Alex de la Iglesia, el presidente de la academia del cine, comentaba esta tarde que no toleraba que se hablara de películas cutres referidas a algunas de las que había protagonizado José Luis López Vázquez. Esa defensa numantina de los valores de la cutrez me recordó a otras que se han hecho de los valores literarios de las novelas denominadas de “duro”. Éstas, que tuvieron su apogeo en los años 50 y 60, y algo en los 70, eran simplemente literatura de evasión, hecha por trabajadores de la máquina de escribir sin otras pretensiones que, por un lugar ganar dinero para aliviar la penuria, y por otra sencillamente distraer, generalmente a las clases de bajo nivel intelectual.

La reivindicación de lo cutre, de lo hortera y de lo mediocre me parece sencillamente una pérdida de tiempo. Por eso las palabras del cineasta me han resultado muy chirriantes. En el caso del desaparecido actor es indudable que ha participado en películas con valores artísticos destacados que hay que diferenciar a las puramente alimenticias que también rodó sobre todo en los setenta. Si por una parte tuvo una espléndida actuación en “Mi querida señorita”, “Habla mudita”, “Pepermint Frapee”, “El bosque del lobo” o en “El pisito”, hizo lo que pudo en verdaderos bodrios como “Doctor me gustan la mujeres ¿es grave?”, “Como está el servicio”, “El fascista la Beata y su hija desvirgada” o “El cid cabreador”.

Las películas de la época del destape, o inmediatamente anteriores, eran filmes de muy bajo presupuesto y de muy baja calidad media. Enfocadas directamente a un consumo masivo sin mas aspiraciones que el espectador lo pasara bien. No tenían ínsulas de trascendencia, no de cine de “creación”, ni mensajes que enviar. Eran sencillas y, generalmente, muy malas. Por eso el efectuar defensas de la “calidad” de esos productos, que ni la tenían ni lo pretendían, me resulta tan fuera de lugar como las que se hicieron sobre la llamada novela popular o de duro. Evidentemente dentro de ésta había algunas que se podían rescatar de la mediocridad, pero e 90% de las mismas eran literalmente una bazofia mal escrita o peor plagiada. El respeto máximo a su creadores, que trabajaban en condiciones a veces inhumanas, pero no por estos subproductos de nula creatividad. Y esa comparación se extiende a la mayoría de las películas de este periodo que, salvando algunas de ellas, eran tan deficitarias en imágenes como planas en sus guiones. Por supuesto podíamos ver tetas pero eso era lo único.

Para finalizar desde estas líneas expreso mi máximo respeto y admiración por un actor al que vi sobresaliente en muchas de sus interpretaciones y que me subyugó en la película de Armiñan “Mi querida señorita”, aunque el papel que mas me divirtió fue el de la genial película de Berlanga “La escopeta nacional” en la que interpretaba al pijo y salido Luis José.Y, por descontado, no podemos olvidar los amantes del fantástico su interpretación en "La cabina" de Mercero. Fuera de serie, sin duda.

© Alfonso Merelo 2009

Desde siempre he sido un modesto seguidor de los filmes de James Bond. La mezcla de impunidad violenta, viajes, exóticos lugares, artefactos fantásticos, buenos hoteles, buenos vinos, casinos y mujeres mas que apetecibles son el cóctel que los filmes de la franquicia Bond han ofrecido al espectador. Diversión sin demasiados complejos es lo que se ofrece en la pantalla con grandes alardes de efectos visuales que trasforman al agente británico en casi un superhéroe con smoking en lugar de los consabidos gallumbos por encima del pantalón.

De todos los actores que han interpretado al personaje sin duda el que ha calado mas hondo en el inconsciente cinematográfico ha sido Sean Connery con unas interpretaciones del personaje mas que resaltables. Pero en el campo de la  ciencia ficción, la etapa protagonizada por Roger Moore ha sido la más fructífera. Desde la fallida “El hombre de la pistola de oro”, que contenía algunos elementos fanta-científicos, la siguiente película “La espía que me amó” llevaba a Bond a aliarse, en los últimos años de la guerra fría,  con los rusos representados por la impresionante mayor Anya Amasova, interpretado por la actriz Barbara Bach, para desbaratar un plan para destruir el mundo mediante una guerra nuclear. En esta película los elementos de ciencia ficción están mucho mas explicitados tomando para sí escenarios clásicos del género como la ciudad submarina de Atlantis, producto del egomaníaco  Karl Stromberg.

Anya Amasova- Barbara Bach

  Similar argumento plantea la siguiente película del ciclo titulada “Moonraker”. Realmente esta película es un remake  encubierto de  "La espía que me amó" ya que incluso mantiene escenas exactamente iguales, como la final sin ir mas lejos en las que  Bond comparte capsula de salvamento y lecho amatorio. "James, llévame a otra vez al cielo"es la frase qeu cierra el filme. La novela original, del mismo título, fue publicada en 1955 y su parecido con el film es meramente coincidente en el nombre y en el protagonista “malvado” llamados en ambas producciones Hugo Drax. Si en la novela el enemigo de Bond trata de destruir Londres con el misil nuclear experimental “Moonraker”, en la película esta obsesión se magnifica y Drax pretende destruir toda la vida humana en La Tierra.

El undécimo film de la saga se estrena en 1979 y es la primera vez que Bond viaja al espacio. Anteriormente se había tratado el tema del vuelo espacial en el título “Sólo se vive dos veces”, pero el agente 007 no tripulaba ninguna nave.

Este film es el único, que conozca, que se salta la continuidad de la serie ya que en los títulos finales de la anterior película, “La espía que me amó”, aparece la leyenda “James Bond volverá en Sólo para sus ojos”. Sin embargo ese film sería abandonado para rodar “Moonraker” y sólo después del estreno, ésta, se rodaría y se exhibiría. La razón de este cambio no es otra que la aparición en 1977 de “La guerra de las galaxias”. Ese film de space opera relanza la ciencia ficción visual y hace que los productores se planteen películas de este género. Albert R. Broccoli, productor de los diversos títulos de la serie, se lanza a rodar un film que en su tercio final es pura space ópera, si se quiere mas cercana, pero con todos los tics de la misma.

La historia, como ya hemos contado, es muy similar al guión de “La espía que me amó”. Si en el primer caso el “visionario” de turno tenía una base submarina, en esta ocasión posee un base espacial en orbita terrestre. Drax es el constructor de los trasbordadores espaciales Moonraker que la NASA usa en su vuelos orbitales. Bond ha de investigar la desaparición de una de las naves que era trasladada al Reino Unido. En su intento de averiguar lo que ha ocurrido llegará a la conclusión de que se trata de un complot dirigido por Drax para acabar con la vida humana.

La película se estrena sólo dos años después de la anterior para aprovechar el tirón de las películas de “espacio”. La publicidad de la misma se encarga de remarcar que es la primera película de “James Bond en el espacio”, y así se vende al espectador.

Indudablemente el film no tiene ni pies ni cabeza y es mas paródico que otra cosa. Ni siquiera los efectos visuales logran salvar una ramplona interpretación y dirección que ninguno de los participantes se creen. La elección de la partenaire de Bond, Lois Child,  es también de dudable acierto ya que no parece que esté cómoda en su papel de competidora y posterior amante del agente. El intento de Michael Lonsdale de darle empaque a su personaje, Hugo Drax, no parece recoger frutos cuando el actor, inolvidable en “El nombre de la rosa”, se ve compelido a mantener un rictus hierático y pomposo en todas las escenas, incluso en la de su estúpido asesinato a manos de Bond.

Hugo Drax

 La película, como casi todas las del personaje, nos lleva a recorrer el mundo desde Europa a Estados Unidos y Brasil. Espectaculares paisajes pueden ser disfrutados por los espectadores. El lujo y el glamour están también presentes en las localizaciones elegidas: Londres, Venecia, Estados Unidos, Río de Janeiro y el Amazonas. El agente del MI6 dispone en esta cinta de diversos gadgets al uso: un reloj con rayos láser, una góndola hovercraft con la que pasea por la Piazza San Marco, una lancha con diversos dispositivos incluyendo un ala delta y algunas cosas mas que son proporcionadas por el  equipo del ingeniero Q.

Es en el último tercio de la película, como ya hemos dicho anteriormente, cuando se desata la mayor parte de la acción. La estación espacial de Drax es abordada por su tripulación para desencadenar el armaggedon, enviando a la atmósfera un compuesto químico que matará a todos los seres humanos. Bond y los refuerzos americanos en forma de marines astronautas de guardia acabarán con la locura y vida de Drax.

