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De la historieta al cine.

Introducción

 

Tenemos que convenir que cada una de las diferentes artes tiene un lenguaje propio para expresarse. Indudablemente el cine, como arte que aspira a ser –o que es ya-, tiene un vehículo de expresión propio. Sin embargo, al ser el cine una conjunción de diferentes formas de expresión artística (pictóricas, musicales, literarias...) las características del lenguaje cinematográfico captan, o usan, recursos de otras disciplinas.

 

Si hablamos del lenguaje en el cine podemos afirmar que mantiene muchos parecidos con otro “arte” como es el comic, al que me permitirán que nombre como tebeo o historieta de ahora en adelante, y hago propias las palabras de Carlos Pacheco:

 “¿Por qué llamarlo comic cuando tenemos una palabra propia para nombrarlo? […] tebeo es el continente, historieta el contenido”[1]

El cine, a primera vista, se podría decir que comparte mas que difiere del lenguaje de la historieta; ambas manifestaciones son visuales en un 80 por ciento y ambas tienen en común un tempo determinado en forma de escenas secuenciadas que determinan la narración. Estos “parecidos razonables” en las formas de expresión hacen que los trasvases entre ambos mundos sean relativamente más sencillos y que los dos "mundos" compartan historias entre sí.

 Algunos estudiosos defienden a ultranza que el paso de la historieta al cine debe realizarse de la manera más fiel posible, y otros opinan que al ser lenguajes diferentes esta fidelidad no tiene por qué guardarse. Elijan ustedes cualquiera de las dos teorías, pues ambas son perfectamente válidas.

 Si que podemos decir que el tebeo que va a ser traspasado al lenguaje cinematográfico es, en esencia, un “story board”[2], y que su plasmación en imágenes es, teóricamente, mas sencilla que la que pudiera derivarse de, por ejemplo, una novela costumbrista, aunque eso no es siempre así.

Tanto la historieta como el cine nacen aproximadamente en la misma fecha. Probablemente el primero es anterior en algunos años al segundo que es, casi, un invento del siglo XX.  Durante tres décadas se mantienen en mundos separados, hasta llegar a los años treinta, en los que comienzan a producirse múltiples adaptaciones al celuloide de historias originalmente pensadas para el tebeo.

Pese a los elementos comunes, resulta complicada la adaptación de la historieta a la imagen real. Las posibilidades de la imagen dibujada son inmensamente superiores a las del cine en sus comienzos, incluso ahora siguen siéndolo. Es arriesgado efectuar estas traslaciones ya que el público conoce "visualmente" cómo son los personajes, y adecuarlos a actores reales es siempre complicado.

El cine comienza mas pronto que tarde a recurrir a las historietas para realizar sus producciones. Es intención de este artículo dar un repaso somero para ilustrar al lector sobre estas trasferencias historieta-cine. No podemos, en tan corto espacio, reflejar todas y cada una de estas adaptaciones o influencias, pero si podemos dar una guía de algunas de las mas conocidas ya sea por motivos históricos, por su fidelidad en la adaptación o por la importancia de la misma. Entiéndase que este trabajo es necesariamente incompleto y que sólo es una referencia básica sin ánimo completista. Para acotar aún mas, sólo se va a tratar de las historietas traspasadas al cine con soporte de imagen real, es decir, con actores interpretando a los personajes. El cine de dibujos animados sería motivo para otro artículo de contenido diferente al presente.

 

1 Los comienzos

 

(Dale Arden, Flash Gordon y Ming)

Los diversos estudios históricos discuten sobre cual fue la primera de las adaptaciones sin que se pongan demasiado de acuerdo en ello. Luis Gasca (“Los comics en la pantalla”. Pg. 190) afirma que la primera película que usa la historieta como base de guión es el corto “El regador regado”, de los hermanos Lumiere en 1895, que recreaba una tira cómica de la época.  En los USA, Winsor McKay realiza en 1911 un cortometraje adaptando, en dibujos animados, su propia creación “Little Nemo in Slumberland”.

Dejando  a un margen las películas de animación, se pude decir que una de las primeras películas adaptadas con gran éxito fue “Flash Gordon”, que dirigió Frederick Stephani en 1936. Flash Gordon fue creado por Alex Raymond como página dominical para King Features Syndicate, llevando la primera página la fecha de distribución correspondiente al domingo 7 de enero de 1934. Raymond ilustró su página semanal hasta el 30 de abril de 1944. La productora Universal Pictures, que había adquirido los derechos de varios personajes de King Features Syndicate, lanza la casa por la ventana, e invierte 350.000 dólares en la producción, cifra nunca antes alcanzada en un serial. Protagonizada por Larry Buster Crabbe como Flash, el serial refleja, bastante acertadamente, lo narrado en las tiras de la serie dibujada. Los tres primeros capítulos adaptaban detalladamente cuatro planchas dominicales cada uno de ellos. El resto de la serie adaptó mucho mas libremente los argumentos de papel, aunque se respetaron los hechos fundamentales en los tebeos. Los actores intentaron recrear a los personajes de papel lo mas parecido posible. En ese aspecto esa primera película es modélica en la caracterización de actores.  A esta adaptación les seguirían dos seriales más con el mismo actor protagonista en las continuaciones.

 

(Nº 1 del tebeo de Buck Rogers)

“Dick Tracy” es otro tebeo llevado a la gran pantalla tempranamente en la película dirigida por Ray Taylor y Alan James en 1937, y con 15 capítulos. La tira original se comenzó a publicar en octubre de 1931 en el Chicago Tribune New York News Syndicate. Su creado fue Chester Gould y narraba las aventuras de un inspector de policía enfrentado a la mafia. En la película, el detective de la mandíbula cuadrada se enfrentará, con la ayuda de un sinfín de gadgets de ciencia ficción, al Cojo y su Armada Araña. En el posterior serial “Dick Tracy G-Men”, los elementos de ciencia ficción se harán más notables, al enfrentarse Tracy a un villano capaz de devolver los muertos a la vida. EnLos crímenes del fantasma”, Tracy deberá resolver el caso de un criminal denominado El Fantasma, capaz de hacerse invisible.

 

Estas primeras incursiones del tebeo en el cine continuarán con las apariciones de diversos superhéroes y otros personajes de acción. Así tomarán el relevo de estas primeras incursiones en el cine de las historietas.

 

Desde los años 30 hasta finales de la década de 1940 los seriales, ancestros claros de las actuales teleseries, ocupan muchas horas de proyección en las pantallas cinematográficas de medio mundo. Bastará con enumerar algunas conocidas películas, para comprobar la influencia del tebeo en este mundo fílmico. Así podríamos nombrar las películas “Agente secreto X-9” (Ford L. Beebe, 1937), “Mandrake el mago” (Sam Nelson, 1939), “Buck Rogers” (Ford L. Bebee 1939), “Terry and the pirates” (James W. Horne, 1940), “The Adventures of Capitán Marvel” (William Whitney, 1941), “Batman” (Lambert Hiller, 1943), “The Phantom” (Breezy Reeves Eason, 1943),  “Capitán América” (John English, 1944),   Brick Bradford (Spencer Gordon Bennet, 1945), o “Superman” (Spencer Gordon Bennet, 1948).

 

 

2 Los superheroes

 

 

(Christopher Reeves, Superman II)

Una de las principales fuentes de inspiración para el cine ha sido el mundo de los superhéroes. El indudable atractivo visual que encierran estos personajes hace que la industria del entretenimiento adopte inmediatamente las figuras coloristas de estos modernos semidioses para su traspaso a la gran pantalla. El primer superhéroe del tebeo es Superman,  personaje que se acerca mucho más a la figura de los semidioses griegos y romanos que a  la concebida por Nietzsche. Nace en 1933 de la pluma de Jerry Siegel y los pinceles de  Joe Shuster. Su primera adaptación al medio se produce en  1948 en una de tantas películas por jornadas que reinaban en esa época. Posteriormente pasaría a televisión y es en 1978 cuando Richard Donner  lleva al “Supermán”, interpretado por Christopher Reeves, a un renacimiento del género en el cine. Esto se deba principalmente a la mejora de los efectos especiales que hacen que las aventuras sean ya creíbles, visualmente hablando, y no risibles. Superman realmente parecía volar. A ésta le seguirán tres secuelas y un reciente film titulado “Superman returns”.

 

Otro de los héroes de la época dorada es Batman. A las primeras películas de episodios se añade una entrañable serie de televisión en la década de los 60 protagonizada por Adam West y que se ha convertido en un monumento a lo “kitsch”. Tim Burton crea un lujoso espectáculo con su “Batman” de 1989. Interpretado por Michael Keaton, Jack Nicholson y Kim Basinger, recoge en alguna medida el “interior” del personaje, aunque, sobre todo, destaca la fantástica e histriónica interpretación de Nicholson dando vida al Jocker. Si algo hay que destacar por encima de todo es la fantástica recreación de la ciudad de Metrópolis. Posteriormente se rodarían varias secuelas: “Batman returns” (1992), “Batman forever” (1995), “Barman y Robin” (1997) y “Batman Begins” (2005). Se anuncia para este año el estreno de “Dark night” la última aventura del héroe murciélago.

 

La editorial “Marvel Comics”[3]  tuvo un renacimiento en los años sesenta de la mano de Stan Lee. Sus personajes son conocidos ahora por todos los lectores del mundo. Entre los mas populares están “Los 4 Fantásticos”, “Los Vengadores”, “Spiderman”, “Capitán América”, “La Patrulla X (X-Men)”, “Hulk (La Masa)” y otros muchos mas que configuran lo que se denomina “Universo Marvel”. Fuente inagotable para el cine, las adaptaciones han sido mucho más numerosas que las de su rival DC.

 

 

(Capitán América. Serial 1944)

En los lejanos años 40 ya se adaptó una primitiva “Capitán América” que, en 1944, ya peleaba contra los nazis. Dejando a un lado las series de televisión como “Hulk” o “Spiderman”, la primera adaptación que tiene un gran éxito es “X-Men”. En 2000 Bryan Singer dirige una muy respetuosa versión sobre la que es una de las principales franquicias del  Universo Marvel: “los mutantes”. Con un guión aceptable y  unos actores mas que dignos se convierte en una de las mejores adaptaciones al cine de una historieta. A esta primera incursión le seguirían “X-Men 2”( 2003) y “X-Men3” (2006), que crean una saga muy interesante de ver. Es una adaptación muy fiel al espíritu de los tebeos de los años 80 cuando el guionista Crhis Claremont se hizo con las riendas de la serie. Se está rodando ahora un spin-off titulado “Wolverine” y que recrea la historia de uno de los componentes mas carismático de la Patrulla X: Lobezno.

 

De 2002 es la película “Spiderman”, dirigida por el interesante Sam Raimi e interpretada por Toby McGuire. Se recrea el nacimiento del héroe, esta vez picado por una araña modificada genéticamente y no radiactiva como en los tebeos originales. Otras dos adaptaciones vendrían a completar las aventuras del arácnido en las que enfrentaría a enemigos como El Duende, El Dr. Octopus o el Hombre de Arena.  No aportan absolutamente nada ni al personaje ni al cine, pero son películas muy efectistas.

 

“Hulk” es el equivalente en la historieta a Mr. Hyde en la literatura fantástica. El personaje surge en 1963 y es fruto de los experimentos con una bomba gamma que trasforma a un apacible científico, Bruce Banner, en un superpoderoso ser de nombre Hulk, rebautizado en España como “La Masa”. La película dirigida por Ang Lee en 2003 es una adaptación relativamente fiel al original, que adolece de un tremendo handicap: por mucho que se esfuerzan los informáticos, Hulk no es creíble. Es un muñeco que se pasea pegando bandazos por la pantalla. Cuando se escribe este artículo estamos a la espera del estreno de una nueva versión del “monstruo” que dirige Louis Leterrier con la participación de Edward Norton en el papel de Bruce Banner.

  

(Nº 1 de Los 4 fantásticos)

 

(Cartel de la película Los 4 Fantásticos)

 

Los 4 fantásticos, nacidos como el primer supergrupo de la compañía Marvel  de la mano del guionista Stan Lee, fueron llevados al cine en una patética película de 1994 titulada “The Fantastic Four” y dirigida por Oley Sassone. En los últimos años hemos podido ver una lujosa adaptación titulada “Fantastic Four”, dirigida por Tim Story en 2005 que contó con la atractiva Jessica Alba como una de sus protagonistas. Esta película tuvo una segunda parte titulada “Rise of the Silver Surfer” dirigida también por Tim Story. En la primera parte hacía su aparición el villano recurrente del grupo: “El Dr. Muerte”, mientras que en la segunda podíamos ver a “Silver Surfer” surcar el espacio en busca de Galactus.

 

Si los superhéroes se caracterizan, entre otras señas de identidad, por el exotismo en la adquisición de los poderes (arañas radioactivas, rayos gamma, rayos cósmicos, mutaciones) hay uno de ellos que resume lo que es el self made man del superhéroe: Iron Man o, para entendernos, El Hombre de Hierro. Este poderoso individuo es  un fabricante de armas normal, realmente es un “científico loco”, que, tras ser atacado por el viet cong (estábamos en plena guerra de Viet Nam cuando fue creado) y para sobrevivir ha de crear una armadura de hierro que a. le salve la vida al activar su corazón b. le permita comportarse como otro superhéroe cualquiera repartiendo justicia. En la reciente película,  “Iron Man” (Jon Favreau 2008) este origen está actualizado situándolo en la guerra de Afganistán, pero mantiene el resto de connotaciones que se crearon para el personaje. La armadura de alta tecnología es el triunfo de la técnica USA sobre los inconvenientes. Es el exponente de la superioridad de las empresas norteamericanas sobre el resto del mundo.

 

Hay también adaptaciones mas modestas de otros personajes menores de la compañía como  son “Daredevil” (Mark Steven Jonson, 2003), “The Punisher” (Mark Goldblatt, 1998 y Jonathan Hensleigh, 2003), Elektra (Rob Bowman 2005)  o “El motorista fantasma” (Mark Steven Jonson, 2007). Estos personajes no tienen poderes tan extraordinarios y espectaculares, por lo que pueden ser traspasados con mas facilidad al medio. Daredevil El Castigador o Elektra no se diferencian demasiado de las películas de artes marciales al uso. Sólo se le cubre al héroe con un traje colorista y el resto es muy parecido: cabriolas, patadas y golpes durante la mayoría del metraje.

 

3. Otros géneros.

  

(Plancha dominical de Dick Tracy)

No sólo del supehéroe vive el tebeo y el cine. Ha habido adaptaciones de historietas procedentes de otros géneros como pueden ser el de aventuras, género negro, el terror o la ciencia ficción.  Las adaptaciones cinematográficas suelen centrarse en tebeos que puedan resultar atractivos visualmente para el espectador, pero también se producen algunas películas que no tienen por qué ser espectaculares.

  

(Maddona y Warren Beatty en la moderna versión de Dick Tracy)

 

Ya vimos un par de ejemplo cuando hablamos de los comienzos. Las  dos películas nombradas en ese aparato fueron objeto de un remake en épocas más modernas. “Flash Gordon” revivió en de la mano del director Mike Hodges en 1980 con  Max von Sydow,  Topol , Ornella Muti  o  Timothy Dalton antes de convertirse en 007. “Dick Tracy”, por otra parte, fue dirigida por Warren Beatty  en 1990 y contó con actores muy conocidos como Dustin Hoffman, Al Pacino, Madonna o el propio Beatty. El director construyó un megadecorado que fue uno de los signos distintivos del film, así como el color desvaido en la fotografía.

 

Harold Foster crea un maravilloso mundo de ficción, en la corte de Camelot, con “El Príncipe Valiente”. Desde 1936 y con una maravillosa visión de las proporciones y de los fondos, -Valiente, un vikingo en la corte de Arturo, vivirá múltiples y extraordinarias aventuras. En 1937 se comienza a publicar estas planchas dominicales para King Features Syndicate. Henry Hathaway dirige una versión cinematográfica en 1954 que cuenta con Robert Wagner, Janet Leigh  y  James Mason como protagonistas principales. La adaptación es bastante interesante en cuanto parece reflejar el espíritu de Camelot y de la vida vikinga de la (supuesta) época. Es uno de los clásicos  que hay que tener siempre en cuenta,

 

“Camino de perdición”, una película que alcanzó un notable éxito y que dirigió Sam Mendes en 2002, proviene del tebeo homónimo  creado por Max Allan Collins y Richard Piers Rayner en 1998. Tanto la historieta como la película narran,  en clave de serie negra, la odisea de un padre e hijo para huir de la persecución de un mafioso. La atmósfera de cine negro de los cuarenta se captó en papel perfectamente y ésta, a su vez, fue pasada al cine con gran acierto.

 

Podríamos encuadrar a “Hellboy” como  un tebeo de superhéroes, pero prefiero hacerlo en el género de aventuras o terror. Guillermo del Toro hace una adaptación magnífica en 2003 de este tebeo creado por Mike Mignola en 1993. Hellboy combina varios géneros que van desde el terror, a la fantasía mezclado con el del superhéroe. Esta faceta múltiple es reflejada en la película que se convierte en una mas que interesante propuesta. La segunda parte, “Hellboy 2” está a punto de estrenarse.

