excelente, fue su legado para todos.
El film con el que caí rendido a su genio fue Mon oncle. De 1958, refleja la actividad de un hombre normal y corriente en una serie de situaciones normales y corrientes tan genialmente contadas que la sonrisa, e incluso la carcajada, no nos abandona en ningún momento. Si ese barrendero del principio, el que va a barrer y nunca barre porque se entretiene, no es un personaje real, que baje Crom de su montaña y lo vea. Y además está esa música que ha perdurado hasta ahora; sencilla y tan francesa, que parece salida directamente de la Place du Tertre.
“Piratas del Caribe: Aventuras del Capitán Barbosa”, es como debería de haberse llamado la película estrenada este fin de semana “Piratas del Caribe en el fin del mundo”. ¿Y por qué, me preguntarán ustedes? Sencillamente porque el personaje de Barbosa, interpretado como en la primera parte por Geoffrey Rush, se “come” en todas las escenas en las que interviene a los demás protagonistas, incluyendo a una excesivamente “amanerado” Jonnhy Deep. La película cuenta además con la participación de un magnífico Chow Yun Fat –el Rey y to- y de un cameo de Keith Richards, que incluso se permite tocar el banjo, o algo así, en escena.
Rollings for ever.
¿Qué es Piratas...? Pues una magnífica muestra de lo que se puede hacer con dinero, con mucho dinero, combinado con un poquito de talento. Pese a ser un “best seller” apabullante, tiene algunas, bastantes, escenas y situaciones que la hacen destacar de las mediocres producciones de acción a las que Holllywood nos somete una y otra vez.
No hay que equivocares: Piratas... es una película de acción. Una película, tal vez, para todos los públicos a partir de 10 años mas o menos. Contiene todos los típicos tópicos en este tipo de películas: peleas, personajes agradables, una impresionante galería de efectos especiales, batallas a cañonazos, barcos piratas, fantasmas, malos prototípicos y otros no tanto y todo ese compendio de cosas que hacen que, las casi tres horas de metraje, se disfruten plenamente.
Respecto de la trama es una continuación directa de la segunda parte “El cofre del hombre muerto”. En esta ocasión, ya aliados con Barbossa, Will Turner y Elizabeth Swann se dirigen a la búsqueda de Jack Sparrow, perdido en el mundo del mas allá con su barco la Perla Negra. Su propósito es rescatar a Sparrow y su barco para que pueda reunirse la cofradía de los 9 piratas e intentar derrotar al Holandés Errante, capitaneado por Davy Jones, que obedece las órdenes de la Compañía de Indias –es decir Inglaterra aunque no se le nombre explícitamente-. Sparrow es rescatado y, después de varias escenas, cada vez mas espectaculares, tendrá lugar el enfrentamiento final entre los dos mejores barcos de ese universo: La perla Negra y el Holandes Errante.
El guión adolece de algunos fallos que lastran un poco la narración, dejando cabos sueltos como por ejemplo qué es lo que pasa con Calypso. Por otra parte la escena que enlaza la aparición de nuevo de Sparrow es casi innecesaria, pero está puesta ahí para el lucimiento del histriónico, cada vez mas, Deep. Interesante la escena que trascurre en ese mar “leteo” particular donde las almas cruzan hacia el otro mundo. Hay una cuantas referencias mitológicas que se hacen agradables de ver. El sentido del humor no deja de estar presente en ningún momento, y tanto Deep como los personajes secundarios, incluyendo esos dos soldados de la Compañia que son el Gordo y el Flaco o Hernández y Fernández, se encargan de aliviar las situaciones de tensión aplicando algunas de las mas viejas técnicas del cine desarrolladas desde las películas del mudo.
Vuelvo a insistir en lo soberbio del personaje del Capitán Barbossa. Mi propuesta es que en la cuarta película, que sin duda se rodará, este sea el personaje principal desplazando a Turner, por ejemplo.
Veanla y disfrutenla. No es un solomillo con salsa de trufas, pero sí un buen filete a la parrilla.
PD. Hay una tonada que se repite varias veces, siempre referida a la cajita. ¿Saben ustedes a que película homenajea/plagia? La música de la misma era del genial Ennio Morricone.