A Moonraker hay que reprocharle que no se toma en serio nada de lo que se ve en pantalla (aunque hay que tener en cuenta que la etapa Moore es la más auto paródica y cómica de todas). Los guiños al espectador, y al aficionado,  son múltiples: el código de apertura de un laboratorio son las cinco notas de “Encuentros en la tercera fase”, al matar a una boa dice Bond “tenía tendencia a enrollarse”, las moonrakers son copias de la lanzadera espacial norteamericana y por fin la estación espacial tiene unos ambientes similares a la estética de 2001, con sus colores brillantes y sus diferentes niveles en altura.

Divertida, intrascendente y, en ocasiones, espectacular (la escena del Pan de Azúcar es inolvidable aunque falsa), Moonraker es uno de los mas destacables ejemplos de la vacuidad del contenido y la fastuosidad del envoltorio.

© Alfonso Merelo 2009

No se si sabrán que el coche que Starsky y Hutch usaban en su serie era un Ford modelo Gran Torino del 75. Ese modelo, que se comenzó a fabricar en 1968, es uno de los macguffin de la última película dirigida por Clint Eastwood. Si el coche de los dos policías de pantalón de campana y patillas exageradas era una horterada que todos los horteras se apresuraron a imitar (los Renault 12 tuneados de la época eran dolorosos hasta para un adolescente), el coche que aparece en la película es una verdadera belleza. Pero no crean que esto va a ser un artículo sobre las bondades de los diferentes modelos del coche Ford. En realidad se trata de glosar la película que el viejo Clint nos ha dejado para la posteridad.

Si me lo permiten, voy a emitir, así de entrada, un juicio de valor,  a los que soy poco dado, al menos en público,: “Gran Torino” es una obra maestra.

Dicho esto creo que no tengo nada más que decir, si acaso justificar de alguna manera esta afirmación anterior. Pero eso supone un gran trabajo intelectual y no se si estaré a la altura de las circunstancias. Porque una cosa es que te haya gustado una película y otra intentar convencer con razonadas exposiciones a los demás que ésta es lo que se afirma que es.

De partida nos encontramos con un director que ha realizado una carrera excepcional en ese campo y que nos brinda una obra crepuscular que remata su carrera como actor. Eastwood ha afirmado que esta es su última película como actor, sus 80 años no se notan en exceso, aunque seguirá dirigiendo filmes –su próximo proyecto es un biopic  sobre Nelson Mandela-. La obra sólo es crepuscular en el sentido de este abandono, porque si por crepuscular entendemos  que tiene poco brillo desde luego no se puede decir que esta palabra sea la definición que mas cuadre al film.

El Gran Torino es de una belleza fascinante. En pocos decorados, apenas dos calles, dos casas y algún escenario mas como la barbería, Eastwood se dirige a si mismo, y a un grupo de actores que son desconocidos en su mayoría, en un espectáculo de introspección maravilloso. En las dos horas que dura el metraje vemos pasar muchos de los tics que el actor ha protagonizado a lo largo de su extensa carrera. Es mas Frankie Dunn o William Munny (Million dollar Baby y Unforgiven) que Harry Callahan o John Wilson (Dirty Harry  o White Hunter Black Heart), aunque el personaje del “polaco hijo de puta” de Walt Kowalsky es, sin duda, un compendio de todos ellos pasado por el tamiz de la madurez reflexiva. Este personaje es duro, pero tierno a la vez. Violento, pero suave. Conservador y el mas progresista. Desagradable y entrañable. Que esto se consiga demostrar de manera inequívoca a lo largo del metraje da una idea de que lo que el espectador está viendo es una película casi perfecta.

Si el personaje principal se establece como el referente de la historia, y nos identificamos con ese viejo luchador, los personajes secundarios son asimismo un increíble retablo de registros. Así un sacerdote recién salido del seminario que quiere hacer las cosas como le han enseñado se encontrará con un parroquiano escéptico  que le enseñará nuevos caminos. Un vecino, Thao, aprendiz de pandillero, de la etnia hmong, verá como su vida cambia radicalmente al encontrar en Walt un mentor. La hermana de Thao se convertirá en el enlace entre el mundo del veterano soldado en Corea y el mundo de los “rollitos de primavera”, como él llama a todos los orientales.  Estos tres personajes fundamentales se ven acompañados por otros igualmente interesantes. Curiosamente los que resultan personajes patéticos, e incluso con  interpretaciones rallando en lo molesto, son todos los “malos”, los pandilleros de varios colectivos que son estereotipos paródicos. Si todo está cuidado en la película, es incompresible que éstos estén tan descuidados salvo que sea intención del director.

El final, por esperado, no resulta menos impactante con una escena en la que el espectador está esperando que sea otra la actitud de Walt, aunque sabe que por el camino que nos ha descrito Eastwood, esa postura es imposible.

Como curiosidad extraña hay que comentar que en la película no aparecen teléfonos móviles ni ordenadores. Incluso en una escena en la que el móvil parecería imprescindible se localiza a una persona, o se intenta, por medio del teléfono convencional. Y no, no trascurre en un pasado reciente. Tenemos televisores de plasma y coches modernos. La ausencia de esta tecnología debe ser una imposición del director, supongo. ¿Por qué? Pues no lo se. Seguro que no tiene mayor importancia

 Espero poder ver Gran Torino en versión original, porque, quitando a Constantino Romero tan eficaz como siempre, hay doblajes que son lamentables rozando lo patético.

Aún con ese -grave- defecto no achacable al director, esta película es de las imprescindibles de esta temporada. No se la pueden perder.

© Alfonso Merelo 2009      

Ha pasado una semana desde el estreno de la película Watchmen y durante este tiempo se han cruzado en la red cientos de mensajes que contaban, en esencia, que era una película abominable y por otra parte que, no siendo una obra maestra, era una mas que aceptable recreación del mundo de los vigilantes creado por Moore y Gibbons.

He intentado acercarme a la película sin establecer comparaciones con el tebeo del que procede, cosa imposible pues W es uno de mis (pocos) tebeos de referencia desde hace años. Pero si esto es imposible, pienso que no lo es contar mis impresiones sin tener en cuenta la procedencia.

Llevo unos mese viendo todas las películas que caen en mis ojos que proceden de un tebeo previamente. Quiero decir con esto que he visto de todo y en un porcentaje muy alto penosas obras que no es que no adaptaran bien el original, es que lo ignoraban y además eran malas películas. Se me viene a la memoria DareDevil o El motorista fantasma (la peor elección de actor protagonista en décadas)  por no irnos a muchos años atrás, y en el bando contrario, las buenas películas con buenas adaptaciones como  dos artes diferentes, soy de la opinión de que no se deben comparar. La película ha de ser juzgada por sus propios referentes y dentro de su ámbito sin tener en cuenta de donde proceden. Actuaciones, montaje, dirección de actores, guión, música, ambientación, diálogos, efectos,  fotografía… todas esas pequeñas cosas que componen el todo cinematográfico son las que nos deben dictar si una película funciona o no lo hace.

Como ya digo, ayer pude ver la película dirigida por Zack Synder y mi primera impresión es que es una película mas que interesante. Desde el punto de vista del espectador es, quizá, excesivamente larga y la condensación de escenas ha sido un problema que no se ha sabido resolver con acierto. Para contar la historia de los vigilantes, el director ha usado el recurso de las voces en off que, ciertamente, aclaran muchas cosas pero que resultan excesivas como forma de explicar el argumento.

La historia se engrana a partir del asesinato de “El comediante”, uno de los vigilantes norteamericanos que ha estado en activo durante décadas. Sus compañeros, antiguos vigilantes también, acuden al entierro y recuerdan como conocieron al mismo y sus relaciones con él en diversas situaciones de combate. La investigación de uno de los vigilantes “Rorschach” llevará  a un desenlace inesperado, por supuesto para el que no hay leído previamente el tebeo.

La estructura parece episódica con transiciones muy marcadas entre unas historias y las siguientes. Las tres historias principales son la de Rorschach, el trío formado por el Dr. Manhatan-Espectro de seda-Buho Nocturno y la trama de investigación del misterio del asesinato. Las tres historias se entremezclan muchas veces para converger al final en el espectacular desenlace en la fortaleza de la soledad del polo ¿o esto era de otra película?

Si de las actuaciones hablamos, que debemos hacerlo, sobresalen las de Jeffrey Dean Morgan (el “fantasma” Denny Duquette de Anatomía de Grey) un mas que convincente Comediante y Jackie Earle Haley, durante el breve tiempo que pasa sin su máscara de Rorschach. No podemos tampoco olvidar a Malin Akerman, Laurie Jupiter, y sus impresionantes dotes físicas para atraer la atención. Espectacular sin duda cuando asume el rol de Espectro de Seda. Ozymandias, Matthew Goode, está demasiado afectado para componer un buen vigilante.