 (Portada de Ghost World)

 

 

 (Tora Birch y Scarlett Johansson en una escena de Ghost World)

“Ghost World” es uno de esos extraños experimentos que a veces se dan en la pantalla. La historia fue creada por Daniel Clowes en 1993. En 2001 fue traspasada a la pantalla bajo la dirección de Terry Zwigoff y protagonizada por Tora Birch, Scarlett Johansson y Steve Buscemi . En ambas se narra la historia de Enid y Rebecca que después de acabar el último curso del instituto tienen todo el verano para pensar en qué hacer con sus vidas. La película obtuvo una crítica muy positiva y fue candidata a los Globos de Oro y los Oscar.

 

Hemos comentado al principio que los aficionados a ambos géneros se dividían entre los que consideraban que las adaptaciones debían ser lo mas fieles posibles y los que opinaban todo lo contrario. “300” es el ejemplo perfecto para ilustrar la primera teoría. El guión y el dibujo son de Frank Miller que se inspiró directamente en la película “El león de Esparta (The 300 spartans) que rodara  Rudolph Maté en 1962. “300” es una adaptación muy fiel y literal de la historia y estética de Miller. Estrenada en 2006 y dirigida por Zack Snyder, se usaron técnicas infográficas para alcanzar una estética muy parecida a los originales. La película se recrea sobre todo en las batallas espectaculares en el paso de las Termópilas que enfrentó al ejército persa del rey Jerjes contra las tropas espartanas de Leónidas.

 

4. Europa.

 

(Cartel promocional de Barbarella)

 

 

El tebeo europeo tiene unas señas  propias señas de identidad  que lo hacen diferente al norteamericano clásico. En Europa se inventa lo que ahora se llama “Graphic novel” y que no es mas que el álbum clásico de toda la vida: “Axterix”, “El teniente Blueberry”, “Michel Tanguy”, “Iznogud”, “Achille Talón”, “Tintín”, “XIII”, y en España Paracuellos o Makoki por poner sólo dos ejemplos.

 

Europa también adapta sus personajes al cine con mayor o menor fortuna. Ya en los comienzos  del cine se realiza el serial “Fantomas”, que si bien no estaba basado en una historieta, reunía todas las características de la misma en su forma de novela por entregas. Pero es en la década de los 60 cuando estas adaptaciones se producen de manera mas continuada y que llegan hasta nuestros días.

 

En Italia los 60 son fuente de “fumetti”[4] para adultos. Series como Diabolik o Satanik gozan de gran predicamento popular. Esas series ponto serán traspasadas al cine. Diabolik es dirigida por Mario Bava en 1968 que reúne un plantel de actores de renombre como John Phillip Law, Michel Piccolli, Marisa Mell o Adolfo Celli. En definitiva es una aproximación a los filmes de James Bond.  “Satanik”  creada por Max Bunker y Magnus es estrenada en 1968 y dirigida por Piero Vivarelli. Estas películas, mezcla de terror, acción y superhéroes de cartón piedra, eran las ofertas clásicas de los programas dobles y los cines de verano. Su validez es, desde luego, nula como producto viable, pero muy entretenidas para públicos poc exigentes.

 

“Barbarella” fue dirigida en 1968 por Roger Vadim y protagonizada por la que era su esposa en aquella época Jane Fonda. Procedente de los lápices de Jean Claude Forest, la heroína del espacio se hizo muy popular entre el lector adulto francés de Bande Dessine[5].  Barbarella es un personaje diferente. Anticipa la revolución sexual de mayo del 68 comportándose con un  rol mas avanzado al imperante en la época. La película hace énfasis en la sexualidad y el erotismo de la protagonista y recrea un universo, casi onírico, que se alimenta directamente de los escenarios del “Jardín de las Delicias”  de El Bosco.

 

( Dibujo de Blueberry por Jean Giraud)

También Francia produce dos de los tebeos mas significativos de la historia de la historieta: Axterix y El teniente Blueberry que sufren diversas vicisitudes al pasar al cine. El primer personaje, creado por Uderzo y Goscini, lleva ya tres adaptaciones a la gran pantalla “Axterix y Obélix Contra César” (1999), “Axterix y Cleopatra” (2002) y “Axterix en los juegos olímpicos” (2008). Estas películas están mas dirigidas al público infantil y por tanto se centran en mostrar una sucesión de gags, supuestamente graciosos, basados en golpes y situaciones simpáticas. La adaptación de Blueberry es sencillamente algo que ni remotamente se parece al personaje diseñado por Giraud. Si el teniente Blueberry tiene una personalidad muy desarrollada, la película parece ser un spaghetti western de segunda. Este film se basa, ligeramente, en los albumes “El hombre de la estrella de oro” y “La mina del alemán perdido”. 

Cartel de la película Blueberry

5. España

Cartel de Mortadelo y Filemón: Misión salvar la Tierra

 

Aunque la producción española, tanto en un género como en otro, no es tan importante como la del mercado USA, algunos de los éxitos de nuestro tebeo patrio han conseguido ser traspasados a la gran pantalla. La primera de las incursiones en el cine se produce con el rodaje de Zipi y Zape. De la mano de Escobar, estos dos émulos de Guillermo el travieso aparecieron en el tebeo Pulgarcito en los años 40 y continúan aún siendo reeditados. Enrique Guevara dirige en 1981 “Las aventuras de Zipi y Zape”, que protagonizan los hermanos gemelos  Francisco Javier y  Luis María Valtuille con la colaboración de Mary Santpere. 

 (Zipi y Zape)

 

La revista “El Jueves” se creó a mediados de los años 70 y en ella se publicaron algunas historietas serializadas que han conseguido un gran apoyo popular. De entre todas, dos de ellas, y las dos de la pluma de IVÁ, han originado una adaptación cinematográfica: “Maki navaja” e “Historias de la puta mili”. Las dos adaptaciones son una sucesión de parodias de las historias cortas de IVÁ. Se trata de un fix-up sin casi ninguna hilazón de continuidad. Maki está interpretado por Andrés Pajares, mientras que el Sargento Arensivia, protagonista de las Historias de la puta mili, lo encarnó Juan Echanove.

(Historias de la puta mili)

Oscar Aibar realiza su debut como director con una película, que se podría encuadrar dentro del subgénero “post-apocalíptico”, titulada “Atolladero” producida en 1995. Partiendo del comic original guionizado por el mismo Aibar, la historia tiene un parecido muy notable con la saga Mad Max y sus sucedáneos. Está protagonizada por Iggy Pop y Pere Ponce.

 

Mortadelo y Filemón, los dos agentes secretos de la T.I.A., creados por Ibáñez, fueron encarnados por Benito Pocino y Pepe Viyuela. La transposición de los personajes en actores reales es sencillamente imposible. Mortadelo es un “superhéroe” camaleónico y sus habilidades con el disfraz son tan imprevisibles como improbables. Javier Feisser consigue trasmitir algunas de las sensaciones de lo tebeos y mostrar al espectador, siquiera mínimamente, el absurdo mundo de los terribles agentes. La primera película se tituló “La gran aventura de Mortadelo y Filemón”. La segunda parte “Misión salvar la Tierra” cambiaría de director, Miquel Bardem, y de actor en el papel de Mortadelo, en este caso, Eduard Soto. En esta segunda entrega el guión estaría basado, ligeramente en la aventura titulada  “El sulfato atómico”.

 

 

Conclusión

 

Según el IMDB[6] existen a día de hoy 1.837 películas (series de tv, animación y personajes reales) basadas en historietas. Esto da una idea de la influencia que ha tenido, y parece seguir teniendo, éste género en la puesta en escena del fenómeno cine. La historieta tiene una gran fuerza visual y argumental. Lo que no es posible en el mundo real lo es, y en imágenes, en los tebeos. La diferencia con la literatura está en que mientras que en ésta el lector “interpreta” lo que el escritor le cuenta –cada lector “visualiza” de manera diferente una novela- el tebeo ilustra de manera tangible lo que quiere el autor. No hay margen para la imaginación. Y tampoco la hay en el cine. Lo que vemos es lo que es. Las interpretaciones, al margen de los infinitos montajes del director,  están proscritas. Son dos medios de expresión, dos artes, inmediatos y directos. El mensaje no admite sesgos y se incrusta como una saeta certeramente disparada en el corazón del receptor.

 

El cine debe mucho a la historieta, sobre todo en las ideas. Pero ella también le debe al cine la planificación de las escenas, la secuencialidad que no existía en un primer momento y  seguramente algunas cosas mas.

 

La historieta, el cine; dos mundos destinados a entenderse y a interrelacionarse. Seguro que esta retroalimentación se mantendrá en el futuro.

 

Apéndice

 

53 películas que adaptan historietas.

 

  1. 300 (2006)
  2. Los 4 Fantásticos (2005)
  3. Atolladero (1995)
  4. Astérix y Obélix contra Cesar (1999)
  5. Baba Yaga (1968)
  6. Barb Wire (1996)
  7. Barbarella (1968)
  8. Batman (1989)
  9. Blade (1998)
  10. Buck Rogers (1939-1977)
  11. El Castigador (The Punisher) (1989-2004)
  12. Camino de perdición (2002)
  13. El Cuervo (1994)
  14. Catwoman (2004)
  15. El Clic (1985)
  16. Constantine (2005)
  17. Daniel el travieso (1993)
  18. Daredevil (2003)
  19. Darkman (1990)
  20. Diabolik (1968)
  21. Dick Tracy (1990)
  22. El Hombre enmascarado (1996)
  23. Flash Gordon (1980)
  24. Ghost World (2001)
  25. Hellblazer (2005)
  26. HellBoy (2002)
  27. Historias de la puta mili (1994)
  28. Hulk (2003)
  29. Iron man (2008)
  30. Juez Dredd (1995)
  31. Kriminal (1996)
  32. La Liga de los caballeros extraordinarios (2003)
  33. Makinavaja, el último choriso (1992)
  34. La Máscara (1994)
  35. Men In Black (1997)
  36. Modesty Blaise (1966)
  37. La gran aventura de Mortadelo y Filemón (2003)
  38. El Motorista fantasma (2007)
  39. Mystery Men (1999)
  40. X-Men (2000)
  41. Popeye el marino (1980)
  42. Rocketeer (1991)
  43. Satanik (1968)
  44. Sin City (2005)
  45. Spawn (1997)
  46. Spiderman (2002)
  47. Supergirl (1984)
  48. Superman (1978)
  49. Blueberry (2004)
  50. Tintín y el misterio de las naranjas azules (1964)
  51. Tortugas Ninja mutantes (1990)
  52. V de Vendetta (2005)
  53. Zipi y Zape (1981)

 

© Alfonso Merelo 2008.



[1]              Carlos Pacheco es uno de los pocos dibujantes españoles que trabajan en DC y Marvel. La cita procede de la conferencia pronunciada en la Facultad de Derecho de la Universidad de Huelva en abril de 2008.

[2]              Un “story board” es esencialmente una guía, en forma de ilustraciones,  que permite planificar visualmente una secuencia antes de su filmación

[3]              Junto con Detective Comics (DC), Marvel Comics Group es una de las mas potentes empresas de tebeos de USA. 

[4]              Fumetti : comic, tebeo.

[5]              Bande Desinee es la denominación francesa para comic o historieta.

[6]              Internet Movie Database. Base de datos de cine muy completa en Internet. http://www.imdb.com

17/12/2014 11:10 Alfonso Merelo Solá #. Cine No hay comentarios. Comentar.

2013-Star –esto qué es Abrams- Trek

 Cuando J.J. Abrams tomó las riendas de Star Trek hace cuatro años consiguió que la película que retomaba las aventuras de la tripulación original de la serie fuera un nuevo comienzo muy prometedor. La primera película reinterpretaba los personajes y las situaciones de la serie clásica con una mas que interesante actualización. Abrams remodeló el universo inventado por Roddemberry por medio de un viaje en el tiempo, uno de los sistemas mas usados en la ciencia ficción de todos los tiempos. Este interesente uso de los resortes del género produjo un Star Trek distinto, más moderno, más dinámico, pero que guardaba elementos muy reconocibles de la longeva saga. La película era atractiva tanto para las nuevas generaciones de espectadores que no se hubieran acercado a la serie como para los viejos trekkies que veían que la nueva saga era Star Trek en esencia. En España se acaba de estrenar la segunda película dirigida por Abrams con el subtítulo de En la oscuridad. Y a partir de aquí advierto que voy a comentar las peripecias del guión con bastante explicitud.

 La película no está a la altura de la primera. La incorporación de Benedict Cumberbatch es una buena apuesta ya que el actor británico realiza una buena gestión de su interpretación de Khan. Porque, efectivamente, volvemos a encontrarnos con un villano de los mejores, y mas histriónicos, que ha dado la serie ST. Cumberbatch está mucho mas contenido que su antecesor Ricardo Montalban, sobre todo en la película La ira de Khan. Por otra parte los actores principales ya han consolidado sus personajes y se dejan llevar por ellos. Spock, Kirk, Uhura, Bones, Chejov, Sulu y McCoy vuelven a tener un protagonismo coral en este remake, destacando entre ellos la actuación de Zachary Quinto que parecería que ha nacido para interpretar a Spock, o mejor a Leonard Nimoy haciendo de Spock.  La aparición de Peter Weller es también una interesante aportación con su papel de Almirante Marcus. 

 

¿En que me baso, pues, para decir en que la película no está a la altura? Creo  sinceramente que se ha perdido la oportunidad de elaborar una nueva historia de Star Trek. Me es muy difícil volver a ver un remake de la Ira de Khan, que es lo que es este film, mezclado con alguna propuesta de Insurrección. Y no es que me importe que se tuerza el espíritu Roddenberry al presentar una Federación más oscura y con disidentes del flower power, me decepciona imposibilidad de hacer algo diferente. ¿Era necesario recurrir a tópicos ya vistos en otras películas? ¿Era necesario copiar el final cambiando los protagonistas? ¿Era necesario meter con calzador a Carol Marcus en la trama? (y no me quejo de la actriz que conste que está muy alegre en su papel). ¿Por qué eso agujeros de guión como el enviar al Enterprise a la luna de Klingon a buscar a Khan que no sabemos porqué rayos está allí? En todo caso, y ya que se conoce la transportación transwarp, ¿no deberían haber mandado un comando?

 

Mi decepción se centra en estos detalles de guión que están efectuados de manera muy chapucera sobre todo cuando se copia literalmente a su antecesora dirigida por Nicholas Meyer. Ese grito ¡Khannnnnn!, esta vez emitido por Spock, esa “muerte” aparente de Kirk, cambiada para que Spock pueda darse de bofetadas con Khan que queda más espectacular, o esa recreación del efecto génesis pero con menos espectacularidad: esta vez es sólo una trasfusión de nada. En definitiva film que distrae mucho pero cabrea por su inoperancia y plagio.

 

© Alfonso Merelo 2013.

07/07/2013 21:41 Alfonso Merelo Solá #. Cine No hay comentarios. Comentar.


2013-15 Vente a Alemania Pepe. Alfredo Landa y el landismo

 

 

Alfredo Landa guarda para mi recuerdos muy gratos. Su fallecimiento ayer supone la desaparición de uno de los grandes del cine mundial de todos los tiempos. Landa no tenía nada que envidiar a actores de otras naciones a los que superaba en algunos casos con sus dotes de cómico.

 

Porque Landa era un cómico. Un cómico en el sentido que Fernán Gómez expresaba en su película El viaje a ninguna parte. Un profesional de la diversión y el entretenimiento que sabía como mantener a su público pendiente de su quehacer en la pantalla. ¿Qué más se puede pedir? Nada, don Alfredo, nada más. Y eso ya es más que suficiente. Pasó por esta vida dejando un grato recuerdo, dejando a sus espectadores asombrados de sus maneras, de sus formas y de su arte. Eso es más de lo que el 99,99% de las personas podremos decir nunca. Ser recordado, y ser recordado por hacer el bien, siquiera en este caso el bien del divertimento, que es tan buen bien como el que más.  

 

Alfredo Landa inventó el llamado landismo que no era más que utilizar al español medio como personaje para cualquier situación de guión. Aunque es cierto que una época de su carrera cinematográfica se centra en esas aventuras del españolito normal, casi siempre un con un cierto grado de rijosidad y relacionadas con unos estereotipos no del todo correctos. Pero antes de centrarse en esta faceta, Landa ya destacó en algunos papeles como los que hizo en Atraco a las tres, una comedia negra de Forqué, o la excelente La niña de luto, reflejo de la España más profunda y carca que dirigiera Manuel Summers.

 

Después de colaborar con Tony Leblanc en Los que tocan el piano, otra comedia costumbrista –esta vez dedicada a los timadores-, y Cateto a babor con José Sacristán llegaría un título emblemático en su filmografía como fue No desearas al vecino del quinto otra comedia que esta vez trataba el tema de la homosexualidad, aunque a la manera de Cospedal, es decir en grado de simulación. Esta película lanzó a Landa al estrellato de este tipo de escenarios y guiones. Un par de años después se proyecta Vente a Alemania Pepe, enfocada a mostrar dos cosas: lo bien que se vivía en España y lo mal que lo pasaban los emigrantes en Alemania. Pero en este panegírico de lo patrio, también se coló, supongo que intencionadamente, una fuerte carga de crítica social que le decía al gobierno de la época que aquí no se podía vivir, que para comer y prosperar había que viajar fuera. ¿De que me suena a mi esto?