Miren ustedes que uno nunca había asistido al estreno de verdad de una película. Y quiero decir estreno en el sentido de premier, de esas “premieres” que vemos en la tele en la que están presentes los actores y el equipo técnico de la película encabezada por su director.
De comentar la película ya habrá tiempo en otros lugares. En este blog sólo voy a intentar reflejar lo que fue la noche del estreno en sí, y lo que participé y compartí con los actores y técnicos. Así que vamos con ello.
Ayer , en el auditorio de la Casa Colón en Huelva -un local con 800 localidades de capacidad-, tuvo lugar la presentación de la película Próxima. Con un auditorio abarrotado a partir de las nueve de la noche se proyecto la película antes comentada. Allí estaban una gran parte de los actores como Oriol Aubets, el protagonista Tony, Joan Frank Charansonnet, Manuel Masera, Batriz Urzaiz y Karen Owens, y también se encontraban la productora Marta Timón, el autor de la banda sonora Xavier Tort y, por supuesto, el director Carlos Atanes.
En la “sala de chimenas” de la Casa Colón se reunió el equipo técnico. Los nervios de la premier eran palpables. Sobre todos las actrices estaban, aparte de guapas, hechas un filete de vaca añeja, por lo de los nervios. Marta Timón, productora de la cinta, tenía según sus propias palabras “un no se que en el estómago” que le hacía hablar sin parar y no detenerse ni un solo momento. Sin embargo Carlos Atanes, responsable del evento, estaba aparentemente relajado.
Después de las fotos de rigor, ya en el auditorio tomó la palabra el Rector de la Universidad de Huelva Francisco José Martínez López que se encargó de presentar la película, ya que la Universidad es coproductora de la misma.
Con algunos problemas técnicos, sonido deficiente e imagen no del todo nítida que serían corregidos sobre la marcha, pudimos visionar por primera vez en España esta película. El hecho de que muchas personas de Huelva hubieran participado como figurantes era un aliciente añadido para poder estar presentes en la gala y que esta resultara un éxito.
Una vez terminada la proyección, se ofreció en la misma sala de chimeneas un coctel organizado por la asociación "3 de marzo" de antiguos alumnos de la UHU. Allí pudimos compartir un rato agradable entre actores, alumnos y docentes de la Universidad. Previamente pudimos disfrutar en el patio de la Casa Colon del espectacular eclipse de Luna que, dada la temática de la película, parecía conjurarse con la misma para ofrecer una imagen bellísima en el cielo nocturno.
En la fiesta loa actores charlaron con cualquiera que se les quisiera acercar y compartimos algunos de los secretillos del rodaje de la misma.
No se si saben que el año pasado participé en el rodaje de una película de ciencia ficción llamada Próxima. En el blog ya dí cumplida cuenta de la experiencia en el rodaje. Basta pinchar aquí, aquí o aquí y pueden leer lo que escribí en su día.
Después de la fase final de rodaje y del montaje definitivo, la película se va a estrenar en Oporto, en el festival Fantasporto el día dos de marzo y en Huelva el día tres.
La verdad es que estoy interesado por ver la película. Hace tiempo que leí el guión y me pareció que tenía posibilidades si se daban las condiciones y los medios para poderla llevar a cabo.
En la parte que yo participo la verdad es que estoy en un entorno amigable. Es una convención de ciencia ficción en la que un autor reconocido, imaginemos que podría ser Ángel Torres –por edad y por vehemencia-, se dirige al auditorio para habla de “su libro”. Yo me limito a presentarlo y después a retirarlo del auditorio porque en medio de su conferencia pasa algo, que no voy a revelar.
Próxima está dirigida por Carlos Atanes, realizador catalán que ya tiene en su haber otro largometraje titulado FAQ y que tuvimos la oportunidad de presentar en la convención Gadir2k4 que se celebro en Cádiz en el año 2004.
Esta película está rodada con bastantes mas medios y con muchos extras y figurantes. Los mismos, para las escenas de masas, son en su mayoría estudiantes de la Universidad de Huelva y ciudadanos de Huelva que se volcaron en la misma. Esto de salir en un “flim” es que mola cantidad, dicen.