A la película parecen faltarle escenas. Hay algunas escenas que no se entienden demasiado bien porque se presume que falta algo para completar el cuadro. ¿No hubiera sido mejor hace una película en dos partes para poder completar lo que presumo que el director incorporará en el DVD? También queda en evidencia la “imposible” actuación del Dr. Manhatan. Las peculiaridades del personaje hacen que resulte visualmente deficiente. Si Hulk fallaba, además, por el aspecto de La masa, que nunca termina de convencer, a Watchmen le ocurre lo mismo con el exagerado Dr. Manhatan que nunca parece verosímil en imagen. Tal vez hubiera sido mejor usar un actor, el mismo Billy Crudup, sin disfrazar informáticamente y sin pintar de azul (a Lou Ferrigno lo pintaban de verde y era patético).

La truculencia y los toques gore, son señas de identidad del director que ya nos brindaba un espectacular baño de sangre en 300. Aquí tampoco se ha privado de ello y en algunas escenas, los combates de Búho y Espectro contra los pandilleros o las escenas de la prisión, se deja llevar por su afición a la hemoglobina.

¿Se puede ver la película sin haber leído previamente el tebeo? Sin duda, aunque repito que pueden faltar algunas escenas, que si no son clave si complementan el resultado final.  

Y para termina ¿es una buena adaptación?  Desde mi punto de vista si. Es respetuosa y sigue con relativa fidelidad los originales del tebeo. No es tan profunda como la obra en la que se basa, pero sin duda es una buena manera de acercarse a ese mundo paralelo en el que Nixon es elegido presidente para un tercer mandato.

© Alfonso Merelo 2009

Mañana se estrena la largamente esperada adaptación de Watchmen. Tengo interés en ver como han resuelto los guionistas las enrevesadas vueltas de tuerca que Alan Moore desarrollara para el comick book original. David Hayter, escritor de las películas de X-Men o “El rey escorpión”, y Alex Tse son dos de los guionistas de la adaptación, mientras que Zack Zinder, director entre otras de “300”, es el encargado de llevar a imagen los dibujos ideados por Dave Gibbons.

Mi contacto con Watchmen se realizó hace mas de 20 años cuando viví por un tiempo en Madrid. El irme a trabajar allí, un tipo de provincias, supuso el volver a emocionarme con los tebeos, recuperando en “El rastro” algunos viejos cuadernos que me habían pasado de largo en Cádiz.

En esa época, 1987, compré en febrero y en un kiosco de la Gran Vía el numero 1 de Watchmen y el nº uno de “Crisis en Tierras Infinitas”, ambos de DC comics y editados en España por Zinco. Tebeos que aún conservo.

Watchmen fue impactante. Esperaba ansioso todos los meses la aparición del tebeo, porque recuerden que fue concebido como una miniserie de 12 episodios y no como posteriormente nos la han vendido como novela gráfica. Durante un año estuvimos esperando el desenlace, aunque uno consiguió algunos números norteamericanos, muy caros, en la extinta Madrid Comics, creo que así se llamaba, que también estaba en un bajo de La Gran Vía cercano a uno de los VIPS que estaba, y está, por allí. (Mi historia con los VIPS y La Gran Vía madrileña es larga y lo mismo es motivo de un artículo un día de estos.)  Esos meses fueron de relectura de los números anteriores intentando ver como iba a continuar la historia y de sorpresa y sorpresa por la habilidad demostrada por los autores para capturarnos e una historia que era ucronía, ciencia ficción, superhéroes y aventuras de un dios aprendiz de omnipotente.

Hace un par de meses tuve la oportunidad de leer en primicia el ensayo que Rafael Marín ha dedicado al tebeo de superhéroes que acabó con los superhéroes. Un estudio concienzudo con mas reflexiones y análisis que cualquier otro que yo haya leído. Supongo que será un referente futuro para los estudios de este magistral tebeo.

Y mañana supongo que ya tendremos muchas criticas y opiniones de la película Seguramente no podré verla este fin de semana, pero no cabe duda que será un objetivo cinematográfico en los próximos días.

Y el próximo lunes en el programa “A través del espejo”, que pueden seguir desde el enlace de la cabecera, entrevistaremos a Rafael Marín para hablar de este libro y de algún otro de su cosecha. No se lo pierdan.

© Alfonso Merelo 2009

Aunque sea políticamente incorrecto, el título refleja lo que está pasando en el mundo de los vampiros tanto en la literatura como en lo audiovisual.

Acabo de ver dos episodios de Moonligth, una serie de televisión protagonizada por un vampiro que no quiere hacer caño a los humanos. Es, además, detective privado y se dedica a ayudar a la gente. En uno de los episodios persigue a otro vampiro que se ha vuelto loco y va asesinando por ahí a los humanos porque, como él dice “soy un depredador y estoy por encima en la cadena alimenticia”. Y es que los vampiros modernos están “amariconaos” y se me permita la licencia.

Drácula o Carmilla tanto da eran vampiros de verdad. Asesinos de la noche que pretendían satisfacer sus mas bajos instintos: el sobrevivir a costa de los demás. Eran creaciones diabólicas, encarnaciones del mal en definitiva. Pero ahora se han convertido en meras especies diferentes que necesitan sangre para sobrevivir y que recurren al banco de sangre mas cercano para ello.

Los vampiros clásicos, y a Drácula me remito, hacían de su alimentación un rito sensual y sexual. El hecho de “chupar” sangre tenía unas connotaciones singularmente coitales que establecía una comunión sexual entre la “víctima” y el agresor. Por supuesto el vampiro era el amo y señor de su “harén”  y mandaba sobre sus vampiresas. Esto se ha acabado y ahora todos los vampiros modernos se plantean dudas existenciales sobre lo que son o no son y su convivencia con los humanos. Se han establecido una serie de hermandades de vampiros que siguen reglas y se avienen a convenciones sobre dañar o no dañar a seres “inocentes” Excepciones las hay, pero esa regla del vampiro blandito y suavecito se viene dando de unos años a esta parte.

Tal vez la cosa empezó cuado Anne Rice publicó su “fantástica” novela “Entrevista con el vampiro”. Su adaptación cinematográfica, con Tom Cruise y Brad Pitt, fue un revulsivo importante que influenció a otras obras posteriores. Esos vampiros con remordimientos y con mucha duda existencial hicieron mucho daño al universo vampírico. Sin duda la influencia se hace patente en el personaje de Ángel, atormentado vampiro con alma en la serie  Buffy Cazavampiros, aunque en su descargo habría que decir que el tormento de ser “bueno” está condicionado por un hechizo gitano. El caso de Spike, otro vampiro que tenía por seudónimo el de William el Sanguinario, es completamente diferente ya que el elige por amor a Buffy recuperar su alma. En este universo, el creado por Joss Whedom, los vampiros son seres sin alma y sin ningún tipo de remordimientos. Son depredadores que no se preocupan por sus víctimas, imitando a sus mas clásicos antecedentes. Sólo estos dos casos ya nombrados se salen de la normalidad. En descargo de ellos habría que decir que los guiones están muy bien desarrollados y su grado de “blandéz” se ve compensado con unas excelentes tramas que les obligan a hacer lo que hemos descrito.

Tomemos ahora el caso de Crepúsculo, película de reciente estreno que procede de la serie de libros escritos por Stephenie Meyer. Es el caso de unos vampiros “jóvenes” al menos con ese aspecto que aún van al instituto, suponemos que para disimular su condición de jóvenes eternos. El protagonista, Edgar Cullen, se enamorará de una teenager, Isabella Swan. Edgar pertenece a una feliz “familia de vampiros” que viven todos juntos y se ayudan. El componente romántico es el que predomina en toda la historia creando un vampiro que como personaje, el y los demás, son una anomalía que no se parece en nada a la sexualidad que desprende el goticismo de la novela de Stoker. La película es una tremenda sucesión de majaderías de instituto que no tienen mucho sentido si presuponemos que el protagonista tiene muchos años más de los que aparenta dada su relativa inmortalidad.

Y así, del mito cristiano del renacimiento a través de la sangre (el vampiro no es mas que un comulgante algo especial) pasamos a ver cómo estos seres se nos descarrían y tienen sentimientos de piedad y de camaradería con sus presas.

Es una lástima pero en esas estamos.

Quiero volver al vampiro clásico que muerda bien a sus víctimas, femeninas por supuesto,  y a poder ser que éstas estén en desahabillee.

© Alfonso Merelo 2009

Etiquetas: Dracla, vampiros

JESUS FRANCO, GOYA 2009 A LA LABOR DE TODA UNA VIDA. ¡ENHORABUENA!