 

Siguen una serie de películas menores hasta llegar a una curiosidad como El puente de Juan Antonio Bardem. Una película que habla de un viaje en moto que es a la vez una metáfora del cambio que se estaba produciendo en España en el año 1977. 4 años mas tarde, Jose Luís Garci le proporciona uno de los papeles que le hará cambiar de registro y convertirse en un referente de la escena española: Germán Areta fue el detective mas creíble hasta el momento en el cine español en la película El crack. Esta faceta dramática se consolida con El crack 2, que no está al nivel de la primera, y con la insuperable Los santos inocentes, en su mejor interpretación de todas con el personaje de Paco, el bajo. Más adelante La vaquilla, Tata mía, El bosque animado, La marrana o Historia de un beso fueron títulos en los que participó como protagonista. Películas que quedarán en la memoria de los aficionados al cine.

 

Este aficionado recuerda una serie de televisión llamada Tristeza de amor en la que Landa interpretaba a un periodista que volvía de Australia cansado y derrotado y se incorporaba a una emisión nocturna de radio. Una excelente serie con guión de Eduardo Mallorquí, hijo del escritor José Mallorquí, y con un elenco de actores entre los que estaba Concha Cuentos, José Fajardo, Carlos Larrañaga, Fernado Hilbeck, Walter Vidarte o una jovencísima Enma Suárez.

 

Alfredo Landa dejó a sus admiradores una gran muestra de trabajo bien hecho, Comedias, dramas, personajes típicos pero siempre, en cierta medida, perdedores. Sus creaciones nunca fueron triunfadoras, lucharon y se esforzaron pero no salieron de la vida gris. Al contrario que los personajes, Alfredo Landa brilló como una estrella destacando de la mediocridad. Nos divirtió, nos emocionó y nos mostró como se podía ser un genio del cine sin ser guapo, alto o cachas.

 

Fue un placer disfrutar de su talento. Le recordaremos siempre don Alfredo

© Alfonso Merelo 2013

12/05/2013 21:13 Alfonso Merelo Solá #. Cine No hay comentarios. Comentar.

2013-11 Jesús Franco, director de extraño culto.

 

Conocí a Jesús Franco en el festival iberoamericano de cien de Huelva cuando él, y su pareja de siempre Lina Romay, acudieron a presentar la última película en la que participaba Esperpentos, basada en la obra de Valle Inclan. En ella interpretaba el papel de don Manolito en los tres sketches que componían el filme. Solo hablé con él unos breves segundos para saludarlo y felicitarlo por su nueva actuación. Nada más. Si recuerdo una curiosa sensacional encontrarme frente a frente a un “monstruo” del cine como él que, naturalmente, no conocía nadie de los invitados a la gala de estreno. La impresión fue más fuerte al reconocer a Lina Romay como la acompañante del director.

 Desde mi posición de aficionado al cine, Franco es un caso absolutamente insólito en el mundo del cine. Realizó 199 películas de los temas más variados desde el terror, la aventura y sobre todo el erotismo y el porno (siendo uno de los primeros directores españoles en practicarlo). En esa inmensa filmografía pudo trabajar con actores como Christopher Lee que interpretó a Fu-Manchú o al mismo Drácula, esta vez con bigote. Hay que reconocer que la mayoría de sus filmes fueron rodados con presupuestos ínfimos y que a partir de determinada fecha derivó su filmografía hacia el terror-erótico (Vampyros Lesbos por ejemplo) y hacia el mas clásico porno (El chupete de Lulú sin ir mas lejos). Su gran musa, y pareja, Lina Romay participó en todas estas películas que, muchas veces, eran una absoluta “ida de olla”.

 

Sinceramente la mayoría de sus filmes me interesaron muy poco. Naturalmente en los 70 era imprescindible ir a ver los destapes de Jess Franco, que se convirtió en director de culto en este género. Sí hay que defender que era un profesional solvente, mucho más cualificado que la mayoría de sus coetáneos en esas lides del soft porno. Sus películas tenían un toque especial que las hacía mas visibles que las otras, aunque a este tipo de cine se iba a ver carne, femenina normalmente, más que nada.

 Como actor tendría unas actuaciones destacada en El extraño viaje, dirigida por Fernán Gómez, en la que interpretaba un inquietante papel. Fue también compositor, guionista, director de segunda unidad, con Welles ni más ni menos, y todo lo que se puede hacer en el cine.

 Murió ayer, día 2 de abril, al pie del cañón y mientras que acababa su última película. Probablemente la muerte de su pareja hace un año precipitó la muerte de este singular personaje. D.E.P. Sr. Franco. Espero que disfrutara en su interesante vida.

 

MI FILMOGRAFÍA PARA JESS FRANCO.

Vampiresas 1930

El secreto del Dr. Orloff

Fu Manchú y el beso de la muerte

El conde Drácula

Vampyros Lesbos

Los demonios

02/04/2013 23:18 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 1 comentario.

2013-4 Lincoln

Abraham Lincoln es uno de los más conocidos presidentes de los Estados Unidos. En el acervo popular estadounidense fue el que “liberó” a los esclavos negros. No sólo es una figura presidencial conocida sino un icono en su país y fuera de él.

 

Este tipo de personajes siempre han sido muy atractivos para ser llevados al cine, pero siempre se corre el peligro de desvirtuar al personaje del que ya el público tiene preconcebido su apariencia y su manera de actuar. En este caso es el público norteamericano el que ha de juzgar si este personaje está llevado adecuadamente a la pantalla o no. Varios biopics se han llevado al cine con la figura de Lincoln de protagonista. En 1930, y de la mano del director D.W. Griffith, se estrenó la primera versión titulada Abraham Lincoln, en la que escenificaba el magnicidio del mandatario. El joven Lincoln  data de 1939 y Lincoln en Illinois de 1949. Pocas películas más están centradas en su figura aunque tenemos la reciente Abraham Lincoln cazador de vampiros algo inusitado mezclando dos iconos tan dispares entre si como lo son los vampiros y el “libertador”. Incomprensible.

              

Steven Spielberg se ha lanzado a dirigir un gran film sobre Lincoln. Como suele ser habitual se ha rodeado de grandes actores que cumplan con su trabajo de manera eficiente. Daniel Day-Lewis, muy envejecido gracias a la magia del maquillaje, es el perfecto actor para el gran personaje, destacándose su peculiar y tranquila manera de hablar, su acento, al menos para mí que entiendo el inglés moderadamente, y su forma de caminar y moverse lentamente. Esta actuación le ha sido reconocida al llevarse el Globo de Oro al mejor actor protagonista de 2012. Por otra parte Sally Field hace una impresionante labor al interpretar a la esposa del Presidente, pese a que me choca su edad al compararla con la de Day-Lewis. Efectivamente su edad cronológica es la del personaje cosa que no ocurre con la del protagonista, que es mucho mas joven pese a su aspecto envejecido por le maquillaje. Me estuve toda la película diciendo que no me cuadraban los dos. Y para rematar tenemos a Tommy Lee Jones que pasa a representar al congresista republicano Thaddeus Stevens, uno de los más firmes puntales para la aprobación de la decimotercera enmienda a la Constitución USA. Lee Jones debe llevarse el Oscar sin paliativos por su extraordinaria actuación y sus impresionantes monólogos defendiendo la enmienda.

La película precisamente refleja las intrigas políticas en torno a la aprobación de esa enmienda constitucional que impedía la esclavitud. Aprovechando la guerra de secesión, el partido republicano, sí no es un error, el Partido Republicano era el progresista en la época y el  Demócrata la oposición ultra conservadora -¡las vueltas que da la vida!-, intenta aprobar en la cámara de representantes una enmienda constitucional que prohibía todo tipo de servidumbre no consentida. Esta enmienda se había aprobado ya en el Senado y es ese trámite en el Congreso el que está intensamente reflejado en el guión de Lincoln. Asistimos a las trampas, a los gritos, a las puñaladas traperas y a los magníficos monólogos en defensa de una y otra postura. Naturalmente Spielberg se decanta por la postura de los republicanos en su defensa de los derechos humanos.

La ambientación y el vestuario están increíblemente reconstruidos, al menos así me lo parece ya que no viví la época. Pero también está ahí una partitura de John Williams que se hace muy agradable al oído en su línea de grandes orquestaciones y fanfarrias épicas.

Spielberg se ha marcado otro tanto con esta película. Es un tema que ni nos va ni nos viene, entiéndanme que el trasfondo si pero la figura en sí se hace muy lejana en el tiempo y en el espacio, pero que está tan bien narrado que el espectador se queda pegado a la butaca para ver que es lo que ocurre a continuación, pese a que ya lo conocemos. No desvelará nada no conocido si digo que el director narra el magnicidio en una magnífica elipsis que tiene por marco un teatro diferente al del suceso. Es a través de otros  personajes como conocemos el asesinato y en todo momento se elude la visión directa de los disparos. No es lo que interesa, lo que interesa es el personaje histórico en sí y su relación con la política de su época. Y sobre todo contemplarlo, y magnificarlo, como una persona de profundas convicciones morales y de un coraje y firmeza dignas de tan impresionante labor: derogar la esclavitud.

© Alfonso Merelo 2013

14/01/2013 14:24 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 2 comentarios.

2013-2 Aquellos maravillosos títulos.

Las traducciones de  los títulos de las películas siempre ha sido un deporte de riesgo para los espectadores porque, o bien te destripan lo que es el argumento o bien te despistan sobre lo que vas a ver. Es el principio de la Doble D: Destripe/Despiste.

          

Entre los primeros casos de destripamiento engorroso que te hacen ciscarte en los muertos del que lo ha hecho -habitualmente es cosa de la productora-  está el paradigma de todas las traducciones que no es otra que Rosemary´s Baby (Polanski 1968) que se tituló en nuestro santo país La semilla del diablo. Es decir el espectador norteamericano acudía a la sala sin saber nada mas que había un bebe y que era de Rosemary. El espectador español entraba sabiendo que el diablo estaba de por medio dejando su semillita en algún sitio. En cuanto aparecía embarazada Mia Farrow ya todo el mundo gritaba en la sala ¡Es del diablo, el niño ese es del diablo! Y te pasabas el resto de la película sabiendo que a Cassavetes le habían puesto una cornamenta estupenda, en este caso de macho cabrío, que pega más por cierto que lo de la palomita esa rara.

 

Pero sigamos con los destripamientos Child´s play, un juego de niños, se trasforma en Muñeco diabólico (  Tom Holland 1988). Diabólico es el Chuky ese, pero ¡no lo digas al principio leñe, que el espectador se asuste en su momento! Le quitan toda la gracia.

            

Otra que tiene tela es Higlander, que es montañés de Escocia –bueno, habitante de las tierras altas- y que se quedo convertido en Los inmortales. Tachan. Donde había un escocés pasamos a tener muchos inmortales. Ya me has estropeado la sorpresa de la escena del principio con el degollamiento en el parking. Porque tú lo vales y te sale del papo/nabo cambiar el título.

 

Dayligth, que se puede traducir por luz o si me apuran por luz del día, pasó a llamarse Pánico en el túnel (Rob Cohen 1996). Obvio decir que todo espectador despierto sabía al entrar en la sala que había un túnel y que algo chungo iba a pasar allí. Película de catástrofe, pequeñita, anunciada en su traducción.

 

Y vamos con los títulos de despiste. Y empezamos con Die Hard, duro de matar, duro de pelar, que en España se convirtió en  La jungla de cristal. Bien es cierto que el edificio Nakatomi Plaza tenía un montón de cristales, pero de ahí a ser una jungla… no se no se. En todo caso el original si que advertía de lo que iba a ocurrir con Bruce Willis. Peor sería la traducción de Paint your Wagon –pinta tu carreta o ti vagón (hubo una serie de carretas en la conquista del oeste denominadas wagon)- que convertida al español de aquí mismo sería La leyenda de la ciudad sin nombre. Bien es cierto que No Name City es la protagonista de la película, pero desde luego se desvirtúa el título original que, por otra parte, no se que cojones tiene que ver con el guión en sí.

           

Otro título de despiste clásico es Hig Noon, es decir medio día, que fue convertido en Solo ante el peligro, que la verdad es bastante referencial hacia lo que ocurre en la película. Pero si traduces Some Like It Hot por Con faldas y a lo loco es que no das una en el título, aunque faldas si que hay y por todos lados. ¡Soy un hombre! Nadie es perfecto.

¿Y que me cuentan de Star Wars, magnificada hasta La Guerra de las Galaxias. Donde estén unas galaxias que se quiten unas mierdecillas de estrellas.

 

Y esto es solo una pequeña muestra de los títulos infames. Así que para completar el invento sería conveniente que por un eurito me dijeran: Películas cuyos títulos traducidos sean una barbaridad. Un, dos, tres responda otra vez.

 

© AMS 2013

 

 

03/01/2013 16:00 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 2 comentarios.

644. Biopics

 

Cuando hablamos de películas cuya historia hace referencia a un personaje histórico hablamos genéricamente de biopics. Este término es la contracción en inglés de la frase biographical motion picture, o lo que es lo mismo en cervantino idioma: película biográfica.

 

Nunca me han gustado demasiado las películas dedicadas a estos personajes históricos porque me gusta más la ficción y dudo mucho que una vida “real” sea tan interesante como la que pueda dar de si un personaje de ficción. Para reflejar tal cual la vida de alguien tenemos el formato documental que es mucho más eficiente y auténtico. 

 

El problema de los biopics es doble: en primer lugar para conseguir que el film sea atractivo para el espectador ha de convertirse en algo ágil, por lo que el personaje biografiado tiene que tener algo que lo diferencia de la normalidad. Y ese algo ha de ser interesante y atractivo. Por otra parte, si el personaje está muy próximo en el tiempo histórico, lo normal es que se le trate con benevolencia sobre todo si está vivo. Este trato consiste simplemente en reflejar lo que de bueno tenga y olvidar todo lo malo. Y también cabe la posibilidad de hacer una película basada en un personaje histórico que no refleja en nada lo que fue porque nadie se va a enterar. Como ejemplo podemos ver como la, magnífica por otra parte, película Murieron con las botas puestas refleja la vida de un general Custer muy alejada de la realidad.

 

Toda esta parrafada viene a cuento por el estreno de la película La dama de hierro, que narra la vida de la que fuera primera ministra británica Margaret Tatcher. De la interpretación llevada a cabo por la siempre esplendida Meryl Streep no se puede más que decir que es fantástica. La actriz ha conseguido ser mas ella que ella mismo, y no se si se eme entiende. En este aspecto, la recreación del personaje, la película es magistral. Pero también es verdad que se aplica la benevolencia extrema y la sra. Tatcher se muestra como un personaje muy humano que no tuvo mas remedio que actuar como actuó. La realidad es que la dama de hierro fue un personaje funesto para su país y para Europa en particular. Una persona que no dudó en usar el terrorismo de estado, que aniquiló todo lo público, destrozando de paso por ejemplo los trenes británico que eran la joya de la corona, y de paso aprovechó para machacar a los sindicatos. Y eso no mejoró el bienestar de los británicos sino todo lo contrario porque perdieron poder adquisitivo y entraron en una recesión, de la que aún no ha salido, debido a que el paro se triplicó en sus mandatos y a la terquedad y cortedad de miras al poner como único objetivo económico el control del déficit y la inflación. Mira, justo lo que ahora 15 años después se aplican con ahínco a hacer nuestros mandatarios. Gran amiga de Ronald Regan, inició con el la doctrina neo-con que tanto éxito tiene ahora en el mundo. Fue también una ferviente enemiga de la Unión Europea a la que torpedeo continuamente. En definitiva, para mi criterio, un personaje funesto de la historia europea, además de antipática y desagradable en el plano personal.

 

Pero otro personaje está a punto de aterrizar en nuestras pantallas y se trata del más famoso director del FBI J. Edgar Hoover, la dirige Clint Eastwood y mucho me temo, bueno no es que me lo tema es que es así, que sea un panegírico de uno de los personajes mas siniestros de Norteamérica. ¿Qué fin persigue el crear una película alabando a un tipo de tal catadura moral? Un personaje que usó todos los medios a sus disposición para, mediante el chantaje, conseguir poder político. ¿Una película de “homenaje”? Insólito desde luego.

 

Ocurre también que a la muerte de cualquier personaje, relevante o no, se suele obviar lo que de malo hubiera tenido y sólo reflejar los hechos que son convenientes para realzar su figura. El caso reciente de Manuel Fraga es prototípico pues se han hecho alabanzas y loas de su labor política después de la transición, padre de la Constitución, fundador de un partido “democrático”, presidente electo etc,. Pero se ha olvidado todo su bagaje antidemocrático en los gobiernos de Franco y posteriormente cuna “la calle era suya”. Los intereses de determinada clase política impide que se biografíe adecuadamente al personaje, con lo que la información que de él se da queda sesgada y sin que los ciudadanos puedan juzgar objetivamente.

 

Por cierto, y hablando de biopics, ¿quién sería el actor idóneo que podría interpretar a Manuel Fraga? Les aseguro que no tengo ni idea.

 

© Alfonso Merelo 2012



18/01/2012 12:07 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 4 comentarios.