El protagonista principal es Oriol Aubets que interpreta a Tony un joven aficionado a la ciehttp://memorando.blogia.com/ Salir al blogncia ficción que dirige un videoclub. Su vida se verá modificada cuando se cruza con él el escritor Felix Cadeq, que interpreta Manuel Solás, cuyas propuestas le resultan muy conocidas y que le ocasionarán mas de un disgusto. Entre otros actores estará Anthony Blake, Abel Folk, Joan Fran Charansonnet, Hans Richter, Karen Owens o Arantxa Peña.
El día 3 será el primer pase en España. MEMORANDO estará allí en su doble condición de actor y reportero. El domingo habrá crónica rosa del evento. Ya saben, alfombras rojas y todo eso.
Esta tarde, cuando llegaba a casa, me he enterado de las nominaciones a los Oscar de 2006. Y me he alegrado mucho por que se ha nombrado una película que me ha encantado y que está dirigida por una persona que tuve la fortuna de conocer personalmente hace un par de años. La película es El laberinto del Fauno y el director Guillermo del Toro. Guillermo es un tío fenomenal, cosa que puede corroborar cualquier asistente a la HispaCon de 2004 celebrada en Cádiz. Tuve la suerte de compartir con él varios ratos mas que agradables, tanto en la cena (vean la foto) del sábado como en la comida del domingo. Un super famoso que venía en camiseta, que le daba igual coger un taxi para ir al hotel y que aprendió en un segundo a decir “pisha” mas tortillitas de camarones. Un señor que atendió a todos los “fans” a cambio de nada. A cambio de un poco de amistad y de compañía nada mas. Que se divirtió y que nos divirtió. Que supo estar en todo momento y que en petit comitè nos contó un pequeño anticipo de lo que es hoy su gran éxito: El laberinto del fauno. Y han sido seis nominaciones, seis oiga. Mejor Película en lengua extranjera Mejor guión original Mejo música original Mejor fotografía Mejor dirección artística Mejor maquillaje
Espero que se lleve alguno de los seis, aunque la cosa esté difícil. Guillermo, espero que el domingo 25 de febrero suene eso de: “And the Oscar goes to “El laberinto del Fauno”. De verdad, mucha mierda.
Como pequeño anticipo de las fiestas que se aproximan a pasos agigantados, traigo a esta columna, en parte en homenaje a Robert Altman, una de las canciones que más me ha fascinado desde que la escuché hace ya muuuuchos años. La canción es relativamente sencilla (a la guitarra es muy fácil de tocar con una clave de sol, do y re menor y pequeñas variaciones en mi mayor) y muy pegadiza de escuchar y recordar. Fue interpretada por Keih Carradine (el hermano guapo de Kung Fu) para la película Nasvhille. Ese año, 1975, ganó el oscar por el mejor tema musical. La canción es I´m Easy y la escena en la que se canta es todo un ejemplo de actuaciones sin palabras. La escena recrea un club country de la ciudad norteamericana en el que Tom Frank, Carradine, interpreta este tema. La legión de mujeres que está presente, Shelley Duball, Geraldine Chaplin o Lily Tomlin, interpretan que la canción está dirigida a ellas. El cantante se limita a repetir que es fácil “toma mi mano y tira hacia abajo, no encontraras ninguna resistencia, porque soy fácil. Sí, soy fácil” En estas palabras “But I’m easy I’m easy Give the word and I’ll play your game So that’s how it ought to be Because I’m easy” se encierra una filosofía de vida, de la vida hippy norteamericana, sin ataduras y sin mayores pretensiones que vivir el momento. Una filosofía minimalista, pero... tan atractiva. Escúchenla, no tiene desperdicio. Y observen la cara de atención de todas la mujeres deseando que lo que canta se les haga realidad. Fantástico.
Uno ya ha visto y leido “cienes y cienes” de aventuras de Superman, desde los tebeos aquellos de Novaro, hasta las más recientes aventuras, cuando caía algun ejemplar en mis manos. No esperaba, ni mucho ni poco, grandes logros en las nuevas aventuras cinematográficas del personaje. Vale, dirige Bryan Singer, que a priori es una garantía de buen hacer - basta recordar sus aventuras de los X-men o la serie House de la que es productor ejecutivo-, pero esa garantía sólo se sostiene en algunos, pocos, pasajes de este "Superman returns".