Este año, como miembro de UniRadio me he acreditado como prensa en el 34 Festival de Cien Iberoamericano de Huelva. Ayer sábado fue la gala de inauguración y estuve trabajando haciendo fotos y alguna entrevista, ayudando a mis compañeras Maite y Rocio.  El hecho es que este improvisado reportero, estaba haciendo algunas fotos cuando de repente me fijo en un hombre en silla de ruedas a la que acompaña una señora de pelo blanco. Los dos me resultan conocidos. Son invitados pro la organización, dados el color de sus pases, pero no consigo ubicarlos. De repente caigo en la en quienes son ¡Jesús Franco y Lina Romay! Si, efectivamente, tio Jess se encuentra a escasos metros de mi y le acompaña su musa y actriz fetiche en muchas de sus películas. Este es un festival de cine iberoamericano entonces ¿qué hace allí? ¿En donde encaja el director mas famoso de serie B en este lugar? El misterio se desvelará en pocos minutos. Intento hablar con ellos, pero el delicado estado del Franco me lo impide, así que me contento con algunas fotos.

El motivo de la presencia de Jesús Franco, el director mas prolífico del cine español junto con Ozores, en esa gala es porque forma parte del reparto de la película “Esperpentos” que dirige Jose Luis García Sánchez y que ayer se estrenó en Huelva. Franco participa en un pequeño papel como seguidor de Valle Inclan. Indudablemente es una persona muy querida ya que el resto de los compañeros de reparto lo trataban de una manera mas que amistosa y deferente.

Pilar Bardem, Jesus Franco y Lina Romay (Foto (c) www.festicinehuelva.com)

Ese fue el encuentro friki de la noche. El resto, mas convencional, lo podran escuchar en el programa de mañana en A través del Espejo. Allí les emplazo.

© Alfonso Merelo 2008

En rigor habría que decir que los guionistas del cine porno son bastante limitados. Sí, ninguno de ellos alcanza el mas mínimo de calidad en cuanto a diálogos o situaciones. Una película porno requiere exclusivamente actores y actrices bien dotados, en todos los sentidos, para practicar el deporte que mas adeptos tiene en el universo conocido. Cierto es que las escenas posibles a planificar y ejecutar tienen unas serias limitaciones técnicas y de variabilidad. Está todo inventado y por tanto la reiteración es norma en este tipo de producciones que van a lo que van.

El cine porno es, por tanto, reiteración ad nausea y usar todo lo posible cualquier otro recurso de cualquier otro escenario o situación real o imaginaria. Es natural que los títulos de las películas sean remedos, generalmente simpáticos, de los de films “normales”. Esos títulos son muchas veces descacharrantes y simplemente intentan atraer la atención del porno-mirón. La mayoría de las veces no tiene nada que ver el título con el contenido, aprovechando el tirón de la película original para darse publicidad.

Hay verdaderas maravillas entre estos títulos corruptos, pero hay uno, que no es una copia ni siquiera es porno, es película S, al que siempre se hace referencia por lo zafio y garrulo del mismo; esta estrella es “El fontanero, su mujer y otras cosas de meter”. No me digan que la profunda poesía del título no es conmovedora.

Pero centrándonos en los títulos que remotamente son asimilables a las películas de temática fantástica vamos a ver algunos de los mas extraños y divertidos:

Con “2001: La que te manosea despacio” se alcanzaron sublimes notas de rima en consonante y en “Abierta hasta el amanecer” no se explicita si se trata de un after hours, una tienda de cosmética o una sala de fiestas. Aunque si piensan lo peor, seguro que aciertan. “E.T. pl peneterrestre” es algo indescriptible como nombre en consonancia con aquella cosa de los hermanos Calatrava, “ET y el Otto” en la que el “feo” hacía un ET parecido a Woody Allen disfrazado de espermatozoide. “El Polvo Jurásico” es otra imaginativa cinta donde, supongo por el nombre, se lo deberían pasar estupendamente en esa era geológica. Si no había humanos en esa época ¿los polvos descrito eran entre dinosaurios? ¡Que horror!

El mas famoso arqueólogo de todos los tiempos, el Dr. Jones, tiene varios títulos interesantes “Indiana Jodes En El Templo De Mi Coñito” – madre mía- “Indiana Jones Y El Rabo Maldito” –seguro que no es un programa de cocina en la que se indique como guisar el rabo de toro- “Indiana Jones Y El Templo Calentito” e “Indiana Jones: En Busca Del Rabo Perdido” –seguramente el referido rabo maldito de dos películas anteriores.

El astronauta mas famos de universo sufrió una adaptación porno soft titulada "Flesh Gordon". Hay que decir que esta pelíucla tenía unos aparentes efectos especiales y funcionaba parodia delirante

“La Guarra de las galaxias” es otro de los títulos míticos. No sé de qué iba el argumento, pero puedo imaginar cosas con la princesa Leia o con los robots. A fin de cuentas en ”El retorno del Jedi” Leia estaba liada con Jaba el Hut y nadie se sorprendía de tamaña barbaridad.

Pero es “Mamatrix” la que en menos palabras, una, expresa todo lo que va a dar de sí, evidentemente, la cinta. Es un título contundente y muy expresivo.

Les dejo con un listado de los títulos mas extravagantes y sus correspondientes originales.

Austine Powder (Austin Powers)

Coñon El Barbaro (Conan el bárbaro)

Coñon El Destructor (Conan el destructor)

Demolition Woman (Demolition man)

Eduardo Manospajeras (Eduardo Manostijeras)

Eduardo Manospenes (Eduardo Manostijeras)

El planeta de los Pollanimios (El planeta de los simios)

El Polloncito Frankestein (El jovencito Frankestein)

El Polvo Jurásico (Parque Jurásico)

El Quinto Coño (El quinto elemento)

El Sexo Sentido: Veo A Gente En Bolas (El sexto sentido)

Entrevista con el pepino (Entrevista con el vampiro)
El Señor De Los Conejillos: La Comunidad De La Verga (ESDLA: La comunidad del anillo)

El Señor De Los Cipotes: Las Dos Vergas (ESDLA: las dos torres)

Eyacula (Drácula X) (¿Drácula?)
Hard Cipotter (Harry Potter)

Indiana Jodes En El Templo De Mi Coñito (Indiana Jones y el Templo Maldito)

Indiana Jones Y El Rabo Maldito (Indiana Jones y el Templo Maldito)

Indiana Jones Y El Templo Calentito (Indiana Jones y el Templo Maldito)

Indiana Jones: En Busca Del Rabo Perdido (Indiana Jones y el Templo Maldito)

Juranal Park (Parque jurásico)

La banana mecánica (la naranja mecánica)

La Guarra de las Galaxias (Star Wars)

La Princesa Nabo, primera trilogia de la amenaza travesti (Star Wars)
La Noche De Los Zombies Calientes (La noche de los muertos vivientes)

La noche de los zombis calientes

La Polla Interminable (La historia interminable)

Las Bellas Y Las Bestias (La bella y la bestia)

Las Bolas Del Dragon (Bola de dragon)

Las Historias Guarras De La Hermana De Harry Potter: Susu-Potte (¿¿¿???)

Mamatrix (Matrix)

Nabocop (Robocop)

Penecircuito (Cortocircuito)

Penetreitor (Terminator)

Penetreitor 2 el juicio final (Terminator 2 el juicio final)
Polvo Jurásico (Parque Jurásico)
Porculeitor (Terminator)
The Sex Blair Project (The blair whitch project)

Rabocop (Robocop)
Raboman (Robocop)
Sperman (Superman)

Spiderpene (Spiderman)

Star Sex: La Penetrilogia (Star Wars)

Star Warras: El Ataque De Las Poyas (Star Wars: el ataque de los colenes)

Star Warras: Episodio X (Star Wars)

Ya Se Quien Te La Chupó El Último Verano (Se lo que hicisteis el último verano)

© Alfonso Merelo 2008

Etiquetas: Titulos, fantasticos, porno

Parece ser que Robert Rodríguez, el famoso y sobrevalorado director Mexicano, va a acometer la “proeza” de rodar un remake de la psicotrónica Barbarella. La versión original de esta proeza del pop-art fue rodada pro Roger Vadim en 1968. Su esposa en la época, Jane Fonda, fue la protagonista absoluta, acompañada por Phlip Philip Law, Marcel Marceau o Ugo Tognazzi en los papeles protagonistas. Una jovencísima Fonda que, en su memorias, cuenta lo que padeció en el rodaje del film. Estuvo colgada de cable con Jonh Phlip Law durante horas para rodar las escenas de vuelo, tantas que los arneses les provocaron heridas a los dos. La secuencia del streptease inicial se rodó en un set especial en el que Fonda permanecía en un cristal, mientras que las cámaras estaban debajo de ella con el consiguiente vértigo para la actriz. Jane Fonda es y sigue siendo Barbarella. Su figura, su cara y su actitud angelical daban un divertido toque a la heroína del espacio.