628. Thor, el poderoso


En 1970 se publica por primera el tebeo de Thor en la edición de Vertice en España. La portada era, como siempre, obra de López Espí, que contenía los números USA de Journey Into Mystery Vol.1 nºs 112, 125 y 126.  No era el primer nº en el que aparecía el personaje, ya que éste surgió en el nº 89, de la revista antes citada, y de la pluma de Stan Lee y los lápices de Jack Kirby, con entintado de Joe Sinnott en 1962.

 

Nº 1 en España de Thor

Thor es un superhéroe un tanto especial. Pese a que tenía en origen las mismas características que los superhéroes al uso su principal diferencia estriba en ser no un émulo de los dioses mitológicos sino realmente uno de los dioses de la mitología, en este caso escandinava, que vive en La Tierra. El dios del trueno es exiliado en Midgard, la Tierra, por su padre Odín para que aprenda humildad. Este personaje será fundador del supergrupo “Los Vengadores”.

 

Escenario de Asgard

Marvel Studios es la productora de este film que dirige el shakesperiano Kenneth Branagh y que protagoniza Chris Hemsworth, Thor, y la oscarizada Natalie Portman, Jane Foster. Además,  arropando a los dos protagonistas, encontramos a Tom Hiddleston, en un inspirado Loki y Anthony Hopkins, que parece divertirse mucho dando vida al padre de todos Odín.

 

Thor (Chris Hemsworth)

La película actualiza el concepto de dioses mitológicos rebajándolos a la condición de meros seres muy avanzados y que proceden de otra dimensión, más o menos. La referencia “culta” a Arthur C. Clarke –la tecnología lo suficientemente avanzada es indistinguibles de la magia- es tomada aquí para redimir a la película de cualquier toma de posición por parte de las religiones mayoritarias. Si los antiguos “dioses” son en realidad extraterrestres no hay ningún tipo de conflicto. Y esta procedencia científica y no “mágica” se ve visualmente reforzada por el “Puente del Arcoiris” o Bifrost. En realidad este puente entre Asgard y Midgard es originalmente sobrenatural. Aquí Branagh, o quizá sería mejor decir que Straczynski, trasforman esa magia en un stargate mucho mas cool. Si en la serie se marcaban unos códigos para efectuar el trasporte, en esta película es la espada de Heimdall, la que hace de llave para efectuar el trasporte. Como se explica por parte de Jane Foster, en esta encarnación es astrofísica, se trata ni más ni menos que de un puente Eistein-Rosen o agujero de gusano, que conecta los dos mundos.  

 

Sif (Jaimie Alexander)

El guión comienza con la historia épica de Asgard en la que los dioses, comandados por Odín, vencieron a los demonios de hielo. Sus dos hijos, Thor y Loki, son los herederos del reino y entre ellos va a surgir una rivalidad, sobre todo por ser Loki el dios de la mentira y el engaño, además de tener envidia malsana de su hermano. Nada nuevo, ya que el tebeo reflejaba estos enfrentamientos desde el primer momento, en el lejano año 1962. Después de casi desencadenar una guerra con los demonios de hielo, Thor es arrojado a la Tierra para que aprenda humildad. Allí se encontrará con algunos terrestres, encabezados por Jane Foster, que lo acogerán y con los que compartirá algunas situaciones divertidas y clásicas referidas a los inevitables choques culturales. Una vez recuperada su condición de dios, volverá a su reino para impartir justicia.

 

Loki (Tom Hiddleston)

Pienso que  Branagh se ha empleado a fondo en el desarrollo de uno de los personajes como es Loki, que interpreta magistralmente el actor Tom Hiddleston. Este Loki es todo lo que podemos esperar del dios de la mentira. Es malvado a veces, noble otras y siempre está buscando justificación moral para sus actos. Es, probablemente, el mejor personaje y el que aporta más profundidad de toda la película.

 

Como quiera que Thor es un personaje muy físico, en el metraje se muestran muchas de las posibilidades del dios al combatir como guerrero. Usa el martillo a diestro y siniestro y las “épicas batallas” están a la orden del día, incluso cuando es despojado de su condición divina. Pero, como se ha comentado en alguna otra parte, la batalla contra los demonios de hielo es tan confusa y llena de “extras” que apenas se ve nada. Todo es confuso y pasa tan rápidamente que nos perdemos la acción. ¿Qué fue de aquellas estupendas peleas a puñetazos que se hacían en los 80 o antes?

 

Película entretenida, que recoge en general las características del personaje original, que es apta para todos los que no conozcan nada del personaje y que también disfrutaran los fans dadas sus referencias “friquis”  al universo Marvel.

 

© Alfonso Merelo 2011

03/05/2011 14:52 Alfonso Merelo Solá #. Cine No hay comentarios. Comentar.

613. De la historieta al cine

Como voy a pronunciar una conferencia en la Hispacón de Burjassot el próximo domingo día 10, a las 18.30, que trata de la trasposición del tebeo de ciencia ficción y terror a la pantalla, les cuelgo un artículo que escribí acerca de eses tema, auqneu mas general, y que se publicó en la revista Primeras Noticias nº 240, editada por el Centro de Comunicación y Pedagogía.

 

 

De la historieta al cine

 Introducción

 

Tenemos que convenir que cada una de las diferentes artes tiene un lenguaje propio para expresarse. Indudablemente el cine, como arte que aspira a ser –o que es ya-, tiene un vehículo de expresión propio. Sin embargo, al ser el cine una conjunción de diferentes formas de expresión artística (pictóricas, musicales, literarias...) las características del lenguaje cinematográfico captan, o usan, recursos de otras disciplinas.

 

Si hablamos del lenguaje en el cine podemos afirmar que mantiene muchos parecidos con otro “arte” como es el comic, al que me permitirán que nombre como tebeo o historieta de ahora en adelante, y hago propias las palabras de Carlos Pacheco:

 

“¿Por qué llamarlo comic cuando tenemos una palabra propia para nombrarlo? […] tebeo es el continente, historieta el contenido”[1]

 El cine, a primera vista, se podría decir que comparte mas que difiere del lenguaje de la historieta; ambas manifestaciones son visuales en un 80 por ciento y ambas tienen en común un tempo determinado en forma de escenas secuenciadas que determinan la narración. Estos “parecidos razonables” en las formas de expresión hacen que los trasvases entre ambos mundos sean relativamente más sencillos y que los dos "mundos" compartan historias entre sí.

 Algunos estudiosos defienden a ultranza que el paso de la historieta al cine debe realizarse de la manera más fiel posible, y otros opinan que al ser lenguajes diferentes esta fidelidad no tiene por qué guardarse. Elijan ustedes cualquiera de las dos teorías, pues ambas son perfectamente válidas.

 Si que podemos decir que el tebeo que va a ser traspasado al lenguaje cinematográfico es, en esencia, un “story board”[2], y que su plasmación en imágenes es, teóricamente, mas sencilla que la que pudiera derivarse de, por ejemplo, una novela costumbrista, aunque eso no es siempre así.

 Tanto la historieta como el cine nacen aproximadamente en la misma fecha. Probablemente el primero es anterior en algunos años al segundo que es, casi, un invento del siglo XX.  Durante tres décadas se mantienen en mundos separados, hasta llegar a los años treinta, en los que comienzan a producirse múltiples adaptaciones al celuloide de historias originalmente pensadas para el tebeo.

 Pese a los elementos comunes, resulta complicada la adaptación de la historieta a la imagen real. Las posibilidades de la imagen dibujada son inmensamente superiores a las del cine en sus comienzos, incluso ahora siguen siéndolo. Es arriesgado efectuar estas traslaciones ya que el público conoce "visualmente" cómo son los personajes, y adecuarlos a actores reales es siempre complicado.

 El cine comienza mas pronto que tarde a recurrir a las historietas para realizar sus producciones. Es intención de este artículo dar un repaso somero para ilustrar al lector sobre estas trasferencias historieta-cine. No podemos, en tan corto espacio, reflejar todas y cada una de estas adaptaciones o influencias, pero si podemos dar una guía de algunas de las mas conocidas ya sea por motivos históricos, por su fidelidad en la adaptación o por la importancia de la misma. Entiéndase que este trabajo es necesariamente incompleto y que sólo es una referencia básica sin ánimo completista. Para acotar aún mas, sólo se va a tratar de las historietas traspasadas al cine con soporte de imagen real, es decir, con actores interpretando a los personajes. El cine de dibujos animados sería motivo para otro artículo de contenido diferente al presente.

 1 Los comienzos

 

(Flash Gordon y Ming)

Los diversos estudios históricos discuten sobre cual fue la primera de las adaptaciones sin que se pongan demasiado de acuerdo en ello. Luis Gasca (“Los comics en la pantalla”. Pg. 190) afirma que la primera película que usa la historieta como base de guión es el corto “El regador regado”, de los hermanos Lumiere en 1895, que recreaba una tira cómica de la época.  En los USA, Winsor McKay realiza en 1911 un cortometraje adaptando, en dibujos animados, su propia creación “Little Nemo in Slumberland”.

 

(Serial de 1936)

 

Dejando  a un margen las películas de animación, se pude decir que una de las primeras películas adaptadas con gran éxito fue “Flash Gordon”, que dirigió Frederick Stephani en 1936. Flash Gordon fue creado por Alex Raymond como página dominical para King Features Syndicate, llevando la primera página la fecha de distribución correspondiente al domingo 7 de enero de 1934. Raymond ilustró su página semanal hasta el 30 de abril de 1944. La productora Universal Pictures, que había adquirido los derechos de varios personajes de King Features Syndicate, lanza la casa por la ventana, e invierte 350.000 dólares en la producción, cifra nunca antes alcanzada en un serial. Protagonizada por Larry Buster Crabbe como Flash, el serial refleja, bastante acertadamente, lo narrado en las tiras de la serie dibujada. Los tres primeros capítulos adaptaban detalladamente cuatro planchas dominicales cada uno de ellos. El resto de la serie adaptó mucho mas libremente los argumentos de papel, aunque se respetaron los hechos fundamentales en los tebeos. Los actores intentaron recrear a los personajes de papel lo mas parecido posible. En ese aspecto esa primera película es modélica en la caracterización de actores.  A esta adaptación les seguirían dos seriales más con el mismo actor protagonista en las continuaciones.

 

 (Nº 1 del tebeo de Buck Rogers)

“Dick Tracy” es otro tebeo llevado a la gran pantalla tempranamente en la película dirigida por Ray Taylor y Alan James en 1937, y con 15 capítulos. La tira original se comenzó a publicar en octubre de 1931 en el Chicago Tribune New York News Syndicate. Su creado fue Chester Gould y narraba las aventuras de un inspector de policía enfrentado a la mafia. En la película, el detective de la mandíbula cuadrada se enfrentará, con la ayuda de un sinfín de gadgets de ciencia ficción, al Cojo y su Armada Araña. En el posterior serial “Dick Tracy G-Men”, los elementos de ciencia ficción se harán más notables, al enfrentarse Tracy a un villano capaz de devolver los muertos a la vida. EnLos crímenes del fantasma”, Tracy deberá resolver el caso de un criminal denominado El Fantasma, capaz de hacerse invisible.

 Estas primeras incursiones del tebeo en el cine continuarán con las apariciones de diversos superhéroes y otros personajes de acción. Así tomarán el relevo de estas primeras incursiones en el cine de las historietas.

 Desde los años 30 hasta finales de la década de 1940 los seriales, ancestros claros de las actuales teleseries, ocupan muchas horas de proyección en las pantallas cinematográficas de medio mundo. Bastará con enumerar algunas conocidas películas, para comprobar la influencia del tebeo en este mundo fílmico. Así podríamos nombrar las películas “Agente secreto X-9” (Ford L. Beebe, 1937), “Mandrake el mago” (Sam Nelson, 1939), “Buck Rogers” (Ford L. Bebee 1939), “Terry and the pirates” (James W. Horne, 1940), “The Adventures of Capitán Marvel” (William Whitney, 1941), “Batman” (Lambert Hiller, 1943), “The Phantom” (Breezy Reeves Eason, 1943),  “Capitán América” (John English, 1944),   Brick Bradford (Spencer Gordon Bennet, 1945), o “Superman” (Spencer Gordon Bennet, 1948).

 

 

2 Los superheroes

 

(Christopher Reeves, Superman II)

Una de las principales fuentes de inspiración para el cine ha sido el mundo de los superhéroes. El indudable atractivo visual que encierran estos personajes hace que la industria del entretenimiento adopte inmediatamente las figuras coloristas de estos modernos semidioses para su traspaso a la gran pantalla. El primer superhéroe del tebeo es Superman,  personaje que se acerca mucho más a la figura de los semidioses griegos y romanos que a  la concebida por Nietzsche. Nace en 1933 de la pluma de Jerry Siegel y los pinceles de  Joe Shuster. Su primera adaptación al medio se produce en  1948 en una de tantas películas por jornadas que reinaban en esa época. Posteriormente pasaría a televisión y es en 1978 cuando Richard Donner  lleva al “Supermán”, interpretado por Christopher Reeves, a un renacimiento del género en el cine. Esto se deba principalmente a la mejora de los efectos especiales que hacen que las aventuras sean ya creíbles, visualmente hablando, y no risibles. Superman realmente parecía volar. A ésta le seguirán tres secuelas y un reciente film titulado “Superman returns”.

 

Otro de los héroes de la época dorada es Batman. A las primeras películas de episodios se añade una entrañable serie de televisión en la década de los 60 protagonizada por Adam West y que se ha convertido en un monumento a lo “kitsch”. Tim Burton crea un lujoso espectáculo con su “Batman” de 1989. Interpretado por Michael Keaton, Jack Nicholson y Kim Basinger, recoge en alguna medida el “interior” del personaje, aunque, sobre todo, destaca la fantástica e histriónica interpretación de Nicholson dando vida al Jocker. Si algo hay que destacar por encima de todo es la fantástica recreación de la ciudad de Metrópolis. Posteriormente se rodarían varias secuelas: “Batman returns” (1992), “Batman forever” (1995), “Barman y Robin” (1997) y “Batman Begins” (2005). Se  ha estrenado ya el año pasado “Dark night” la última aventura del héroe murciélago.

 La editorial “Marvel Comics”[3]  tuvo un renacimiento en los años sesenta de la mano de Stan Lee. Sus personajes son conocidos ahora por todos los lectores del mundo. Entre los mas populares están “Los 4 Fantásticos”, “Los Vengadores”, “Spiderman”, “Capitán América”, “La Patrulla X (X-Men)”, “Hulk (La Masa)” y otros muchos mas que configuran lo que se denomina “Universo Marvel”. Fuente inagotable para el cine, las adaptaciones han sido mucho más numerosas que las de su rival DC.

 

 

(Capitán América. Serial 1944)

En los lejanos años 40 ya se adaptó una primitiva “Capitán América” que, en 1944, ya peleaba contra los nazis. Dejando a un lado las series de televisión como “Hulk” o “Spiderman”, la primera adaptación que tiene un gran éxito es “X-Men”. En 2000 Bryan Singer dirige una muy respetuosa versión sobre la que es una de las principales franquicias del  Universo Marvel: “los mutantes”. Con un guión aceptable y  unos actores mas que dignos se convierte en una de las mejores adaptaciones al cine de una historieta. A esta primera incursión le seguirían “X-Men 2”( 2003) y “X-Men3” (2006), que crean una saga muy interesante de ver. Es una adaptación muy fiel al espíritu de los tebeos de los años 80 cuando el guionista Crhis Claremont se hizo con las riendas de la serie. Se está rodando ahora un spin-off titulado “Wolverine” y que recrea la historia de uno de los componentes mas carismático de la Patrulla X: Lobezno.

 

De 2002 es la película “Spiderman”, dirigida por el interesante Sam Raimi e interpretada por Toby McGuire. Se recrea el nacimiento del héroe, esta vez picado por una araña modificada genéticamente y no radiactiva como en los tebeos originales. Otras dos adaptaciones vendrían a completar las aventuras del arácnido en las que enfrentaría a enemigos como El Duende, El Dr. Octopus o el Hombre de Arena.  No aportan absolutamente nada ni al personaje ni al cine, pero son películas muy efectistas.

 

“Hulk” es el equivalente en la historieta a Mr. Hyde en la literatura fantástica. El personaje surge en 1963 y es fruto de los experimentos con una bomba gamma que trasforma a un apacible científico, Bruce Banner, en un superpoderoso ser de nombre Hulk, rebautizado en España como “La Masa”. La película dirigida por Ang Lee en 2003 es una adaptación relativamente fiel al original, que adolece de un tremendo handicap: por mucho que se esfuerzan los informáticos, Hulk no es creíble. Es un muñeco que se pasea pegando bandazos por la pantalla. Cuando se escribe este artículo estamos a la espera del estreno de una nueva versión del “monstruo” que dirige Louis Leterrier con la participación de Edward Norton en el papel de Bruce Banner.