Singer se ha lanzado nuevamente a la dirección de superhéroes con el Héroe por antonomasia de la historieta. Después de sus interesantes incursiones en el universo mutante, la esperanza de que el producto fuera sólido era bastante plausible. Y, la verdad, no sale demasiado mal parado del encuentro, porque la película va a gustar por dos motivos fundamentales: es espectacular y es espectacular.
Para el público neófito, y no olvidemos que los que vean con 16 o 20 años este film, no habran visto “bien” las anteriores versiones, la película tiene de todo lo que vende actualmente: amores, escenas de acción, héroes buenísimos y malos malísimos, espectaculares efectos especiales y aventura. Eso es este Superman returns. El espectador novel no tendrá problemas en asegurar que ha disfrutado del espectáculo. Y la verdad es que esto es cierto. Descontando algunos momentos, bastantes, plúmbeos la película se deja ver y se disfruta como un producto de consumo, que incorpora algún elemento destacable.
El problema, o la virtud, se materializa cuando analizamos de donde, o de qué, surgen las brillantes propuestas del director. En primer lugar, y hasta el minuto 40 mas o menos, Singer intertextualiza, por no decir que plagia, a Jonh Byrne en su reconstrucción del Superman de finales de los 80, en la reconstrucción del personaje después de las denominadas “Crisis en tierras infinitas” de los tebeos de DC. Teniendo en cuenta que estos tebeos eran mas que destacables, no es extraño que el director los haya aprovechado en mayor gloria para su producto. Pero si usa el tebeo como inicio y puntal, ¿por qué no utilizar la película, o las películas, de Richard Donner? A fin de cuentas los dos primeros filmes de Superman (versión años 70) eran bastante buenos. Chistopher Reeeve daba el tipo como el superhéroe, y se veía arropado por buenos actores como Brando o Hackman. Synger, investido de Donner, y frente a unos desconocidos como Brandon Routh (Clark Kent/Superman) o Kate Bosworth (Lois Lane) los contrapone a Kevin Spacey o Frank Langella. Realmente no salen demasiado mal parados ya que cumplen satisfactoriamente sus escasas potencias interpretativas. Pero los parecidos nos se dan solo en la interpretación, es en el guión donde se encuentran las mayores similitudes con Superman el film. Sin ninguna duda esta película es un remake del film original. Hay escenas que son exactamente iguales –el enfrentamiento Lex-Superman (aunque incrementada en sadismo dados los tiempos)- y que no mejoran el original ni aportan una visión nueva, salvo en los efectos especiales. Los parecidos se incrementan cuando vemos la escena “amorosa” en la azotea del Daily Planet, tan similar a la original en el ático de Lois. La única diferencia se basa en que el diálogo introduce al hijo de Lois. Este personaje es claro que formará parte de la trama en la segunda película que, sin duda, se rodará. El personaje de Clark Kent imita al interpretado por Reeve en su ineptitud e incompetencia como periodista simplón. Es el perfecto “amigo” que nunca te traicionará, pero al que nunca se le concederá el mas mínimo favor por la chica buena. Es el imprescindible que siempre pone los discos en la fiesta pero que nunca baila con la chica. Esta frustración del personaje se ve reforzada por la actitud de la amada que quiere al héroe, al poderoso, al infalible, pero que no es capaz de ver mas allá de los músculos y los poderes superhumanos. En definitiva se refleja una vez más la atracción del poder, en este caso la atracción hacia el poder divino. Todo héroe ha de tener un némesis y volvemos a encontrar a Lex Luthor, esta vez encarnado en Kevin Spacey. Se ha comentado que Spacey reinterpreta a Luthor y que elabora un personaje muy logrado. Bueno, en realidad se limita a imitar los tics que ya Gene Hackman escribiera perfectamente en la primera versión. Las muecas y las expresiones histriónicas no mejoran el personaje que ya conocemos y este Luthor solamente supera al anterior en su falta de humor. Porque la película esta carente de cualquier requiebro a la sana chacota. Es un intento de película “intelectual” que trata de tomar muy en serio a los personajes, que ya de por si no pueden ser serios. El intento de intelectualizar la desmesura fracasa puesto que se carece de un mínimo de habilidad artística en los dos actores principales. En una producción que interpretara a Superman como un puro divertimento, hubieran estado mas que bien. El problema se da cuando se intenta trascender mas allá y filosofar en torno al poder y a las responsabilidades que implica. En ese aspecto fracasa debido a la inexperiencia de sus protagonistas que, en esas escenas, no son capaces de ser creíbles. Superman Returns es, por propia inercia, un film que hay que ver. Que, sin duda, será un éxito de taquilla, pero que al espectador avezado dejará un regusto de insatisfacción por haber perdido las posibilidades de desarrollar el personaje de un dios. Podría haberse tomado como ejemplo la extraordinaria Miracle Man que si refleja lo que es un poder divino en manos de personas mas o menos normales. Pero esa es otra historia que, tal vez, veamos alguna vez en la pantalla.