Para esta nueva versión Rodríguez quiere contar con Rose McGowan, su actual pareja y recordada suplente de Prue Halliwel en “Embrujadas” actuando como Page. Particularmente no me disgusta que la actriz sea la nueva Barbarella, sin embargo a mi me da una imagen de todo menos de angelical. Tiene la imagen contraria, seguramente favorecida por su pasado junto a Marilyn Manson y sus espectaculares vestidos o desvestidos que usaba. Mcgowan no se ha cortado un pelo en mostrar sus encantos, mientras que en Fonda era la primera vez que la veíamos así y el choque se convirtió en uno de los alicientes de la película. Con esta nueva actriz la impresión no va a ser la misma experiencia.

El personaje concebido por Forest no se parecía en nada ni a Fonda ni a McGowan, pero el icono que ha quedado es el de Fonda. ¿Qué otras actrices podrían haber interpretado a la dulce Barbarella?

Varias son las candidatas que han sonado para el puesto:

1. Kate Beckinsale (Pearl Harbour, El aviador, Underworld...)

2. Erica Durance (Smalville)

3. Drew Barrymore (ET, Los angeles de Charlie...)

4. Nicole Kidman (Muchas ...)

5. Lindsay Lohan (Betty la fea)

Estas son solo algunas de las postulantes que han sonado en algún momento. ¿Cual sería su preferida de estas u otras? Yo me quedo con Jane Fonda. ¿Como va a superar Rodriguez la escena de los créditos? ¡Imposible!

(c) Alfonso Merelo 2008

Etiquetas: Barbarella, McGowan, Robert, Rodriguez

Hace 100 años y 10 días nacía en Le Pecq, Francia, Jacques Tati (de apellido real Tatiscehff).

En el centenario de su nacimiento es justo que desde este humilde blog se le dedique un pequeño homenaje a ese genio francés, de ascendencia rusa, de la comedia visual.

Tati creó el personaje de Monsieur Hulot que paseo su gabardina por diferentes películas. Desde que en 1931 realizara su primer corto hasta su muerte en 1982, una producción fílmica no excesiva pero si excelente, fue su legado para todos.

El film con el que caí rendido a su genio fue Mon oncle. De 1958, refleja la actividad de un hombre normal y corriente en una serie de situaciones normales y corrientes tan genialmente contadas que la sonrisa, e incluso la carcajada, no nos abandona en ningún momento. Si ese barrendero del principio, el que va a barrer y nunca barre porque se entretiene, no es un personaje real, que baje Crom de su montaña y lo vea. Y además está esa música que ha perdurado hasta ahora; sencilla y tan francesa, que parece salida directamente de la Place du Tertre.

Les dejo con el trailer de Mon Oncle

© Alfonso Merelo 2007

Esta mañana he estado resolviendo asuntos particulares; cobrar unos cheques, escribir un poco, recoger varios libros. Esos asuntos que se van dejando y que nunca puedes hacer si trabajas en horario de funcionario. Pro eso hoy me he escaqueado en toda regla y con las bendiciones del mando en plaza.
La ciudad por las mañanas es diferente. La mayoría del personal que te cruzas a tu paso no es el mismo que circula de tarde, cuando tú sales, ni idéntico al que te encuentras los fines de semana.
Hay mucha ama de casa que, engalanada para gustar a quién sabe ella, va a la compra. También chicas jóvenes que no tienen qué hacer o donde ir y pasean sus ombligos con piercing por las calles peatonales de la ciudad. Pero, sobre todo, hay viejos. Y me disculparán porque el término viejo no es peyorativo, sencillamente es notario de una realidad que tenemos que asumir porque a todos nos va a tocar mas tarde o más temprano. Esos viejos, por suerte para ellos, están en perfectas condiciones tanto físicas como psíquicas en la mayoría de los casos. Ves parejas que ya no cumplirán los 70 con su maletas para irse de viaje. Los ves en las cafeterías a las 9 de la mañana para desayunar ¿para qué coño van a hacer el café en casa si en el bar de Manolo lo ponen riquísimo y encima les dan conversación? Porque lo que les pasa a nuestros viejos es que no hablan. O mejor: no tienen quién les hable. Nosotros, sus hijos, estamos tan metidos en nuestros trabajos, familias o interneses variados, que, sí, los cuidamos, pero creo que no les hablamos lo suficiente.
Esta mañana, después de hacer los “encargos” ineludibles, me acerqué a unos grandes almacenes de nombre extranjero –sí, esos de los que reniego frecuentemente, para comprar un par de libros que no hay en ningún otro lugar de Huelva. Después de pasear por la librería y comprar sólo tres, eran dos pero se cruzó Auster en el camino, me acerqué a la zona de “Dvidis”, para ver si había alguna oferta de clásicos de esos que siempre nos gustan. Tengo que reconocer que me sorprendió ver “Plan nine from outer space” o “Ultimatun a La Tierra” entre las novedades. Como les digo, estaba yo viendo esas “joyas” del cine cuando un señor de no menos de 70, después me confesaría que tenía 78, se acerca a mi y me pregunta:
- Perdone: ¿es usted aficionado al cine?
Me sorprendí de la pregunta pero no pude menos que contestarle que sí, que lo era. El “viejo” me contesta que estás buscando una película de Sydney Poitier que no recuerda su nombre, pero que el argumento si lo conoce. Yo le contesto que conozco “¿Adivina quien viene esta noche?”, “En el calor de la Noche” o “Rebelión en las aulas”. Él me dice que no. Que esas las tiene, se explaya diciéndome que tiene mas de 500 películas en sus casas entre Jerez y Huelva. Fíjense que ya me ha contado parte de su vida en un momento. Me explica el argumento que consiste en que Poitier es un “pobre” que consigue subir en el escalafón social y vuelve a su barrio con un coche impresionante. Al parecer la ciudad le cobra por salir de su calle, por salir de su casa, en definitiva por todo. Se ve envuelto en un atraco, vamos que atraca un banco, y al final muere aunque sus amigos sobreviven. Esa es la sinopsis que me contó. Si saben cual es la película les agradecería que me lo dijeran. Le contesté que desconocía ese argumento y seguimos conversando.
Hablamos de Spielberg, del que había visto ayer mismo “El imperio del sol”. De las películas de Spencer Tracy y de que no le gustaba la violencia ni los efectos especiales porque eran sólo eso. Tuvimos unos instantes de conexión mas que interesantes. Y le recomendé una película que ví allí mismo. Era de Lubitsch. Era “To be or not to be”. Me pareció de lo mas apropiado para ese amable “viejo” con alma de cinéfilo. Me comentó que creía no haberla visto y que se la llevaba. Sólo eran 9 euros de nada. Espero que cuando la vea recuerde al tipo que se la recomendó. Y espero que le guste. Entre cinéfilos anda el juego.
© Alfonso Merelo 2007

Etiquetas: cine

El Capitán Barbossa

“Piratas del Caribe: Aventuras del Capitán Barbosa”, es como debería de haberse llamado la película estrenada este fin de semana “Piratas del Caribe en el fin del mundo”. ¿Y por qué, me preguntarán ustedes? Sencillamente porque el personaje de Barbosa, interpretado como en la primera parte por Geoffrey Rush, se “come” en todas las escenas en las que interviene a los demás protagonistas, incluyendo a una excesivamente “amanerado” Jonnhy Deep. La película cuenta además con la participación de un magnífico Chow Yun Fat –el Rey y to- y de un cameo de Keith Richards, que incluso se permite tocar el banjo, o algo así, en escena.

Rollings for ever.

¿Qué es Piratas...? Pues una magnífica muestra de lo que se puede hacer con dinero, con mucho dinero, combinado con un poquito de talento. Pese a ser un “best seller” apabullante, tiene algunas, bastantes, escenas y situaciones que la hacen destacar de las mediocres producciones de acción a las que Holllywood nos somete una y otra vez.

No hay que equivocares: Piratas... es una película de acción. Una película, tal vez, para todos los públicos a partir de 10 años mas o menos. Contiene todos los típicos tópicos en este tipo de películas: peleas, personajes agradables, una impresionante galería de efectos especiales, batallas a cañonazos, barcos piratas, fantasmas, malos prototípicos y otros no tanto y todo ese compendio de cosas que hacen que, las casi tres horas de metraje, se disfruten plenamente.

Respecto de la trama es una continuación directa de la segunda parte “El cofre del hombre muerto”. En esta ocasión, ya aliados con Barbossa, Will Turner y Elizabeth Swann se dirigen a la búsqueda de Jack Sparrow, perdido en el mundo del mas allá con su barco la Perla Negra. Su propósito es rescatar a Sparrow y su barco para que pueda reunirse la cofradía de los 9 piratas e intentar derrotar al Holandés Errante, capitaneado por Davy Jones, que obedece las órdenes de la Compañía de Indias –es decir Inglaterra aunque no se le nombre explícitamente-. Sparrow es rescatado y, después de varias escenas, cada vez mas espectaculares, tendrá lugar el enfrentamiento final entre los dos mejores barcos de ese universo: La perla Negra y el Holandes Errante.