  

(Nº 1 de Los 4 fantásticos)

 

(Cartel de la película Los 4 Fantásticos)

 

Los 4 fantásticos, nacidos como el primer supergrupo de la compañía Marvel  de la mano del guionista Stan Lee, fueron llevados al cine en una patética película de 1994 titulada “The Fantastic Four” y dirigida por Oley Sassone. En los últimos años hemos podido ver una lujosa adaptación titulada “Fantastic Four”, dirigida por Tim Story en 2005 que contó con la atractiva Jessica Alba como una de sus protagonistas. Esta película tuvo una segunda parte titulada “Rise of the Silver Surfer” dirigida también por Tim Story. En la primera parte hacía su aparición el villano recurrente del grupo: “El Dr. Muerte”, mientras que en la segunda podíamos ver a “Silver Surfer” surcar el espacio en busca de Galactus.

 

Si los superhéroes se caracterizan, entre otras señas de identidad, por el exotismo en la adquisición de los poderes (arañas radioactivas, rayos gamma, rayos cósmicos, mutaciones) hay uno de ellos que resume lo que es el self made man del superhéroe: Iron Man o, para entendernos, El Hombre de Hierro. Este poderoso individuo es  un fabricante de armas normal, realmente es un “científico loco”, que, tras ser atacado por el viet cong (estábamos en plena guerra de Viet Nam cuando fue creado) y para sobrevivir ha de crear una armadura de hierro que a. le salve la vida al activar su corazón b. le permita comportarse como otro superhéroe cualquiera repartiendo justicia. En la reciente película,  “Iron Man” (Jon Favreau 2008) este origen está actualizado situándolo en la guerra de Afganistán, pero mantiene el resto de connotaciones que se crearon para el personaje. La armadura de alta tecnología es el triunfo de la técnica USA sobre los inconvenientes. Es el exponente de la superioridad de las empresas norteamericanas sobre el resto del mundo.

 

Hay también adaptaciones mas modestas de otros personajes menores de la compañía como  son “Daredevil” (Mark Steven Jonson, 2003), “The Punisher” (Mark Goldblatt, 1998 y Jonathan Hensleigh, 2003), Elektra (Rob Bowman 2005)  o “El motorista fantasma” (Mark Steven Jonson, 2007). Estos personajes no tienen poderes tan extraordinarios y espectaculares, por lo que pueden ser traspasados con mas facilidad al medio. Daredevil El Castigador o Elektra no se diferencian demasiado de las películas de artes marciales al uso. Sólo se le cubre al héroe con un traje colorista y el resto es muy parecido: cabriolas, patadas y golpes durante la mayoría del metraje.

 3. Otros géneros.

  

(Dick Tracy)

 

No sólo del supehéroe vive el tebeo y el cine. Ha habido adaptaciones de historietas procedentes de otros géneros como pueden ser el de aventuras, género negro, el terror o la ciencia ficción.  Las adaptaciones cinematográficas suelen centrarse en tebeos que puedan resultar atractivos visualmente para el espectador, pero también se producen algunas películas que no tienen por qué ser espectaculares.

  

(Maddona y Warren Beatty en la moderna versión de Dick Tracy)

 

Ya vimos un par de ejemplo cuando hablamos de los comienzos. Las  dos películas nombradas en ese aparato fueron objeto de un remake en épocas más modernas. “Flash Gordon” revivió en de la mano del director Mike Hodges en 1980 con  Max von Sydow,  Topol , Ornella Muti  o  Timothy Dalton antes de convertirse en 007. “Dick Tracy”, por otra parte, fue dirigida por Warren Beatty  en 1990 y contó con actores muy conocidos como Dustin Hoffman, Al Pacino, Madonna o el propio Beatty. El director construyó un megadecorado que fue uno de los signos distintivos del film, así como el color desvaido en la fotografía.

 

Harold Foster crea un maravilloso mundo de ficción, en la corte de Camelot, con “El Príncipe Valiente”. Desde 1936 y con una maravillosa visión de las proporciones y de los fondos, -Valiente, un vikingo en la corte de Arturo, vivirá múltiples y extraordinarias aventuras. En 1937 se comienza a publicar estas planchas dominicales para King Features Syndicate. Henry Hathaway dirige una versión cinematográfica en 1954 que cuenta con Robert Wagner, Janet Leigh  y  James Mason como protagonistas principales. La adaptación es bastante interesante en cuanto parece reflejar el espíritu de Camelot y de la vida vikinga de la (supuesta) época. Es uno de los clásicos  que hay que tener siempre en cuenta,

 

“Camino de perdición”, una película que alcanzó un notable éxito y que dirigió Sam Mendes en 2002, proviene del tebeo homónimo  creado por Max Allan Collins y Richard Piers Rayner en 1998. Tanto la historieta como la película narran,  en clave de serie negra, la odisea de un padre e hijo para huir de la persecución de un mafioso. La atmósfera de cine negro de los cuarenta se captó en papel perfectamente y ésta, a su vez, fue pasada al cine con gran acierto.

 

Podríamos encuadrar a “Hellboy” como  un tebeo de superhéroes, pero prefiero hacerlo en el género de aventuras o terror. Guillermo del Toro hace una adaptación magnífica en 2003 de este tebeo creado por Mike Mignola en 1993. Hellboy combina varios géneros que van desde el terror, a la fantasía mezclado con el del superhéroe. Esta faceta múltiple es reflejada en la película que se convierte en una mas que interesante propuesta. La segunda parte, “Hellboy 2” está a punto de estrenarse.

(Portada de Ghost World)

 

 (Tora Birch y Scarlett Johansson en una escena de Ghost World)

“Ghost World” es uno de esos extraños experimentos que a veces se dan en la pantalla. La historia fue creada por Daniel Clowes en 1993. En 2001 fue traspasada a la pantalla bajo la dirección de Terry Zwigoff y protagonizada por Tora Birch, Scarlett Johansson y Steve Buscemi . En ambas se narra la historia de Enid y Rebecca que después de acabar el último curso del instituto tienen todo el verano para pensar en qué hacer con sus vidas. La película obtuvo una crítica muy positiva y fue candidata a los Globos de Oro y los Oscar.

 

Hemos comentado al principio que los aficionados a ambos géneros se dividían entre los que consideraban que las adaptaciones debían ser lo mas fieles posibles y los que opinaban todo lo contrario. “300” es el ejemplo perfecto para ilustrar la primera teoría. El guión y el dibujo son de Frank Miller que se inspiró directamente en la película “El león de Esparta (The 300 spartans) que rodara  Rudolph Maté en 1962. “300” es una adaptación muy fiel y literal de la historia y estética de Miller. Estrenada en 2006 y dirigida por Zack Snyder, se usaron técnicas infográficas para alcanzar una estética muy parecida a los originales. La película se recrea sobre todo en las batallas espectaculares en el paso de las Termópilas que enfrentó al ejército persa del rey Jerjes contra las tropas espartanas de Leónidas.

 

4. Europa.

 

(Cartel promocional de Barbarella)

 

El tebeo europeo tiene unas señas  propias de identidad  que lo hacen diferente al norteamericano clásico. En Europa se inventa lo que ahora se llama “Graphic novel” y que no es mas que el álbum clásico de toda la vida: “Axterix”, “El teniente Blueberry”, “Michel Tanguy”, “Iznogud”, “Achille Talón”, “Tintín”, “XIII”, y en España Paracuellos o Makoki por poner sólo dos ejemplos.

 Europa también adapta sus personajes al cine con mayor o menor fortuna. Ya en los comienzos  del cine se realiza el serial “Fantomas”, que si bien no estaba basado en una historieta, reunía todas las características de la misma en su forma de novela por entregas. Pero es en la década de los 60 cuando estas adaptaciones se producen de manera mas continuada y que llegan hasta nuestros días.

  En Italia los 60 son fuente de “fumetti”[4] para adultos. Series como Diabolik o Satanik gozan de gran predicamento popular. Esas series ponto serán traspasadas al cine. Diabolik es dirigida por Mario Bava en 1968 que reúne un plantel de actores de renombre como John Phillip Law, Michel Piccolli, Marisa Mell o Adolfo Celli. En definitiva es una aproximación a los filmes de James Bond.  “Satanik”  creada por Max Bunker y Magnus es estrenada en 1968 y dirigida por Piero Vivarelli. Estas películas, mezcla de terror, acción y superhéroes de cartón piedra, eran las ofertas clásicas de los programas dobles y los cines de verano. Su validez es, desde luego, nula como producto viable, pero muy entretenidas para públicos poc exigentes.

 “Barbarella” fue dirigida en 1968 por Roger Vadim y protagonizada por la que era su esposa en aquella época Jane Fonda. Procedente de los lápices de Jean Claude Forest, la heroína del espacio se hizo muy popular entre el lector adulto francés de Bande Dessine[5].  Barbarella es un personaje diferente. Anticipa la revolución sexual de mayo del 68 comportándose con un  rol mas avanzado al imperante en la época. La película hace énfasis en la sexualidad y el erotismo de la protagonista y recrea un universo, casi onírico, que se alimenta directamente de los escenarios del “Jardín de las Delicias”  de El Bosco.

 

 

( Dibujo de Blueberry por Jean Giraud)

También Francia produce dos de los tebeos mas significativos de la historia de la historieta: Axterix y El teniente Blueberry que sufren diversas vicisitudes al pasar al cine. El primer personaje, creado por Uderzo y Goscini, lleva ya tres adaptaciones a la gran pantalla “Axterix y Obélix Contra César” (1999), “Axterix y Cleopatra” (2002) y “Axterix en los juegos olímpicos” (2008). Estas películas están mas dirigidas al público infantil y por tanto se centran en mostrar una sucesión de gags, supuestamente graciosos, basados en golpes y situaciones simpáticas. La adaptación de Blueberry es sencillamente algo que ni remotamente se parece al personaje diseñado por Giraud. Si el teniente Blueberry tiene una personalidad muy desarrollada, la película parece ser un spaghetti western de segunda. Este film se basa, ligeramente, en los albumes “El hombre de la estrella de oro” y “La mina del alemán perdido”. 

 

(Cartel de la película Blueberry)

5. España

 

(Cartel de Mortadelo y Filemón: Misión salvar la Tierra)

 Aunque la producción española, tanto en un género como en otro, no es tan importante como la del mercado USA, algunos de los éxitos de nuestro tebeo patrio han conseguido ser traspasados a la gran pantalla. La primera de las incursiones en el cine se produce con el rodaje de Zipi y Zape. De la mano de Escobar, estos dos émulos de Guillermo el travieso aparecieron en el tebeo Pulgarcito en los años 40 y continúan aún siendo reeditados. Enrique Guevara dirige en 1981 “Las aventuras de Zipi y Zape”, que protagonizan los hermanos gemelos  Francisco Javier y  Luis María Valtuille con la colaboración de Mary Santpere. 

 (Zipi y Zape)

 

La revista “El Jueves” se creó a mediados de los años 70 y en ella se publicaron algunas historietas serializadas que han conseguido un gran apoyo popular. De entre todas, dos de ellas, y las dos de la pluma de IVÁ, han originado una adaptación cinematográfica: “Maki navaja” e “Historias de la puta mili”. Las dos adaptaciones son una sucesión de parodias de las historias cortas de IVÁ. Se trata de un fix-up sin casi ninguna hilazón de continuidad. Maki está interpretado por Andrés Pajares, mientras que el Sargento Arensivia, protagonista de las Historias de la puta mili, lo encarnó Juan Echanove.

 

(Historias de la puta mili)

Oscar Aibar realiza su debut como director con una película, que se podría encuadrar dentro del subgénero “post-apocalíptico”, titulada “Atolladero” producida en 1995. Partiendo del comic original guionizado por el mismo Aibar, la historia tiene un parecido muy notable con la saga Mad Max y sus sucedáneos. Está protagonizada por Iggy Pop y Pere Ponce.

 

Mortadelo y Filemón, los dos agentes secretos de la T.I.A., creados por Ibáñez, fueron encarnados por Benito Pocino y Pepe Viyuela. La transposición de los personajes en actores reales es sencillamente imposible. Mortadelo es un “superhéroe” camaleónico y sus habilidades con el disfraz son tan imprevisibles como improbables. Javier Feisser consigue trasmitir algunas de las sensaciones de lo tebeos y mostrar al espectador, siquiera mínimamente, el absurdo mundo de los terribles agentes. La primera película se tituló “La gran aventura de Mortadelo y Filemón”. La segunda parte “Misión salvar la Tierra” cambiaría de director, Miquel Bardem, y de actor en el papel de Mortadelo, en este caso, Eduard Soto. En esta segunda entrega el guión estaría basado, ligeramente en la aventura titulada  “El sulfato atómico”.

 

Me pregunto si en el cine español veremos alguna vez algún “El Capitán Trueno”, con  Elsa Pataki como Sigrid. Tal vez “El Jabato” consiga encarnarse en algún actor, Javier Bardem sin ir mas lejos, y “El Corsario de Hierro”, “Dani futuro”, “Delta 99”, “Cinco por infinito” o “Iberia Inc.” encuentren director y guión que los ampare.  Sería de lo más interesante.

NOTA: (Despues de publicado este artículo, en verano de 2010 comenzó el rodaje de El Capitán Trueno)

 

No es Elsa Pataki la que ha sido elegida para ser Sigrid. Será la actriz Natasha Yarovenko.

 

Conclusión

 

Según el IMDB[6] existen a día de hoy 1.837 películas (series de tv, animación y personajes reales) basadas en historietas. Esto da una idea de la influencia que ha tenido, y parece seguir teniendo, éste género en la puesta en escena del fenómeno cine. La historieta tiene una gran fuerza visual y argumental. Lo que no es posible en el mundo real lo es, y en imágenes, en los tebeos. La diferencia con la literatura está en que mientras que en ésta el lector “interpreta” lo que el escritor le cuenta –cada lector “visualiza” de manera diferente una novela- el tebeo ilustra de manera tangible lo que quiere el autor. No hay margen para la imaginación. Y tampoco la hay en el cine. Lo que vemos es lo que es. Las interpretaciones, al margen de los infinitos montajes del director,  están proscritas. Son dos medios de expresión, dos artes, inmediatos y directos. El mensaje no admite sesgos y se incrusta como una saeta certeramente disparada en el corazón del receptor.

 El cine debe mucho a la historieta, sobre todo en las ideas. Pero ella también le debe al cine la planificación de las escenas, la secuencialidad que no existía en un primer momento y  seguramente algunas cosas mas.

 La historieta, el cine; dos mundos destinados a entenderse y a interrelacionarse. Seguro que esta retroalimentación se mantendrá en el futuro.

 Apéndice

 53 películas que adaptan historietas.

 

  1. 300 (2006)
  2. Los 4 Fantásticos (2005)
  3. Atolladero (1995)
  4. Astérix y Obélix contra Cesar (1999)
  5. Baba Yaga (1968)
  6. Barb Wire (1996)
  7. Barbarella (1968)
  8. Batman (1989)
  9. Blade (1998)
  10. Buck Rogers (1939-1977)
  11. El Castigador (The Punisher) (1989-2004)
  12. Camino de perdición (2002)
  13. El Cuervo (1994)
  14. Catwoman (2004)
  15. El Clic (1985)
  16. Constantine (2005)
  17. Daniel el travieso (1993)
  18. Daredevil (2003)
  19. Darkman (1990)
  20. Diabolik (1968)
  21. Dick Tracy (1990)
  22. El Hombre enmascarado (1996)
  23. Flash Gordon (1980)
  24. Ghost World (2001)
  25. Hellblazer (2005)
  26. HellBoy (2002)
  27. Historias de la puta mili (1994)
  28. Hulk (2003)
  29. Iron man (2008)
  30. Juez Dredd (1995)
  31. Kriminal (1996)
  32. La Liga de los caballeros extraordinarios (2003)
  33. Makinavaja, el último choriso (1992)
  34. La Máscara (1994)
  35. Men In Black (1997)
  36. Modesty Blaise (1966)
  37. La gran aventura de Mortadelo y Filemón (2003)
  38. El Motorista fantasma (2007)
  39. Mystery Men (1999)
  40. X-Men (2000)
  41. Popeye el marino (1980)
  42. Rocketeer (1991)
  43. Satanik (1968)
  44. Sin City (2005)
  45. Spawn (1997)
  46. Spiderman (2002)
  47. Supergirl (1984)
  48. Superman (1978)
  49. Blueberry (2004)
  50. Tintín y el misterio de las naranjas azules (1964)
  51. Tortugas Ninja mutantes (1990)
  52. V de Vendetta (2005)
  53. Zipi y Zape (1981)

 

© Alfonso Merelo 2008-2010

 


[1]  Carlos Pacheco es uno de los pocos dibujantes españoles que trabajan en DC y Marvel. La cita procede de la conferencia pronunciada en la Facultad de Derecho de la Universidad de Huelva en abril de 2008.

[2]  Un “story board” es esencialmente una guía, en forma de ilustraciones,  que permite planificar visualmente una secuencia antes de su filmación

[3]   Junto con Detective Comics (DC), Marvel Comics Group es una de las mas potentes empresas de tebeos de USA. 

[4]   Fumetti : comic, tebeo.

[5]   Bande Desinee es la denominación francesa para comic o historieta.

[6]   Internet Movie Database. Base de datos de cine muy completa en Internet. http://www.imdb.com

 

07/10/2010 14:38 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 3 comentarios.

604. Cuando el cine ofende a los verdaderos creyentes.

 

 Una vez más, los productores de cine demuestran su poca sensibilidad frente a los valores Vanatrú.