La Semana Santa española es muy recurrente respecto a sus iconos. La máxima expresión de estos iconos son las procesiones. En cada ciudad son diferentes: Sevilla con los costaleros, Cádiz con los “cargaores” o Málaga con los tronos dan variedad a una manifestación “folclórica” que se reconoce inmediatamente por los “pasos” y por las interminables filas de “penitentes”. Es diferente pero es igual, que diría aquél. Supongo que cada uno tiene sus referentes para estas épocas. Yo al menos tengo dos muy arraigados: las torrijas y la película Jesucristo Superstar. Jesucristo Superstar se estrenó en España creo que en 1976, poco después de la muerte de Franco. No es que la película fuera revolucionaria, ni mucho menos, se trataba sencillamente de reflejar toda la mitología cristiana sobre la figura de Jesús en clave de musical. Una revisión, desde el punto de vista de Judas, de muchas de las preguntas que se hace el personal sobre la figura de Jesús El musical original, me resisto a llamarla ópera aunque algo de eso hay, fue estrenado en Broadway en diciembre de 1971 interpretado la noche del estreno por Yvonne Elliman (Magdalena), Jeff Fenholt (Jesús) y Ben Vereen (Judas). Ian Gilliam (componente de Deep Purple), Murray Head e Ivonne Elliman grabarían poco después la partitura en un doble vinilo. El tema Jesucristo Superstar –interpretada por Head- fue inmediatamente un éxito de superventas e incluso llegó a hacerse una versión española por un cantante del que no recuerdo su nombre. De la película sólo me quedo con la música como referente. La estética y el mensaje, si es que lo hay, han quedado ampliamente superados. Sin embargo la partitura se mantiene incólume a pesar de su antigüedad. Y si hay que elegir uno de los temas me quedo con los dos temas que cantan a dúo Anás y Caifas - Then We Are Decided se excribió expresamente pensado para la película. El otro tema es This Jesus Must Die, ya interpretado por los dos personajes anteriores y por los sacerdotes del templo. Y me quedo con los dos temas por la impresionante versión que hace el bajo Bob Bingham. La voz baja en el belle canto me parece una de las mas bellas y difíciles de interpretar. Cuando yo cantaba en coros, mi voz era la de barítono y siempre tuve envidia de las magníficas voces bajas de algunos compañeros. Esa voz es inimitable. O se tiene o no se tiene. Se podrá mejorar pero si se nace si ella es imposible forzarla y que quede bien. Binghan, junto con Elliman, formó parte del reparto original que estrenó en Broadway la obra de Rice y Lloid Weber. El tema que Caifás interpreta consigue un contrapunto excelente entre la voz aflautada de Anás y la fantástica voz de él. Es una gozada escuchar, con esa voz surgida directamente de una caverna profunda:
No, wait! We need a more permanent solution to our problem. Y despues la réplica de Anás con un registro de voz completamente diferente
What then to do about Jesus of Nazareth? Miracle wonderman, hero of fools.
Y continuando con las inteligentes frases acerca de la pérdida de su poder por causa del Nazareno: I see bad things arising. The crowd crown him king; which the Romans would ban. I see blood and destruction, Our elimination because of one man. Blood and destruction because of one man.