El guión adolece de algunos fallos que lastran un poco la narración, dejando cabos sueltos como por ejemplo qué es lo que pasa con Calypso. Por otra parte la escena que enlaza la aparición de nuevo de Sparrow es casi innecesaria, pero está puesta ahí para el lucimiento del histriónico, cada vez mas, Deep. Interesante la escena que trascurre en ese mar “leteo” particular donde las almas cruzan hacia el otro mundo. Hay una cuantas referencias mitológicas que se hacen agradables de ver. El sentido del humor no deja de estar presente en ningún momento, y tanto Deep como los personajes secundarios, incluyendo esos dos soldados de la Compañia que son el Gordo y el Flaco o Hernández y Fernández, se encargan de aliviar las situaciones de tensión aplicando algunas de las mas viejas técnicas del cine desarrolladas desde las películas del mudo.

Vuelvo a insistir en lo soberbio del personaje del Capitán Barbossa. Mi propuesta es que en la cuarta película, que sin duda se rodará, este sea el personaje principal desplazando a Turner, por ejemplo.

Veanla y disfrutenla. No es un solomillo con salsa de trufas, pero sí un buen filete a la parrilla.

Vean algunas escenas

© Alfonso Merelo 2007

PD. Hay una tonada que se repite varias veces, siempre referida a la cajita. ¿Saben ustedes a que película homenajea/plagia? La música de la misma era del genial Ennio Morricone.

Etiquetas: Piratas, del, caribe, Cine, Jonnhy, Deep

Miren ustedes que uno nunca había asistido al estreno de verdad de una película. Y quiero decir estreno en el sentido de premier, de esas “premieres” que vemos en la tele en la que están presentes los actores y el equipo técnico de la película encabezada por su director.

De comentar la película ya habrá tiempo en otros lugares. En este blog sólo voy a intentar reflejar lo que fue la noche del estreno en sí, y lo que participé y compartí con los actores y técnicos. Así que vamos con ello.

Ayer , en el auditorio de la Casa Colón en Huelva -un local con 800 localidades de capacidad-, tuvo lugar la presentación de la película Próxima. Con un auditorio abarrotado a partir de las nueve de la noche se proyecto la película antes comentada.
Allí estaban una gran parte de los actores como Oriol Aubets, el protagonista Tony, Joan Frank Charansonnet, Manuel Masera, Batriz Urzaiz y Karen Owens, y también se encontraban la productora Marta Timón, el autor de la banda sonora Xavier Tort y, por supuesto, el director Carlos Atanes.

En la “sala de chimenas” de la Casa Colón se reunió el equipo técnico. Los nervios de la premier eran palpables. Sobre todos las actrices estaban, aparte de guapas, hechas un filete de vaca añeja, por lo de los nervios. Marta Timón, productora de la cinta, tenía según sus propias palabras “un no se que en el estómago” que le hacía hablar sin parar y no detenerse ni un solo momento. Sin embargo Carlos Atanes, responsable del evento, estaba aparentemente relajado.

Después de las fotos de rigor, ya en el auditorio tomó la palabra el Rector de la Universidad de Huelva Francisco José Martínez López que se encargó de presentar la película, ya que la Universidad es coproductora de la misma.

Con algunos problemas técnicos, sonido deficiente e imagen no del todo nítida que serían corregidos sobre la marcha, pudimos visionar por primera vez en España esta película. El hecho de que muchas personas de Huelva hubieran participado como figurantes era un aliciente añadido para poder estar presentes en la gala y que esta resultara un éxito.

Una vez terminada la proyección, se ofreció en la misma sala de chimeneas un coctel organizado por la asociación "3 de marzo" de antiguos alumnos de la UHU. Allí pudimos compartir un rato agradable entre actores, alumnos y docentes de la Universidad. Previamente pudimos disfrutar en el patio de la Casa Colon del espectacular eclipse de Luna que, dada la temática de la película, parecía conjurarse con la misma para ofrecer una imagen bellísima en el cielo nocturno.

En la fiesta loa actores charlaron con cualquiera que se les quisiera acercar y compartimos algunos de los secretillos del rodaje de la misma.

Mas tarde, en una ambiente un poquito mas íntimo, pude hablar con casi todos los componentes del elenco. Carlos Atanes, Xavier Tort y yo mantuvimos una interesantísima conversación acerca de la cultura “oficial” catalana y sus problemas. Una charla esclarecedora que me dio puntos de vista de catalanes que no suelen oírse por estos pagos, y no porque no los haya, sino porque no nos llegan.
Tuve también la oportunidad de compartir una caña, gracias chicos, con Manu Martín y su hermano, el 1º de ellos es el responsable de “el séptimo no descanso”, la productora sevillana que se encargó de los CGI de la película. Me estuvo comentando algunas de las cosas que se crearon para la ambientación de la cinta, un trabajo mas que interesante en muchos aspectos. Y así, entre las idas y venidas de todos, he de reconocer que pasé una noche mas que interesante acompañado de unos amigos que ya lo eran y de otros que lo son a partir de ayer.
Un abrazo para todos, y sabed que se os espera por aquí cuando gustéis.
Unos cómicos de los de ley, si señor; y vosotros me entendéis.
© Alfonso Merelo 2007

En mi blog de fotos cosillas güenaspueden ver todas las del evento.

Etiquetas: Próxima, Pelicula, Carlos, Atanes, Cine, ciencia, ficción

No se si saben que el año pasado participé en el rodaje de una película de ciencia ficción llamada Próxima. En el blog ya dí cumplida cuenta de la experiencia en el rodaje. Basta pinchar aquí, aquí o aquí y pueden leer lo que escribí en su día.

Después de la fase final de rodaje y del montaje definitivo, la película se va a estrenar en Oporto, en el festival Fantasporto el día dos de marzo y en Huelva el día tres.

La verdad es que estoy interesado por ver la película. Hace tiempo que leí el guión y me pareció que tenía posibilidades si se daban las condiciones y los medios para poderla llevar a cabo.

En la parte que yo participo la verdad es que estoy en un entorno amigable. Es una convención de ciencia ficción en la que un autor reconocido, imaginemos que podría ser Ángel Torres –por edad y por vehemencia-, se dirige al auditorio para habla de “su libro”. Yo me limito a presentarlo y después a retirarlo del auditorio porque en medio de su conferencia pasa algo, que no voy a revelar.

Próxima está dirigida por Carlos Atanes, realizador catalán que ya tiene en su haber otro largometraje titulado FAQ y que tuvimos la oportunidad de presentar en la convención Gadir2k4 que se celebro en Cádiz en el año 2004.

Esta película está rodada con bastantes mas medios y con muchos extras y figurantes. Los mismos, para las escenas de masas, son en su mayoría estudiantes de la Universidad de Huelva y ciudadanos de Huelva que se volcaron en la misma. Esto de salir en un “flim” es que mola cantidad, dicen.

El protagonista principal es Oriol Aubets que interpreta a Tony un joven aficionado a la ciehttp://memorando.blogia.com/
Salir al blogncia ficción que dirige un videoclub. Su vida se verá modificada cuando se cruza con él el escritor Felix Cadeq, que interpreta Manuel Solás, cuyas propuestas le resultan muy conocidas y que le ocasionarán mas de un disgusto.
Entre otros actores estará Anthony Blake, Abel Folk, Joan Fran Charansonnet, Hans Richter, Karen Owens o Arantxa Peña.

El día 3 será el primer pase en España. MEMORANDO estará allí en su doble condición de actor y reportero. El domingo habrá crónica rosa del evento. Ya saben, alfombras rojas y todo eso.

Para saber mas de la película basta pulsar el enlace de la misma
© Alfonso Merelo 2007

Soy muy chauvinista, así que me permito que la foto que sale ahí arriba es mía y ya de la película.