 Se trata de una película, dirigida por el ateo Kenneth Branagh, llamada Thor, una reinterpretación satírica de nuestros Dioses del Walhalla. Se ridiculiza al Dios del Trueno, al padre Odín y al simpar Loki.

 

Negando los dogmas de fe, presenta al dueño de Mjolnir como un superhéroe que usa el martillo como si de una porra se tratar. Todo el día dando cera y volando ¡colgado del amrtillo! A eso sólo puedo decit ¡HEREJE!

 Lo mismo alguien dice que se trata sólo de una película, una ficción de nada. ¿Para qué enfadarse? Pues porque hay que tomarse en serio el poder del cine y porque parece que, cada vez mas, está en el “candelabro” despotricar contra los Odinistas y la verdadera fe de nuestros ancestros.

 

Escuchame bien Kenneth: Thor tiene sus rayos y sus tormentas. Cuidadito no se vaya a cabrear que él tiene muy mala leche.

¿Salen los Vengadores en la peli? ¿Quien va a ser la avispa? Ejem, ejem. Lo dicho: ¡Pecador! Beberé hidromiel en tu calavera y, si no te importa me das un autógrafo antes.

 

Versión libre del estupendo relato que pueden leer en el enlace.

© Alfonso Merelo 2010

15/07/2010 22:56 Alfonso Merelo Solá #. Cine No hay comentarios. Comentar.

587. Zas, en toda la película

 

 

Hollywood le ha dicho a James Cameron que bueno, que vale, que muy bonito, que mucho dinero, pero que Avatar es para verla con un refresco, unas palomitas y nada mas, porque le han hecho el perdedor de la noche de los Oscar (que digo yo, que con no haberlo nominado bastaba).  Estoy plenamente de acuerdo con esa apreciación de la Academia. Y no es que los Oscars sean un modelo de premios en su objetividad pues, en la mayoría de los casos, prima también la comercialidad y el “famoseo”, por lo que su “validez” es discutible. Pero en este caso han acertado descartando la micropelícula como la mejor del año. Tampoco hay que tirar cohetes porque la ganadora, The hurt locker (En tierra hostil) tampoco es la mejor película en habla inglesa del año, sin ir mas lejos “Up in the air” o “Precious” le mojan la oreja sin ningún problema.

 

El caso de Avatar es uno mas de los proyectos que tiene casi todos los ingredientes para gustar, pero pocos para ganar premios. Si repasamos lo que es la película, vemos que es un gran ejercicio de pirotecnia informática. Es un videojuego no interactivo, carne de consola. No existe un guión medianamente  original (recuerden los parecidos razonables con “Bailando con lobos”, “Pocahontas”, “Starship Troopers” o “Transformes”), no existen los actores (si, parecen reales pero ya está), no existen los diálogos (consecuencia directa de la inexistencia de guión) y no existe una dirección mas allá de la de un programador de videojuegos avanzado. Naturalmente se ha llevado los “oscares” técnicos como debía de ser, porque nadie discute este punto y lo que de avance generacional en la tecnología de imágenes supone avatar. Pero, como ya comenté en una entrada de este mismo blog, Avatar es el anticine en el que la tecnología y el envoltorio lo domina todo. Representa el fin del actor y el fin de los oficios asociados al cine, salvo los guionistas (aunque en este caso ni siquiera eso).

La academia del cine no podía premiar como mejor película a aquella que supone su propia desaparición. Si Cameron impone su tecnología, dentro de x años no habría posibilidad de ver un desfile por la alfombra roja. ¿Se imaginan desfilando a todos los programadores y técnicos informáticos  nominados? Todos ellos vestidos con las últimas camisetas de diseños, negras por supuesto, llenos de gadjets a cual mas moderno. ¿Quién entregaría los premios a los actores? Es mas ¿habría actores?  Porque premiar a un dibujo animado es muy difícil. ¿Llorarían los avatares al recoger su oscar virtual? ¿Recordarían a sus padres, madres, vecinos o a la Virgen de Guadalupe y al Sagrado Corazón de Jesús? Todo eso se perdería como lágrimas en las insondables profundidades de la programación HTML.

La Academia de los premios Oscar ha acertado, por una vez, en su veredicto, negando a Avatar lo que nunca se mereció. El cine, como heredero, en buena parte, del Teatro, no puede santificar una aberración tecnológica de tal calibre que elimina de un plumazo a los actores.

 

Vencerán, pero no convencerán.

 

© Alfonso Merelo 2010

 

08/03/2010 09:52 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 3 comentarios.

580. MasKecine

Set de MasKecine

Este post es meramente de autobombo ya que acabo de llegar de la emisora Huelva Televisión en el que hemos grabado el primer programa de MasKecine. Este es el nombre que se le ha dado al espacio de cine de la emisora que dirige y presnta Antonio Hernández y en el que este escribidor va a colaborar semanalmente.

 

Antonio Hernández, director y presentador del programa

El formato es sencillo: Antonio, que presenta conmigo el programa "A través del espejo", expondrá los temas y las películas y un invitado diferente cada semana y yo hablaremos de cine y de todo lo relacionado con él.

Para este primer programa hemos contado con la presencia de Vicente Quiroga, uno de los referentes del periodismo de Huelva, y, muy seguramente, la persona que mas sabe de cine de esta ciudad. Entre los tres hemos diseccionado la pelíucla ocho y medio, de Federico Fellini, a raiz del estreno mañana de "Nine", el musical basado en esta pelicula y que interpretan Daniel Day-Lewis, Nicole Kidman, Marion Cotillard, Judi Dench o Penélope Cruz.

Tambien hemos hablado de "La herencia Valdemar" la última película de terror español en la que participó el recientemente fallecido Paul Naschy.

Todavía no he podido ver el programa que se está editando, así que habrá que esperar a mañana para ver el resultado.

Mañana a las 22.30 por Huelva Televisión en el canal 33 del TDT.

Me lo he pasado estupendamente y espero que haya salido bien.

(c) Alfonso Merelo 2010

21/01/2010 20:27 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 5 comentarios.

578. Avatar: el principio del fin de los actores.

 

 

Si señores: Avatar es una película que va a suponer el principio del fin de los actores tal y como los conocemos.

He ido a verla con una reserva absoluta sobre todo por la posibilidad de que la traslación a al pantalla de los personajes extraterrestres resultar una filfa. Es evidente que mis temores eran totalmente infundados ya que técnicamente la resolución de estos personajes se salda con un sobresaliente.

La historia es tan sencilla como ya todos los foros y críticos se han encargado de reseñar. La mezcla entre  Dune, Bailando con lobos, Pocahontas y El retorno del Jedi es tan obvia, que mas que plagio resulta ser homenaje a las películas de aventuras. Se puede discutir que el guión es flojo, que lo es, que la música chill-out es un coñazo, que lo es también, y que las interpretaciones son bastante flojas. Tambien podemos convenir en que las ceremonias “indias” de buen rollito y las conexiones tipo Gaia son muy pastelosas, como lo eran las que describía Asimov en la continuación de la trilogía de las Fundaciones. Todo eso se puede poner en entredicho, pero lo que no se puede negar es que la película es un grandioso espectáculo visual, que es suficientemente atractiva en su desarrollo y que supone un interesante producto de acabado casi redondo.

De todo, lo que mas me ha impresionado es la versatilidad y apariencia real y creíble que se ha conseguido en la creación de los nativos de Pandora, los Na´vi. Si en la creación del Dr. Manhtan, otro pitufo superdesarrollado, se podía observar ciertas imperfecciones, éstas han sido casi eliminadas de los personajes de Avatar. Las “actuaciones” de los Na´vi son muy creíbles; sus expresiones, su movimientos y los pequeños detalles les proporcionan una destacada estabilidad como personajes. Es algo que no podía casi creer cunado estaba viendo algunas de las escenas. Defectos también existen y los movimientos de grandes masas, los exoesqueletos soldados, o bien cuando “corren” se notan demasiado artificiales.

Pero, a lo que me vengo a referir es a que la evolución de esa técnica que mezcla los sensores biométricos de actores con los CGI ha dado un salto cualitativo de muchos enteros, de manera que ya es casi imposible creer que los que estás viendo son unos “muñecos” generados por ordenador. La verosimilitud en la actuación esta prácticamente ultimada, al menos en lo que a personajes “extraños” se trata; el avatar de Weaver es particularmente realista en este aspecto. Dentro de pocos años, muy pocos, veremos personajes “reales”, humanos, detectives, bomberos o policías generados por este sistema, con actores desconocidos interpretándolos para capturar sus movimientos. Y en otros pocos mas se prescindirá del actor modelo y se pasará directamente a los sistemas generados por ordenador íntegramente. Ni decorados, ni exteriores ni actores. Eso es lo que nos depara el futuro próximo.

Avatar ha puesto la primera piedra. Veremos quien pone la segunda.

© Alfonso Merelo 2010

 

01/01/2010 23:17 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 3 comentarios.

572. AVATAR y las castañas pilongas.

 

 

 

Anda que no se está hablando de Avatar. En todos los telediarios, los espacios de cine, las páginas WEB específicas, las genéricas o los blogs no paramos de comentar la “hiper-carísima-guay-bonita-de-la-muerte-y-azulona” nueva película que estrena James Cameron el día 18 de diciembre. Se está creando tanta expectativa que me da la nariz que no va a llegar a ser lo que dicen que es.

 

De momento hemos tenido variados avance de su guión: El planeta Pandora es codiciado por una corporación multinacional, o multiestelar mejor. Esta corporación tiene un ejército propio y alguna restricción que otra a la hora de usar las armas. No pueden usar armas de destrucción masiva y no pueden usar armas de plasma debido al intenso campo magnético de la luna Pandora. Hasta ahí es lo que puedo leer, porque no voy a destripar mas el argumento.

 

Contado así, el guión no es mas que otra versión de las tantas que hemos leído sobre conquistas planetarias, incluso de conquistas de cualquier tipo: un ejército mas poderosos y unos nativos que, a duras penas, consiguen resistir al invasor. Esta generalidad recuerda profundamente la temática que Rafael Marín desarrolla en su excelente “Lágrimas de luz” sin irnos mas allá de nuestra fronteras. Pero si a esto le añadimos un toque “Pocahontas” y un poco de “Bailando con Lobos” o de “Soldado Azul” estamos ante algo no demasiado original en cuanto a su contenido.

Ahora bien, el continente, el marco, pretende ser una gran orgía técnica y tecnológica que va a “ revolucionar” el concepto de cine, o al menos eso dicen las crónicas. La base de la nueva producción es la imagen en 3D que va poderse ver en algunos cines preparados para ello y con las consabidas gafitas especiales. El espectáculo va a ser mas el ver una sala llena de “miopes” mirando la pantalla que la película de marras. Porque, me temo, que en pocas salas vamos a poder ver la “magnificencia” de la producción de Cameron. Estoy por asegurar que aquí, y en muchos “aquís”, veremos la película en glorioso 2D o en un 3D descafeinado o de chichinabo, que se dice.

De todos modos no estoy muy seguro que el lustre de la tecnología empleada sea capaz de superar un guión carente, en principio, de la mas mínima novedad, salvo que la manera de narrar de Cameron sea excelente y diferente a lo que hemos visto.

Realmente no se si me gustará ver la aldea de los pitufos en clave de ciencia ficción. Todo tiene su límite y tal vez la tecnología de digitalización de personajes aún no está lo suficientemente desarrollada para que los personajes dejen de ser toons sofisticados y los robots sean algo mas que transformes de segunda.

 

El 18 veremos si estoy equivocado. No me importaría estarlo.

 

© Alfonso Merelo 2009

 

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10/12/2009 20:28 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 11 comentarios.

569. Hasta siempre Sr. Daninsky

 

 

 

Ayer, lunes día 30, sobre las once de la noche falleció Jacinto Molina, Paul Naschy.

Luchaba contra un cáncer desde hace tiempo y ha perdido la batalla final, como pasa siempre. La dama siempre vence al final.

 

Sólo recordarlo aquí como el mas famoso de los hombres-lobo patrios, casi el único, y como el actor que dedicó casi toda su vida a ese cine de serie B que tanto nos gustó a los aficionados.

Le recordaremos por lo que fue y significó, y sobre todo por como nos asustó, ¡ay!, cuando todos éramos mas jóvenes.

Cada vez quedan menos "mitos" vivos a los que agarrarse. Es natural, pero es jodido.

(c) Alfonso Merelo 2009

01/12/2009 10:09 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 2 comentarios.

568. 2012 y dicen que el mundo se acaba

El mundo no se acabará seguramente pronto, pero lo que si se ha acabado es el talento y la imaginación. 2012, la película que ha perpetrado Roland Emmerich, es un truño, de los que hacen época. Es la sucesión de tonterías sin hilación y de situaciones ridículas mas alucinante que he visto últimamente. Bueno, Emmerich ya nos había obsequido con solemnes memeces en Independence Day o en El día de mañana, seguramente entrenándose a fondo para hacer el pestiño definitivo: el pestiñazo.

Ojito para el que quiera ver la película que voy a contarla de arriba abajo. Avisaitos quedan.

Resumiendo el guión en dos frases, que no da para mas, tenemos a la familia americana tipica divorciada que se unen de nuevo ante una catástrofe. Por allí pasa también un pobre desgraciado, que es la nueva pareja de la ex mujer, que está predestinado a cascarla desde el principio, no sin antes haber pilotado un avión sin casi saber y ser copiloto de un enorme Antonov. Se gradua con nota el pobre, eso si. Tambien aparecen los malos malosos, inlcuyendo a la Reina de Inglaterra, gobernantes de La Tierra, que se salvan todos creando un numero indeterminado de "arcas" salvadoras, enormes naves donde se pueden salvar has 400.000 personas. Eso lo construyen en el Himalaya donde un sunami de la lecha de grande, seran 4.000 metros de ola para salvar la cordillera,llega y arrasa todo incluyendo a un monaterio que estaba por allí y hacía bonito. (Antes, la "peaso" de ola se había cargado un trasantlántico en pleno océano cual si Poseidón, el barco no el dios, se tratara).

Despues de huir en avión de Los Angeles, asistir a la destucción de Washington DC por medio de otro sunami de la hostia que se lleva al portaaviones JFK por delante (Emmerich será republicano como Deny Crane porque se carga la Casa Blanca con un Kennedy reencarnado en barco), el robo de un avión ruso y la llegada a territorio chino para subir a una de las arcas gigantes. Y a todo esto, los protagonistas van vestidos en el Himalaya con los mismos trajes que llevaban en Los Angels. Con dos cojones que semos americanos de los guenos.  Recojen a un tibetano, monje de la túnica azafrán en paln Lobsang Rampa, que los lleva hasta las naves, que se parecen a la Galáctica pero con ancla.

Y se acaba la película y se salvan muchos y se van a África que ,según dicen, en unos dias ha ascendido por enciama del agua unos 4.000 metros.

Resumiendo, que se pueden ahorrar los 6 o 7 euros que les va a costar el cine. Que para ver edificos caerse y olas enormes no merece la pena tragarse 2 horas y pico de ñorda odorífera.

Ah, el Presidente USA es negro, los ingleses suspenden las olimpidas (que se jodan), y el Vaticano se les cae encima a los creyentes enterito.Y los actores, si es que lo son, gritan mucho, como si estuvieran en una montaña rusa o así. No se creen nada de lo que hacen y ni siquiera se lo pasan bien, salvo Woody Harreslson que se sale de friki.

ES indudable que Emmericha ha hecho un remake malo de "Cuando los mundos chocan" , pero como el personal no sabe ni que esa película existe pues cuela...

Al menos no aparece la torre Eiffel.

Que perdida de tiempo, con la de cosas que hay que leer.

(c) Alfonso Merelo

26/11/2009 23:28 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 8 comentarios.

563. 35 Festival de Cine Iberoamericano de Huelva

 

 

La Casa Colón, sede del Festival

Ayer comenzó en Huelva la trigésimo quinta edición del Festival de Cine Iberoamericano. 35 años ya de películas, cortos y actividades en torno al cine que procede, en su mayor parte, del continente americano.

Una semana de intensa programación cinematográfica con 13 películas en la Sección Oficial a Concurso

Estos filmes son los siguientes:

El corredor nocturno

Navidad

La Pasión de Gabriel

Cuestión de principios

Zona Sur

La mosca en la ceniza

Francia

Como desenhar um circulo perfeito

La nana

Paraíso

Héctor y Bruno

Crónicas chilangas

Cinco días sin Nora

Los presentadores de la gala

A las 20.00 horas comenzó la gala de inauguración del Festival con una animada presentación protagonizada pro el periodista Jerónimo Fernández y la actriz Silvia Rey. Ésta última fue la revelación de la noche ofreciendo un monólogo y una actuación destacada que compenso la aparente “sosería” del presentador que estuvo en su papel de conductor serio. Una diferencia notable con respecto a la insulsa gala del año anterior en la que no se hizo nada mas que promocionar una película.