Definitivamente es mi película, e icono, para Semana Santa. No hay año en el que no revise alguno de los temas o vea alguna de las secuencias.
Como saben, la noticia del día -y del año- es que ETA ha anunciado una tregua indefinida. No se si se mantendrá, pero desde luego es una esperanza muy grande. Vamos a por la paz de una vez. Que sea para todos un inicio que lleve a un final bueno para todos. Hoy es un día alegre. Estoy contento, miren ustedes. (c) Alfonso Merelo 2006
Las palabras del título, un poco diferentes, las pronunciaba la actriz Patricia Neal al dirigirse al robot Gort en la película Ultimátum a la Tierra. Esta película fue dirigida por el recientemente fallecido Robert Wise. Wise murió el pasado 14 de septiembre en su residencia de los Ángeles. Fue uno de los directores clásicos de Hollywood y su producción no se encasilló en ningún género, sino que tocó todos los palos, desde el melodrama a la comedia musical, pasando por la película histórica o la de ciencia ficción. Sólido realizador que ganó dos Oscar por las dos películas musicales que realizó: Sonrisas y Lágrimas y West Side Story. No era uno de los grandes directores, las megaestrellas, pero sus películas no tenían nada que envidiar a las de los súper ególatras de Hollywood que con sus presupuestos inflados construyen espectáculos aburridos y sobrevalorados. En el terreno que mas conozco, la ciencia ficción y la fantasía, tuvo varios filmes mas que interesantes. En su primera película, La maldición de la mujer pantera – continuación de La mujer pantera- sustituyó al director Gunther von Fritsch. A partir de ese momento se labró un gran prestigio como hábil realizador. Son famosas Ultimátum a la Tierra, La amenaza de Andrómeda o Star Trek la película. En la Amenaza de Andrómeda consiguió convencer a los productores para que ésta fuera interpretada por actores casi desconocidos. Eso, decía, dará mayor credibilidad a sus papeles de científicos. Y lo consiguió desde luego. De su habilidad como director da prueba ésta última película en la que consiguió que el limitado Wiliam Shatner compusiera un papel medianamente interesante. Fue otra visión del universo Trek, no falta de interés. Iba a ser homenajeado en el Festival de Cine de San Sebastián, pero el gafe del que tiene San Sebastián ha funcionado una vez mas. Los homenajeados o bien fallecen antes de acudir o mueren poco después. Si yo fuera actor o directo o algo relacionado con el cine rogaría a los responsables del festival que ni se les ocurriera nombrarme como candidato a homenaje. Por si acaso. Vaya mi homenaje Robert Wise que tantas veces me hizo disfrutar en el cine.
En estos días que nos rondan, la celebración de la Semana Santa católica, es norma, y tan normal que se ha convertido en recurrente, que las diversas televisiones emitan películas de tema sacro, o seudo-sacro, en las que se nos muestra uno o varios de los episodios del Nuevo Testamento dedicados a su figura principal Jesús de Nazareth, o películas de “romanos” que llevan insertas eventos de la cristiandad principiante. Ben Hur, Quo Vadis, Jesucristo Superstar, Los diez mandamientos o Godspell son emitidas por cualquiera de las cadenas que se pueden sintonizar en España. No hace demasiado tiempo la única televisión que funcionaba prácticamente interrumpía su programación a partir del jueves Santo y se limitaba a ofrecer informativos, misas, oficios y en todo caso alguna película de tema religioso. Afortunadamente han cambiado los tiempos y ésta práctica ya no es habitual y, salvo la inclusión de alguna de las películas de temática religiosa, las cadenas continúan con sus programaciones habituales. Pero el tic o la costumbre de estrenar esos filmes se va a volver a dar este año. Si no me equivoco, el próximo viernes día 2 de abril se estrena en España La Pasión de Cristo que, dirigida por Mel Gibson, ha levantado gran polémica allá donde se ha estrenado. Por una parte, varias personalidades y grupos judíos la han tachado de antisemita- el New York Times se ha hecho amplio eco de estas opiniones-,y, asimismo, mandatarios de la Iglesia Católica han expresado su beneplácito, al considerar que refleja lo que fueron las últimas horas de la vida de