Etiquetas: Atanes, Proxima, ciencia, ficción, Huelva, pelicula, fantástica

Esta tarde, cuando llegaba a casa, me he enterado de las nominaciones a los Oscar de 2006. Y me he alegrado mucho por que se ha nombrado una película que me ha encantado y que está dirigida por una persona que tuve la fortuna de conocer personalmente hace un par de años.
La película es El laberinto del Fauno y el director Guillermo del Toro.
Guillermo es un tío fenomenal, cosa que puede corroborar cualquier asistente a la HispaCon de 2004 celebrada en Cádiz. Tuve la suerte de compartir con él varios ratos mas que agradables, tanto en la cena (vean la foto) del sábado como en la comida del domingo. Un super famoso que venía en camiseta, que le daba igual coger un taxi para ir al hotel y que aprendió en un segundo a decir “pisha” mas tortillitas de camarones. Un señor que atendió a todos los “fans” a cambio de nada. A cambio de un poco de amistad y de compañía nada mas. Que se divirtió y que nos divirtió. Que supo estar en todo momento y que en petit comitè nos contó un pequeño anticipo de lo que es hoy su gran éxito: El laberinto del fauno.
Y han sido seis nominaciones, seis oiga.
Mejor Película en lengua extranjera
Mejor guión original
Mejo música original
Mejor fotografía
Mejor dirección artística
Mejor maquillaje

Espero que se lleve alguno de los seis, aunque la cosa esté difícil.
Guillermo, espero que el domingo 25 de febrero suene eso de: “And the Oscar goes to “El laberinto del Fauno”.
De verdad, mucha mierda.

© Alfonso Merelo 2007

Etiquetas: Oscar, Del, Toro, cine

En estas fechas del año el cine norteamericano nos invade con películas de ambiente navideño. Papa Noeles de diferente pelaje y condición, niños perdidos en aeropuertos, casas, hoteles o burdeles si se tercia y toda clase de dibujos animados, generalmente menores, para que los sufridos papás, y mamás no nos olvidemos que si no me llamarán machista, puedan aparcara a sus deliciosos, e irritantes, retoños de vacaciones durante tres horitas en un cine, en el que –gracias a crom- no pueden incordiar demasiado.
Ese suele ser el panorama, poco atractivo, de las pantallas navideñas de medio mundo y de España en particular. De vez en cuando algún filme sobresale de al atonía festiva y se descuelga como salvación para los aficionados. En cartelera tenemos ahora tres películas, norteamericanas eso si, de gran interés: “Babel” -Alejandro González Iñárritu-, “Banderas de nuestros padres” -Clint Eastwood- y María Antonieta –Sofia Coppola-.
Babel ha sido la primera en estrenarse y lleva ya un par de semanas en cartelera. A la espera de poder ver la obra de Eastwood, y su segunda parte “Cartas desde Iwo Jima”, es de obligado cumplimiento ver la creación de Alejandro González Iñárritu.
El autor de la fascinante “21 gramos” se descuelga con cuatro historias, que se convertirán en tres, en dos y finalmente en una sola, que fundamentalmente narran lo que significa la incomunicación. Con escenas sumamente, duras la película trascurre en tres escenarios del mundo, Marruecos, Japón y México. En estos tres escenarios y con el vínculo de un rifle de caza los tres escenarios se verán entrelazados de manera magistral y en forma distemporal.
Actuaciones mas que sobradas dan vida a unos personajes que se hacen reales y próximos, desde los niños marroquíes, pasando por las adolescentes japonesas y las actuaciones individuales de Brad Pitt, Cate Blanchet, Adriana Barraza o Gael García Bernal, completan un excelente reparto que hay que agradecer al director de casting.
La película destroza el concepto de globalización. Y lo destroza de manera brutal cuando el director muestra cómo la insolidaridad, la incomprensión y la estupidez se produce en nuestro hipertecnificado primer mundo. Si Marruecos los lugareños se desviven por ayudar a los protagonistas, son los norteamericanos los que “abandonan” a sus compatriotas a sus suerte sin sentir el mas mínimo remordimiento. La historia japonesa es tambien brutal al mostrar la imposibilidad de comunicar sentimientos y pasiones por parte de Chieko. Haciendo un inciso hay que notar que la fotografía de este episodio recuerda mucho a la estética de Blade Runner, ¿o será al revés? ¿Ridley Scott se inspiraría en el Tokio moderno para su película? Es mas que probable.
Incomunicación, soledad y aislamiento es el mensaje de la película. Y es un mensaje que cala muy profundo porque, desgraciadamente, todos vivimos ese aislamiento, que por otra parte es connatural en los seres humanos.
Altamente recomendable
© Alfonso Merelo 2007

Etiquetas: cine, babel, Brad, Pitt

Como pequeño anticipo de las fiestas que se aproximan a pasos agigantados, traigo a esta columna, en parte en homenaje a Robert Altman, una de las canciones que más me ha fascinado desde que la escuché hace ya muuuuchos años.
La canción es relativamente sencilla (a la guitarra es muy fácil de tocar con una clave de sol, do y re menor y pequeñas variaciones en mi mayor) y muy pegadiza de escuchar y recordar.
Fue interpretada por Keih Carradine (el hermano guapo de Kung Fu) para la película Nasvhille. Ese año, 1975, ganó el oscar por el mejor tema musical. La canción es I´m Easy y la escena en la que se canta es todo un ejemplo de actuaciones sin palabras.
La escena recrea un club country de la ciudad norteamericana en el que Tom Frank, Carradine, interpreta este tema. La legión de mujeres que está presente, Shelley Duball, Geraldine Chaplin o Lily Tomlin, interpretan que la canción está dirigida a ellas. El cantante se limita a repetir que es fácil “toma mi mano y tira hacia abajo, no encontraras ninguna resistencia, porque soy fácil. Sí, soy fácil”
En estas palabras
“But I’m easy
I’m easy
Give the word and I’ll play your game
So that’s how it ought to be
Because I’m easy”
se encierra una filosofía de vida, de la vida hippy norteamericana, sin ataduras y sin mayores pretensiones que vivir el momento. Una filosofía minimalista, pero... tan atractiva.
Escúchenla, no tiene desperdicio. Y observen la cara de atención de todas la mujeres deseando que lo que canta se les haga realidad. Fantástico.

© Alfonso Merelo 2006

Etiquetas: cine, canción, Nashville, fácil

Uno ya ha visto y leido “cienes y cienes” de aventuras de Superman, desde los tebeos aquellos de Novaro, hasta las más recientes aventuras, cuando caía algun ejemplar en mis manos. No esperaba, ni mucho ni poco, grandes logros en las nuevas aventuras cinematográficas del personaje.
Vale, dirige Bryan Singer, que a priori es una garantía de buen hacer - basta recordar sus aventuras de los X-men o la serie House de la que es productor ejecutivo-, pero esa garantía sólo se sostiene en algunos, pocos, pasajes de este "Superman returns".

Singer se ha lanzado nuevamente a la dirección de superhéroes con el Héroe por antonomasia de la historieta. Después de sus interesantes incursiones en el universo mutante, la esperanza de que el producto fuera sólido era bastante plausible. Y, la verdad, no sale demasiado mal parado del encuentro, porque la película va a gustar por dos motivos fundamentales: es espectacular y es espectacular.

Para el público neófito, y no olvidemos que los que vean con 16 o 20 años este film, no habran visto “bien” las anteriores versiones, la película tiene de todo lo que vende actualmente: amores, escenas de acción, héroes buenísimos y malos malísimos, espectaculares efectos especiales y aventura. Eso es este Superman returns.
El espectador novel no tendrá problemas en asegurar que ha disfrutado del espectáculo. Y la verdad es que esto es cierto. Descontando algunos momentos, bastantes, plúmbeos la película se deja ver y se disfruta como un producto de consumo, que incorpora algún elemento destacable.