De todos modos se echa en falta el “glamour” de otros festivales. La alfombra azul estuvo prácticamente vacía de famosos, a diferencia de todos los políticos que si se dejaron fotografiar en el foto cool. Pocos actores se dieron cita en esta inauguración. Ni los protagonistas de la cinta inicial ni los dos homenajeados este año, Joaquim de Almeida y José Lusi Gómez, aparecieron por allí. Yo no es por incordiar pero si se le rinde homenaje a un actor concreto, éste ha de estar en los actos principales. Ese ha de ser su compromiso estar en la gala inaugural y en el homenaje. Sobre todo duele la “desaparición” de Gómez por ser de Huelva ya que pienso que alguien al que se le da un premio debe aceptarlo con todas sus consecuencias y una de ellas es su asistencia al festival. Pero Huelva es así, y el Festival también.

Para comenzar con buen pie el festival pudimos disfrutar, de verdad, de la película “El corredor nocturno” dirigida por Gerardo Herrero, que si tuvo la delicadeza de asistir y de presentar su obra. La película está interpretada por Leonardo Sbaraglia y Miguel Ángel Solá que ofrecen un excelente duelo interpretativo en el que Solá se sale de la pantalla. La historia se debate entre el trhiller policíaco y el fantástico mas sutil. Esto es así porque, como dijo el director: ¿a ver si alguien sabe decirme si lo que he hecho es el misto de Fausto o el Dr. Jeckill y Mr. Hyde? Yo diría que es esta última con una gran influencia de “El club de la lucha”. Hay una escena clave que desvelaría el asunto, pero que no tuve la oportunidad de revisar para cerciorarme y es en la que se encuentran cenando los dos protagonistas con la esposa del “corredor”.

 

Un gran comienzo para un gran festival. Que siga.

Por último una recomendación para el Ayuntamiento de Huelva: ¿no podría haber quedado lista la obra del Punto para el festival, en lugar de haber terminado la parte correspondiente al Ayuntamiento? Seguro que para usted es mas cómodo, Alcalde, pero para la imagen de la ciudad no lo es. Aunque eso seguro que le da lo mismo.

 

© Alfonso Merelo 2009

 

 

15/11/2009 12:36 Alfonso Merelo Solá #. Cine No hay comentarios. Comentar.

560. José Luis López Vázquez y sus películas de “duro”

 

Alex de la Iglesia, el presidente de la academia del cine, comentaba esta tarde que no toleraba que se hablara de películas cutres referidas a algunas de las que había protagonizado José Luis López Vázquez. Esa defensa numantina de los valores de la cutrez me recordó a otras que se han hecho de los valores literarios de las novelas denominadas de “duro”. Éstas, que tuvieron su apogeo en los años 50 y 60, y algo en los 70, eran simplemente literatura de evasión, hecha por trabajadores de la máquina de escribir sin otras pretensiones que, por un lugar ganar dinero para aliviar la penuria, y por otra sencillamente distraer, generalmente a las clases de bajo nivel intelectual.

La reivindicación de lo cutre, de lo hortera y de lo mediocre me parece sencillamente una pérdida de tiempo. Por eso las palabras del cineasta me han resultado muy chirriantes. En el caso del desaparecido actor es indudable que ha participado en películas con valores artísticos destacados que hay que diferenciar a las puramente alimenticias que también rodó sobre todo en los setenta. Si por una parte tuvo una espléndida actuación en “Mi querida señorita”, “Habla mudita”, “Pepermint Frapee”, “El bosque del lobo” o en “El pisito”, hizo lo que pudo en verdaderos bodrios como “Doctor me gustan la mujeres ¿es grave?”, “Como está el servicio”, “El fascista la Beata y su hija desvirgada” o “El cid cabreador”.

Las películas de la época del destape, o inmediatamente anteriores, eran filmes de muy bajo presupuesto y de muy baja calidad media. Enfocadas directamente a un consumo masivo sin mas aspiraciones que el espectador lo pasara bien. No tenían ínfulas de trascendencia, ni de cine de “creación”, ni mensajes que enviar. Eran sencillas y, generalmente, muy malas. Por eso el efectuar defensas de la “calidad” de esos productos, que ni la tenían ni lo pretendían, me resulta tan fuera de lugar como las que se hicieron sobre la llamada novela popular o de duro. Evidentemente dentro de ésta había algunas que se podían rescatar de la mediocridad, pero el 90% de las mismas eran literalmente una bazofia mal escrita o peor plagiada. El respeto máximo a su creadores, que trabajaban en condiciones a veces inhumanas, pero no por estos subproductos de nula creatividad. Y esa comparación se extiende a la mayoría de las películas de este periodo que, salvando algunas de ellas, eran tan deficitarias en imágenes como planas en sus guiones. Por supuesto podíamos ver tetas pero eso era lo único.

Para finalizar desde estas líneas expreso mi máximo respeto y admiración por un actor al que vi sobresaliente en muchas de sus interpretaciones y que me subyugó en la película de Armiñan “Mi querida señorita”, aunque el papel que mas me divirtió fue el de la genial película de Berlanga “La escopeta nacional” en la que interpretaba al pijo y salido Luis José.Y, por descontado, no podemos olvidar los amantes del fantástico su interpretación en "La cabina" de Mercero. Fuera de serie, sin duda.

© Alfonso Merelo 2009

02/11/2009 22:07 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 3 comentarios.

535. Moonraker

Desde siempre he sido un modesto seguidor de los filmes de James Bond. La mezcla de impunidad violenta, viajes, exóticos lugares, artefactos fantásticos, buenos hoteles, buenos vinos, casinos y mujeres mas que apetecibles son el cóctel que los filmes de la franquicia Bond han ofrecido al espectador. Diversión sin demasiados complejos es lo que se ofrece en la pantalla con grandes alardes de efectos visuales que trasforman al agente británico en casi un superhéroe con smoking en lugar de los consabidos gallumbos por encima del pantalón.

 

De todos los actores que han interpretado al personaje sin duda el que ha calado mas hondo en el inconsciente cinematográfico ha sido Sean Connery con unas interpretaciones del personaje mas que resaltables. Pero en el campo de la  ciencia ficción, la etapa protagonizada por Roger Moore ha sido la más fructífera. Desde la fallida “El hombre de la pistola de oro”, que contenía algunos elementos fanta-científicos, la siguiente película “La espía que me amó” llevaba a Bond a aliarse, en los últimos años de la guerra fría,  con los rusos representados por la impresionante mayor Anya Amasova, interpretado por la actriz Barbara Bach, para desbaratar un plan para destruir el mundo mediante una guerra nuclear. En esta película los elementos de ciencia ficción están mucho mas explicitados tomando para sí escenarios clásicos del género como la ciudad submarina de Atlantis, producto del egomaníaco  Karl Stromberg.

 

Anya Amasova- Barbara Bach

 

  Similar argumento plantea la siguiente película del ciclo titulada “Moonraker”. Realmente esta película es un remake  encubierto de  "La espía que me amó" ya que incluso mantiene escenas exactamente iguales, como la final sin ir mas lejos en las que  Bond comparte capsula de salvamento y lecho amatorio. "James, llévame a otra vez al cielo"es la frase qeu cierra el filme. La novela original, del mismo título, fue publicada en 1955 y su parecido con el film es meramente coincidente en el nombre y en el protagonista “malvado” llamados en ambas producciones Hugo Drax. Si en la novela el enemigo de Bond trata de destruir Londres con el misil nuclear experimental “Moonraker”, en la película esta obsesión se magnifica y Drax pretende destruir toda la vida humana en La Tierra.

 

 

El undécimo film de la saga se estrena en 1979 y es la primera vez que Bond viaja al espacio. Anteriormente se había tratado el tema del vuelo espacial en el título “Sólo se vive dos veces”, pero el agente 007 no tripulaba ninguna nave.

 

Este film es el único, que conozca, que se salta la continuidad de la serie ya que en los títulos finales de la anterior película, “La espía que me amó”, aparece la leyenda “James Bond volverá en Sólo para sus ojos”. Sin embargo ese film sería abandonado para rodar “Moonraker” y sólo después del estreno, ésta, se rodaría y se exhibiría. La razón de este cambio no es otra que la aparición en 1977 de “La guerra de las galaxias”. Ese film de space opera relanza la ciencia ficción visual y hace que los productores se planteen películas de este género. Albert R. Broccoli, productor de los diversos títulos de la serie, se lanza a rodar un film que en su tercio final es pura space ópera, si se quiere mas cercana, pero con todos los tics de la misma.

 

La historia, como ya hemos contado, es muy similar al guión de “La espía que me amó”. Si en el primer caso el “visionario” de turno tenía una base submarina, en esta ocasión posee un base espacial en orbita terrestre. Drax es el constructor de los trasbordadores espaciales Moonraker que la NASA usa en su vuelos orbitales. Bond ha de investigar la desaparición de una de las naves que era trasladada al Reino Unido. En su intento de averiguar lo que ha ocurrido llegará a la conclusión de que se trata de un complot dirigido por Drax para acabar con la vida humana.

 

La película se estrena sólo dos años después de la anterior para aprovechar el tirón de las películas de “espacio”. La publicidad de la misma se encarga de remarcar que es la primera película de “James Bond en el espacio”, y así se vende al espectador.

 

Indudablemente el film no tiene ni pies ni cabeza y es mas paródico que otra cosa. Ni siquiera los efectos visuales logran salvar una ramplona interpretación y dirección que ninguno de los participantes se creen. La elección de la partenaire de Bond, Lois Child,  es también de dudable acierto ya que no parece que esté cómoda en su papel de competidora y posterior amante del agente. El intento de Michael Lonsdale de darle empaque a su personaje, Hugo Drax, no parece recoger frutos cuando el actor, inolvidable en “El nombre de la rosa”, se ve compelido a mantener un rictus hierático y pomposo en todas las escenas, incluso en la de su estúpido asesinato a manos de Bond.

 

Hugo Drax

 La película, como casi todas las del personaje, nos lleva a recorrer el mundo desde Europa a Estados Unidos y Brasil. Espectaculares paisajes pueden ser disfrutados por los espectadores. El lujo y el glamour están también presentes en las localizaciones elegidas: Londres, Venecia, Estados Unidos, Río de Janeiro y el Amazonas. El agente del MI6 dispone en esta cinta de diversos gadgets al uso: un reloj con rayos láser, una góndola hovercraft con la que pasea por la Piazza San Marco, una lancha con diversos dispositivos incluyendo un ala delta y algunas cosas mas que son proporcionadas por el  equipo del ingeniero Q.

 

Es en el último tercio de la película, como ya hemos dicho anteriormente, cuando se desata la mayor parte de la acción. La estación espacial de Drax es abordada por su tripulación para desencadenar el armaggedon, enviando a la atmósfera un compuesto químico que matará a todos los seres humanos. Bond y los refuerzos americanos en forma de marines astronautas de guardia acabarán con la locura y vida de Drax.

 

A Moonraker hay que reprocharle que no se toma en serio nada de lo que se ve en pantalla (aunque hay que tener en cuenta que la etapa Moore es la más auto paródica y cómica de todas). Los guiños al espectador, y al aficionado,  son múltiples: el código de apertura de un laboratorio son las cinco notas de “Encuentros en la tercera fase”, al matar a una boa dice Bond “tenía tendencia a enrollarse”, las moonrakers son copias de la lanzadera espacial norteamericana y por fin la estación espacial tiene unos ambientes similares a la estética de 2001, con sus colores brillantes y sus diferentes niveles en altura.

 

Divertida, intrascendente y, en ocasiones, espectacular (la escena del Pan de Azúcar es inolvidable aunque falsa), Moonraker es uno de los mas destacables ejemplos de la vacuidad del contenido y la fastuosidad del envoltorio.

 

© Alfonso Merelo 2009

 

22/06/2009 13:57 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 11 comentarios.

509. Gran Torino, Eastwood en estado de gracia.

 

No se si sabrán que el coche que Starsky y Hutch usaban en su serie era un Ford modelo Gran Torino del 75. Ese modelo, que se comenzó a fabricar en 1968, es uno de los macguffin de la última película dirigida por Clint Eastwood. Si el coche de los dos policías de pantalón de campana y patillas exageradas era una horterada que todos los horteras se apresuraron a imitar (los Renault 12 tuneados de la época eran dolorosos hasta para un adolescente), el coche que aparece en la película es una verdadera belleza. Pero no crean que esto va a ser un artículo sobre las bondades de los diferentes modelos del coche Ford. En realidad se trata de glosar la película que el viejo Clint nos ha dejado para la posteridad.

Si me lo permiten, voy a emitir, así de entrada, un juicio de valor,  a los que soy poco dado, al menos en público,: “Gran Torino” es una obra maestra.

Dicho esto creo que no tengo nada más que decir, si acaso justificar de alguna manera esta afirmación anterior. Pero eso supone un gran trabajo intelectual y no se si estaré a la altura de las circunstancias. Porque una cosa es que te haya gustado una película y otra intentar convencer con razonadas exposiciones a los demás que ésta es lo que se afirma que es.

De partida nos encontramos con un director que ha realizado una carrera excepcional en ese campo y que nos brinda una obra crepuscular que remata su carrera como actor. Eastwood ha afirmado que esta es su última película como actor, sus 80 años no se notan en exceso, aunque seguirá dirigiendo filmes –su próximo proyecto es un biopic  sobre Nelson Mandela-. La obra sólo es crepuscular en el sentido de este abandono, porque si por crepuscular entendemos  que tiene poco brillo desde luego no se puede decir que esta palabra sea la definición que mas cuadre al film.

El Gran Torino es de una belleza fascinante. En pocos decorados, apenas dos calles, dos casas y algún escenario mas como la barbería, Eastwood se dirige a si mismo, y a un grupo de actores que son desconocidos en su mayoría, en un espectáculo de introspección maravilloso. En las dos horas que dura el metraje vemos pasar muchos de los tics que el actor ha protagonizado a lo largo de su extensa carrera. Es mas Frankie Dunn o William Munny (Million dollar Baby y Unforgiven) que Harry Callahan o John Wilson (Dirty Harry  o White Hunter Black Heart), aunque el personaje del “polaco hijo de puta” de Walt Kowalsky es, sin duda, un compendio de todos ellos pasado por el tamiz de la madurez reflexiva. Este personaje es duro, pero tierno a la vez. Violento, pero suave. Conservador y el mas progresista. Desagradable y entrañable. Que esto se consiga demostrar de manera inequívoca a lo largo del metraje da una idea de que lo que el espectador está viendo es una película casi perfecta.

 

Si el personaje principal se establece como el referente de la historia, y nos identificamos con ese viejo luchador, los personajes secundarios son asimismo un increíble retablo de registros. Así un sacerdote recién salido del seminario que quiere hacer las cosas como le han enseñado se encontrará con un parroquiano escéptico  que le enseñará nuevos caminos. Un vecino, Thao, aprendiz de pandillero, de la etnia hmong, verá como su vida cambia radicalmente al encontrar en Walt un mentor. La hermana de Thao se convertirá en el enlace entre el mundo del veterano soldado en Corea y el mundo de los “rollitos de primavera”, como él llama a todos los orientales.  Estos tres personajes fundamentales se ven acompañados por otros igualmente interesantes. Curiosamente los que resultan personajes patéticos, e incluso con  interpretaciones rallando en lo molesto, son todos los “malos”, los pandilleros de varios colectivos que son estereotipos paródicos. Si todo está cuidado en la película, es incompresible que éstos estén tan descuidados salvo que sea intención del director.

 

El final, por esperado, no resulta menos impactante con una escena en la que el espectador está esperando que sea otra la actitud de Walt, aunque sabe que por el camino que nos ha descrito Eastwood, esa postura es imposible.

 

Como curiosidad extraña hay que comentar que en la película no aparecen teléfonos móviles ni ordenadores. Incluso en una escena en la que el móvil parecería imprescindible se localiza a una persona, o se intenta, por medio del teléfono convencional. Y no, no trascurre en un pasado reciente. Tenemos televisores de plasma y coches modernos. La ausencia de esta tecnología debe ser una imposición del director, supongo. ¿Por qué? Pues no lo se. Seguro que no tiene mayor importancia

 Espero poder ver Gran Torino en versión original, porque, quitando a Constantino Romero tan eficaz como siempre, hay doblajes que son lamentables rozando lo patético.

Aún con ese -grave- defecto no achacable al director, esta película es de las imprescindibles de esta temporada. No se la pueden perder.

© Alfonso Merelo 2009      

 

 

 

 

16/03/2009 18:16 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 12 comentarios.

508. Watchmen, la película ¿si o no?

 

 

Ha pasado una semana desde el estreno de la película Watchmen y durante este tiempo se han cruzado en la red cientos de mensajes que contaban, en esencia, que era una película abominable y por otra parte que, no siendo una obra maestra, era una mas que aceptable recreación del mundo de los vigilantes creado por Moore y Gibbons.

 

He intentado acercarme a la película sin establecer comparaciones con el tebeo del que procede, cosa imposible pues W es uno de mis (pocos) tebeos de referencia desde hace años. Pero si esto es imposible, pienso que no lo es contar mis impresiones sin tener en cuenta la procedencia.

 

Llevo unos mese viendo todas las películas que caen en mis ojos que proceden de un tebeo previamente. Quiero decir con esto que he visto de todo y en un porcentaje muy alto penosas obras que no es que no adaptaran bien el original, es que lo ignoraban y además eran malas películas. Se me viene a la memoria DareDevil o El motorista fantasma (la peor elección de actor protagonista en décadas)  por no irnos a muchos años atrás, y en el bando contrario, las buenas películas con buenas adaptaciones como  dos artes diferentes, soy de la opinión de que no se deben comparar. La película ha de ser juzgada por sus propios referentes y dentro de su ámbito sin tener en cuenta de donde proceden. Actuaciones, montaje, dirección de actores, guión, música, ambientación, diálogos, efectos,  fotografía… todas esas pequeñas cosas que componen el todo cinematográfico son las que nos deben dictar si una película funciona o no lo hace.