Cristo. La película muestra las horas finales de la vida de Jesucristo, recreando todos los acontecimientos desde su detención en el Monte de los Olivos a su muerte en el Gólgota. A modo de flash backs se intercalan algunos pasajes relevantes del Nuevo Testamento: La última cena, las bienaventuranzas, la lapidación de la Magdalena; pero la base de la historia es exclusivamente estas horas finales. Una de las críticas mas extendida que se ha publicado sobre la película es su innecesaria recreación en el sufrimiento de Jesús. En tres escenas concretamente se explicita de manera inequívoca todo el rosario de torturas que se explican en el Nuevo Testamento. Es evidente que no es igual leer que ver y, aunque todos conocemos la historia, la descripción visual de los latigazos, la corona de espinas o la propia crucifixión, por poner unos ejemplos, son de un verismo espeluznante. Verdaderamente no es una película para cualquier público, máxime cuando esta muerte se hace muy cercana, para los cristianos por creen en Cristo, y para todos los no cristianos porque puede reflejar de una manera muy veraz las barbaridades de los métodos romanos de ejecución y tortura. En cualquiera de los caso estas escenas dejan al espectador una sensación de desazón muy intensas. ¿Era necesario ese nivel de explicitación? No lo sé; pero desde mi punto de vista se efectúa una innecesaria apología del sadismo o masoquismo, recreándose en los detalles más escabrosos. Llegados a este punto sería conveniente recordar que las religiones cristianas basan sus iconos en esta apología del sufrimiento. Desde el símbolo de la cruz, hasta las manifestaciones de Semana Santa, o las barbaridades en Filipinas en las que los fieles se crucifican realmente rememorando la pasión, la religión cristiana tiene sus señas de reconocimiento en esa crueldad y en un no declarado componente sádico-masoquista. Sin salir de España podemos encontrar ejemplos clarificadores de estas tendencias: los “empalaos” de Valverde de la Vera o cualquier penitente que, descalzos, arrastrando cruces, cadenas o flagelándose públicamente, se pueden ver en cualquier procesión a lo largo de toda nuestra geografía. ¿Qué pretende Gibson conseguir con estas escenas? ¿Es una película aleccionadora para acercar la figura de Cristo al espectador; siquiera por medio de la compasión? Es posible. Gibson es un reconocido miembro activista de una iglesia cristiana y puede ser que su película pretenda “convertir” o acercar al espectador al Cristo evangélico. Desde luego el guión no se toma ningún tipo de libertades a la hora de reflejar la figura de Cristo, puesto que se sigue paso por paso lo que cuentan los evangelios sin interpretar u opinar nada. La factura de la película es correcta y las interpretaciones se pueden dar por buenas, destacándose la de Maia Morgenstern –María-, cuya actuación refleja de manera muy convincente el sufrimiento de una madre para con su hijo, o la del cónsul romano con sus todas sus dudas y remordimientos. Respecto del antisemitismo o no de la película, el director no parece hacer distingos entre la brutalidad de unos u otros. Es cierto que el sanedrín judío denuncia al protagonista y consigue que se condene a muerte al supuesto reo. Esto se refleja con nitidez en el metraje, haciendo tan bárbaros a los dirigentes judíos como a la turba que les acompaña. Como contrapunto tambien hay que decir que muchos de los judíos que aparecen como personajes reflejan su compasión y muestran su desacuerdo con este asesinato. Por otra parte los romanos tampoco salen bien parados, porque si bien a los jerarcas, o mandos del ejército, se les da cierto trato amable (yo no quería, yo hago lo que vosotros me decís qué haga), a los ejecutores se les trata como auténticas bestias sanguinarias que disfrutan de su trabajo sádicamente. La escena de la flagelación, unos terribles e interminables 15 minutos, muestra cómo estos romanos ejecutan fríamente con saña y gusto su “cometido”. Como cosa curiosa me ha resultado muy agradable escuchar los diálogos en latín (la película esta rodada íntegramente en arameo y latín), idioma que tenía oxidado desde mis años de bachillerato, pero que resulta muy interesante de escuchar.