El problema, o la virtud, se materializa cuando analizamos de donde, o de qué, surgen las brillantes propuestas del director. En primer lugar, y hasta el minuto 40 mas o menos, Singer intertextualiza, por no decir que plagia, a Jonh Byrne en su reconstrucción del Superman de finales de los 80, en la reconstrucción del personaje después de las denominadas “Crisis en tierras infinitas” de los tebeos de DC. Teniendo en cuenta que estos tebeos eran mas que destacables, no es extraño que el director los haya aprovechado en mayor gloria para su producto. Pero si usa el tebeo como inicio y puntal, ¿por qué no utilizar la película, o las películas, de Richard Donner? A fin de cuentas los dos primeros filmes de Superman (versión años 70) eran bastante buenos. Chistopher Reeeve daba el tipo como el superhéroe, y se veía arropado por buenos actores como Brando o Hackman. Synger, investido de Donner, y frente a unos desconocidos como Brandon Routh (Clark Kent/Superman) o Kate Bosworth (Lois Lane) los contrapone a Kevin Spacey o Frank Langella. Realmente no salen demasiado mal parados ya que cumplen satisfactoriamente sus escasas potencias interpretativas.
Pero los parecidos nos se dan solo en la interpretación, es en el guión donde se encuentran las mayores similitudes con Superman el film. Sin ninguna duda esta película es un remake del film original.
Hay escenas que son exactamente iguales –el enfrentamiento Lex-Superman (aunque incrementada en sadismo dados los tiempos)- y que no mejoran el original ni aportan una visión nueva, salvo en los efectos especiales.
Los parecidos se incrementan cuando vemos la escena “amorosa” en la azotea del Daily Planet, tan similar a la original en el ático de Lois. La única diferencia se basa en que el diálogo introduce al hijo de Lois. Este personaje es claro que formará parte de la trama en la segunda película que, sin duda, se rodará.
El personaje de Clark Kent imita al interpretado por Reeve en su ineptitud e incompetencia como periodista simplón. Es el perfecto “amigo” que nunca te traicionará, pero al que nunca se le concederá el mas mínimo favor por la chica buena. Es el imprescindible que siempre pone los discos en la fiesta pero que nunca baila con la chica. Esta frustración del personaje se ve reforzada por la actitud de la amada que quiere al héroe, al poderoso, al infalible, pero que no es capaz de ver mas allá de los músculos y los poderes superhumanos. En definitiva se refleja una vez más la atracción del poder, en este caso la atracción hacia el poder divino.
Todo héroe ha de tener un némesis y volvemos a encontrar a Lex Luthor, esta vez encarnado en Kevin Spacey. Se ha comentado que Spacey reinterpreta a Luthor y que elabora un personaje muy logrado. Bueno, en realidad se limita a imitar los tics que ya Gene Hackman escribiera perfectamente en la primera versión. Las muecas y las expresiones histriónicas no mejoran el personaje que ya conocemos y este Luthor solamente supera al anterior en su falta de humor. Porque la película esta carente de cualquier requiebro a la sana chacota. Es un intento de película “intelectual” que trata de tomar muy en serio a los personajes, que ya de por si no pueden ser serios. El intento de intelectualizar la desmesura fracasa puesto que se carece de un mínimo de habilidad artística en los dos actores principales. En una producción que interpretara a Superman como un puro divertimento, hubieran estado mas que bien. El problema se da cuando se intenta trascender mas allá y filosofar en torno al poder y a las responsabilidades que implica. En ese aspecto fracasa debido a la inexperiencia de sus protagonistas que, en esas escenas, no son capaces de ser creíbles.
Superman Returns es, por propia inercia, un film que hay que ver. Que, sin duda, será un éxito de taquilla, pero que al espectador avezado dejará un regusto de insatisfacción por haber perdido las posibilidades de desarrollar el personaje de un dios. Podría haberse tomado como ejemplo la extraordinaria Miracle Man que si refleja lo que es un poder divino en manos de personas mas o menos normales. Pero esa es otra historia que, tal vez, veamos alguna vez en la pantalla.

© Alfonso Merelo 2006

La Semana Santa española es muy recurrente respecto a sus iconos.
La máxima expresión de estos iconos son las procesiones. En cada ciudad son diferentes: Sevilla con los costaleros, Cádiz con los “cargaores” o Málaga con los tronos dan variedad a una manifestación “folclórica” que se reconoce inmediatamente por los “pasos” y por las interminables filas de “penitentes”. Es diferente pero es igual, que diría aquél.
Supongo que cada uno tiene sus referentes para estas épocas. Yo al menos tengo dos muy arraigados: las torrijas y la película Jesucristo Superstar.
Jesucristo Superstar se estrenó en España creo que en 1976, poco después de la muerte de Franco. No es que la película fuera revolucionaria, ni mucho menos, se trataba sencillamente de reflejar toda la mitología cristiana sobre la figura de Jesús en clave de musical. Una revisión, desde el punto de vista de Judas, de muchas de las preguntas que se hace el personal sobre la figura de Jesús
El musical original, me resisto a llamarla ópera aunque algo de eso hay, fue estrenado en Broadway en diciembre de 1971 interpretado la noche del estreno por Yvonne Elliman (Magdalena), Jeff Fenholt (Jesús) y Ben Vereen (Judas). Ian Gilliam (componente de Deep Purple), Murray Head e Ivonne Elliman grabarían poco después la partitura en un doble vinilo. El tema Jesucristo Superstar –interpretada por Head- fue inmediatamente un éxito de superventas e incluso llegó a hacerse una versión española por un cantante del que no recuerdo su nombre.
De la película sólo me quedo con la música como referente. La estética y el mensaje, si es que lo hay, han quedado ampliamente superados. Sin embargo la partitura se mantiene incólume a pesar de su antigüedad.
Y si hay que elegir uno de los temas me quedo con los dos temas que cantan a dúo Anás y Caifas - Then We Are Decided se excribió expresamente pensado para la película. El otro tema es This Jesus Must Die, ya interpretado por los dos personajes anteriores y por los sacerdotes del templo.
Y me quedo con los dos temas por la impresionante versión que hace el bajo Bob Bingham. La voz baja en el belle canto me parece una de las mas bellas y difíciles de interpretar. Cuando yo cantaba en coros, mi voz era la de barítono y siempre tuve envidia de las magníficas voces bajas de algunos compañeros. Esa voz es inimitable. O se tiene o no se tiene. Se podrá mejorar pero si se nace si ella es imposible forzarla y que quede bien. Binghan, junto con Elliman, formó parte del reparto original que estrenó en Broadway la obra de Rice y Lloid Weber.
El tema que Caifás interpreta consigue un contrapunto excelente entre la voz aflautada de Anás y la fantástica voz de él.
Es una gozada escuchar, con esa voz surgida directamente de una caverna profunda:

No, wait!
We need a more permanent solution to our problem.
Y despues la réplica de Anás con un registro de voz completamente diferente

What then to do about Jesus of Nazareth?
Miracle wonderman, hero of fools.

Y continuando con las inteligentes frases acerca de la pérdida de su poder por causa del Nazareno:
I see bad things arising.
The crowd crown him king; which the Romans would ban.
I see blood and destruction,
Our elimination because of one man.
Blood and destruction because of one man.

Definitivamente es mi película, e icono, para Semana Santa. No hay año en el que no revise alguno de los temas o vea alguna de las secuencias.

© Alfonso Merelo 2006

Acerca de mi otro icono, las torrijas, consultar mi blog de cocina.

Como saben, la noticia del día -y del año- es que ETA ha anunciado una tregua indefinida.
No se si se mantendrá, pero desde luego es una esperanza muy grande.
Vamos a por la paz de una vez.
Que sea para todos un inicio que lleve a un final bueno para todos.
Hoy es un día alegre. Estoy contento, miren ustedes.
(c) Alfonso Merelo 2006

Este año Hollywood ha premiado películas de las que se podrían denominar de bajo presupuesto o de cine de autor, salvo la de Spielberg que sí ha gozado de un generoso presupuesto. Todas las nominadas se encontran en la categoría de películas que no desentonarían en un festival como el de de Sundance. Capote, Crash, Brokeback Mountain, Buenas noches y buena suerte y Munich fueron las cinco nominadas. Películas muy diferentes entre si, pero que se alejan del estereotipo de gran superproducción hollywoodense al uso.
La sorpresa de la noche fue la que se llevó Jack Nicholson al abrir el sobre que contenía el nombre del Oscar a la mejor película de 2005. Fue Crash la agraciada por los académicos, en detrimento de la que se veía como favorita Brokeback Mountain. Dos películas absolutamente diferentes. La primera es un puzzle coral que enlaza la vida de muchos personajes en la ciudad de los Ángeles, mientras que la segunda nos habla de la relación homosexual de dos cowboys (como decían en la SER la película de los ovejeros homosexuales).
Las dos películas son arriesgadas ya que Crash refleja, sin concesiones y sin aportar soluciones, el racismo que se produce en la sociedad nortemaericana. Pero es un racismo multidireccional porque se enfoca desde todos hacia todos: los blancos hacia los negros, asiáticos, árabes, o sirios o chicanos y asís sucesivamente. Todos desconfiando de los diferente. Casi ninguno intentando tender puentes. Por otra parte, la historia de Ang Lee es una convencional historia de amor, y de infidelidad, pero que esta vez es protagonizada por dos hombres. Sobrevalorada hasta el extremo, no se alzó con el premio debido, seguramente, a las reticencias para darle una premio a un film que hablaba de la homosexualidad. Aunque se lo han dado como mejor actor a Philip Seymour Hoffman por su personaje de Truman Capote que era, declaradamente, homosexual. Cosas de Hollywod.
Desde mi punto de vista, Crash es un película bastante mas sólida que Brokeback Mountain, y se merece sobradamente el galardón. De las tres restantes no puedo decir nada mas que buenas cosas. Cada una en su parcela son excelentes. Si acaso recomendar el extraordinario biopic de George Clooney –un muestra del savoir faire de Clonney se dio cuando al recibir el Oscar al mejor actor de reparto dijo: “¿eso es que no me van a dar el del mejor director?”-.
Pero el oscar mas emotivo fue para Robert Altman. Un director que nos ha dado M.A.S.H, Nashville, Quintet e, incluso, Pret a porter merece ese homenaje sobradamente.
Enhorabuen Mr. Altman
© Alfonso Merelo 2006