 

Como ya digo, ayer pude ver la película dirigida por Zack Synder y mi primera impresión es que es una película mas que interesante. Desde el punto de vista del espectador es, quizá, excesivamente larga y la condensación de escenas ha sido un problema que no se ha sabido resolver con acierto. Para contar la historia de los vigilantes, el director ha usado el recurso de las voces en off que, ciertamente, aclaran muchas cosas pero que resultan excesivas como forma de explicar el argumento.

 

La historia se engrana a partir del asesinato de “El comediante”, uno de los vigilantes norteamericanos que ha estado en activo durante décadas. Sus compañeros, antiguos vigilantes también, acuden al entierro y recuerdan como conocieron al mismo y sus relaciones con él en diversas situaciones de combate. La investigación de uno de los vigilantes “Rorschach” llevará  a un desenlace inesperado, por supuesto para el que no hay leído previamente el tebeo.

 

La estructura parece episódica con transiciones muy marcadas entre unas historias y las siguientes. Las tres historias principales son la de Rorschach, el trío formado por el Dr. Manhatan-Espectro de seda-Buho Nocturno y la trama de investigación del misterio del asesinato. Las tres historias se entremezclan muchas veces para converger al final en el espectacular desenlace en la fortaleza de la soledad del polo ¿o esto era de otra película?

 

Si de las actuaciones hablamos, que debemos hacerlo, sobresalen las de Jeffrey Dean Morgan (el “fantasma” Denny Duquette de Anatomía de Grey) un mas que convincente Comediante y Jackie Earle Haley, durante el breve tiempo que pasa sin su máscara de Rorschach. No podemos tampoco olvidar a Malin Akerman, Laurie Jupiter, y sus impresionantes dotes físicas para atraer la atención. Espectacular sin duda cuando asume el rol de Espectro de Seda. Ozymandias, Matthew Goode, está demasiado afectado para componer un buen vigilante.

A la película parecen faltarle escenas. Hay algunas escenas que no se entienden demasiado bien porque se presume que falta algo para completar el cuadro. ¿No hubiera sido mejor hace una película en dos partes para poder completar lo que presumo que el director incorporará en el DVD? También queda en evidencia la “imposible” actuación del Dr. Manhatan. Las peculiaridades del personaje hacen que resulte visualmente deficiente. Si Hulk fallaba, además, por el aspecto de La masa, que nunca termina de convencer, a Watchmen le ocurre lo mismo con el exagerado Dr. Manhatan que nunca parece verosímil en imagen. Tal vez hubiera sido mejor usar un actor, el mismo Billy Crudup, sin disfrazar informáticamente y sin pintar de azul (a Lou Ferrigno lo pintaban de verde y era patético).

La truculencia y los toques gore, son señas de identidad del director que ya nos brindaba un espectacular baño de sangre en 300. Aquí tampoco se ha privado de ello y en algunas escenas, los combates de Búho y Espectro contra los pandilleros o las escenas de la prisión, se deja llevar por su afición a la hemoglobina.

¿Se puede ver la película sin haber leído previamente el tebeo? Sin duda, aunque repito que pueden faltar algunas escenas, que si no son clave si complementan el resultado final.  

Y para termina ¿es una buena adaptación?  Desde mi punto de vista si. Es respetuosa y sigue con relativa fidelidad los originales del tebeo. No es tan profunda como la obra en la que se basa, pero sin duda es una buena manera de acercarse a ese mundo paralelo en el que Nixon es elegido presidente para un tercer mandato.

© Alfonso Merelo 2009

14/03/2009 21:20 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 2 comentarios.

506. Watchmen que llega

 


Mañana se estrena la largamente esperada adaptación de Watchmen. Tengo interés en ver como han resuelto los guionistas las enrevesadas vueltas de tuerca que Alan Moore desarrollara para el comick book original. David Hayter, escritor de las películas de X-Men o “El rey escorpión”, y Alex Tse son dos de los guionistas de la adaptación, mientras que Zack Zinder, director entre otras de “300”, es el encargado de llevar a imagen los dibujos ideados por Dave Gibbons.

Mi contacto con Watchmen se realizó hace mas de 20 años cuando viví por un tiempo en Madrid. El irme a trabajar allí, un tipo de provincias, supuso el volver a emocionarme con los tebeos, recuperando en “El rastro” algunos viejos cuadernos que me habían pasado de largo en Cádiz.

 

 

En esa época, 1987, compré en febrero y en un kiosco de la Gran Vía el numero 1 de Watchmen y el nº uno de “Crisis en Tierras Infinitas”, ambos de DC comics y editados en España por Zinco. Tebeos que aún conservo.

 

 

Watchmen fue impactante. Esperaba ansioso todos los meses la aparición del tebeo, porque recuerden que fue concebido como una miniserie de 12 episodios y no como posteriormente nos la han vendido como novela gráfica. Durante un año estuvimos esperando el desenlace, aunque uno consiguió algunos números norteamericanos, muy caros, en la extinta Madrid Comics, creo que así se llamaba, que también estaba en un bajo de La Gran Vía cercano a uno de los VIPS que estaba, y está, por allí. (Mi historia con los VIPS y La Gran Vía madrileña es larga y lo mismo es motivo de un artículo un día de estos.)  Esos meses fueron de relectura de los números anteriores intentando ver como iba a continuar la historia y de sorpresa y sorpresa por la habilidad demostrada por los autores para capturarnos e una historia que era ucronía, ciencia ficción, superhéroes y aventuras de un dios aprendiz de omnipotente.

Hace un par de meses tuve la oportunidad de leer en primicia el ensayo que Rafael Marín ha dedicado al tebeo de superhéroes que acabó con los superhéroes. Un estudio concienzudo con mas reflexiones y análisis que cualquier otro que yo haya leído. Supongo que será un referente futuro para los estudios de este magistral tebeo.

Y mañana supongo que ya tendremos muchas criticas y opiniones de la película Seguramente no podré verla este fin de semana, pero no cabe duda que será un objetivo cinematográfico en los próximos días.

Y el próximo lunes en el programa “A través del espejo”, que pueden seguir desde el enlace de la cabecera, entrevistaremos a Rafael Marín para hablar de este libro y de algún otro de su cosecha. No se lo pierdan.

© Alfonso Merelo 2009

 

05/03/2009 22:35 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 6 comentarios.

494. Vampiros mariconas

 

Aunque sea políticamente incorrecto, el título refleja lo que está pasando en el mundo de los vampiros tanto en la literatura como en lo audiovisual.

Acabo de ver dos episodios de Moonligth, una serie de televisión protagonizada por un vampiro que no quiere hacer caño a los humanos. Es, además, detective privado y se dedica a ayudar a la gente. En uno de los episodios persigue a otro vampiro que se ha vuelto loco y va asesinando por ahí a los humanos porque, como él dice “soy un depredador y estoy por encima en la cadena alimenticia”. Y es que los vampiros modernos están “amariconaos” y se me permita la licencia.

Drácula o Carmilla tanto da eran vampiros de verdad. Asesinos de la noche que pretendían satisfacer sus mas bajos instintos: el sobrevivir a costa de los demás. Eran creaciones diabólicas, encarnaciones del mal en definitiva. Pero ahora se han convertido en meras especies diferentes que necesitan sangre para sobrevivir y que recurren al banco de sangre mas cercano para ello.

Los vampiros clásicos, y a Drácula me remito, hacían de su alimentación un rito sensual y sexual. El hecho de “chupar” sangre tenía unas connotaciones singularmente coitales que establecía una comunión sexual entre la “víctima” y el agresor. Por supuesto el vampiro era el amo y señor de su “harén”  y mandaba sobre sus vampiresas. Esto se ha acabado y ahora todos los vampiros modernos se plantean dudas existenciales sobre lo que son o no son y su convivencia con los humanos. Se han establecido una serie de hermandades de vampiros que siguen reglas y se avienen a convenciones sobre dañar o no dañar a seres “inocentes” Excepciones las hay, pero esa regla del vampiro blandito y suavecito se viene dando de unos años a esta parte.

Tal vez la cosa empezó cuado Anne Rice publicó su “fantástica” novela “Entrevista con el vampiro”. Su adaptación cinematográfica, con Tom Cruise y Brad Pitt, fue un revulsivo importante que influenció a otras obras posteriores. Esos vampiros con remordimientos y con mucha duda existencial hicieron mucho daño al universo vampírico. Sin duda la influencia se hace patente en el personaje de Ángel, atormentado vampiro con alma en la serie  Buffy Cazavampiros, aunque en su descargo habría que decir que el tormento de ser “bueno” está condicionado por un hechizo gitano. El caso de Spike, otro vampiro que tenía por seudónimo el de William el Sanguinario, es completamente diferente ya que el elige por amor a Buffy recuperar su alma. En este universo, el creado por Joss Whedom, los vampiros son seres sin alma y sin ningún tipo de remordimientos. Son depredadores que no se preocupan por sus víctimas, imitando a sus mas clásicos antecedentes. Sólo estos dos casos ya nombrados se salen de la normalidad. En descargo de ellos habría que decir que los guiones están muy bien desarrollados y su grado de “blandéz” se ve compensado con unas excelentes tramas que les obligan a hacer lo que hemos descrito.

Tomemos ahora el caso de Crepúsculo, película de reciente estreno que procede de la serie de libros escritos por Stephenie Meyer. Es el caso de unos vampiros “jóvenes” al menos con ese aspecto que aún van al instituto, suponemos que para disimular su condición de jóvenes eternos. El protagonista, Edgar Cullen, se enamorará de una teenager, Isabella Swan. Edgar pertenece a una feliz “familia de vampiros” que viven todos juntos y se ayudan. El componente romántico es el que predomina en toda la historia creando un vampiro que como personaje, el y los demás, son una anomalía que no se parece en nada a la sexualidad que desprende el goticismo de la novela de Stoker. La película es una tremenda sucesión de majaderías de instituto que no tienen mucho sentido si presuponemos que el protagonista tiene muchos años más de los que aparenta dada su relativa inmortalidad.

Y así, del mito cristiano del renacimiento a través de la sangre (el vampiro no es mas que un comulgante algo especial) pasamos a ver cómo estos seres se nos descarrían y tienen sentimientos de piedad y de camaradería con sus presas.

Es una lástima pero en esas estamos.

Quiero volver al vampiro clásico que muerda bien a sus víctimas, femeninas por supuesto,  y a poder ser que éstas estén en desahabillee.

© Alfonso Merelo 2009

 

 

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04/01/2009 16:19 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 12 comentarios.

481. Jesus Franco en el Festival de Cine Iberoamericano

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JESUS FRANCO, GOYA 2009 A LA LABOR DE TODA UNA VIDA. ¡ENHORABUENA!

Este año, como miembro de UniRadio me he acreditado como prensa en el 34 Festival de Cien Iberoamericano de Huelva. Ayer sábado fue la gala de inauguración y estuve trabajando haciendo fotos y alguna entrevista, ayudando a mis compañeras Maite y Rocio.  El hecho es que este improvisado reportero, estaba haciendo algunas fotos cuando de repente me fijo en un hombre en silla de ruedas a la que acompaña una señora de pelo blanco. Los dos me resultan conocidos. Son invitados pro la organización, dados el color de sus pases, pero no consigo ubicarlos. De repente caigo en la en quienes son ¡Jesús Franco y Lina Romay! Si, efectivamente, tio Jess se encuentra a escasos metros de mi y le acompaña su musa y actriz fetiche en muchas de sus películas. Este es un festival de cine iberoamericano entonces ¿qué hace allí? ¿En donde encaja el director mas famoso de serie B en este lugar? El misterio se desvelará en pocos minutos. Intento hablar con ellos, pero el delicado estado del Franco me lo impide, así que me contento con algunas fotos.

El motivo de la presencia de Jesús Franco, el director mas prolífico del cine español junto con Ozores, en esa gala es porque forma parte del reparto de la película “Esperpentos” que dirige Jose Luis García Sánchez y que ayer se estrenó en Huelva. Franco participa en un pequeño papel como seguidor de Valle Inclan. Indudablemente es una persona muy querida ya que el resto de los compañeros de reparto lo trataban de una manera mas que amistosa y deferente.

Pilar Bardem, Jesus Franco y Lina Romay (Foto (c) www.festicinehuelva.com)

Ese fue el encuentro friki de la noche. El resto, mas convencional, lo podran escuchar en el programa de mañana en A través del Espejo. Allí les emplazo.

© Alfonso Merelo 2008

 

16/11/2008 23:14 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 3 comentarios.

373. Títulos Porno-Fantásticos

 

En rigor habría que decir que los guionistas del cine porno son bastante limitados. Sí, ninguno de ellos alcanza el mas mínimo de calidad en cuanto a diálogos o situaciones. Una película porno requiere exclusivamente actores y actrices bien dotados, en todos los sentidos, para practicar el deporte que mas adeptos tiene en el universo conocido. Cierto es que las escenas posibles a planificar y ejecutar tienen unas serias limitaciones técnicas y de variabilidad. Está todo inventado y por tanto la reiteración es norma en este tipo de producciones que van a lo que van.

El cine porno es, por tanto, reiteración ad nausea y usar todo lo posible cualquier otro recurso de cualquier otro escenario o situación real o imaginaria. Es natural que los títulos de las películas sean remedos, generalmente simpáticos, de los de films “normales”. Esos títulos son muchas veces descacharrantes y simplemente intentan atraer la atención del porno-mirón. La mayoría de las veces no tiene nada que ver el título con el contenido, aprovechando el tirón de la película original para darse publicidad.

Hay verdaderas maravillas entre estos títulos corruptos, pero hay uno, que no es una copia ni siquiera es porno, es película S, al que siempre se hace referencia por lo zafio y garrulo del mismo; esta estrella es “El fontanero, su mujer y otras cosas de meter”. No me digan que la profunda poesía del título no es conmovedora.

Pero centrándonos en los títulos que remotamente son asimilables a las películas de temática fantástica vamos a ver algunos de los mas extraños y divertidos:

 

Con “2001: La que te manosea despacio” se alcanzaron sublimes notas de rima en consonante y en “Abierta hasta el amanecer” no se explicita si se trata de un after hours, una tienda de cosmética o una sala de fiestas. Aunque si piensan lo peor, seguro que aciertan. “E.T. pl peneterrestre” es algo indescriptible como nombre en consonancia con aquella cosa de los hermanos Calatrava, “ET y el Otto” en la que el “feo” hacía un ET parecido a Woody Allen disfrazado de espermatozoide. “El Polvo Jurásico” es otra imaginativa cinta donde, supongo por el nombre, se lo deberían pasar estupendamente en esa era geológica. Si no había humanos en esa época ¿los polvos descrito eran entre dinosaurios? ¡Que horror!

 

 

El mas famoso arqueólogo de todos los tiempos, el Dr. Jones, tiene varios títulos interesantes “Indiana Jodes En El Templo De Mi Coñito” – madre mía- “Indiana Jones Y El Rabo Maldito” –seguro que no es un programa de cocina en la que se indique como guisar el rabo de toro- “Indiana Jones Y El Templo Calentito” e “Indiana Jones: En Busca Del Rabo Perdido” –seguramente el referido rabo maldito de dos películas anteriores.

El astronauta mas famos de universo sufrió una adaptación porno soft titulada "Flesh Gordon". Hay que decir que esta pelíucla tenía unos aparentes efectos especiales y funcionaba parodia delirante

 

“La Guarra de las galaxias” es otro de los títulos míticos. No sé de qué iba el argumento, pero puedo imaginar cosas con la princesa Leia o con los robots. A fin de cuentas en ”El retorno del Jedi” Leia estaba liada con Jaba el Hut y nadie se sorprendía de tamaña barbaridad.

 

Pero es “Mamatrix” la que en menos palabras, una, expresa todo lo que va a dar de sí, evidentemente, la cinta. Es un título contundente y muy expresivo.

Les dejo con un listado de los títulos mas extravagantes y sus correspondientes originales.

 

Austine Powder (Austin Powers)

Coñon El Barbaro (Conan el bárbaro)

Coñon El Destructor (Conan el destructor)

Demolition Woman (Demolition man)

Eduardo Manospajeras (Eduardo Manostijeras)

Eduardo Manospenes (Eduardo Manostijeras)

El planeta de los Pollanimios (El planeta de los simios)

El Polloncito Frankestein (El jovencito Frankestein)

El Polvo Jurásico (Parque Jurásico)

El Quinto Coño (El quinto elemento)

El Sexo Sentido: Veo A Gente En Bolas (El sexto sentido)

Entrevista con el pepino (Entrevista con el vampiro)
El Señor De Los Conejillos: La Comunidad De La Verga (ESDLA: La comunidad del anillo)

El Señor De Los Cipotes: Las Dos Vergas (ESDLA: las dos torres)

Eyacula (Drácula X) (¿Drácula?)
Hard Cipotter (Harry Potter)

Indiana Jodes En El Templo De Mi Coñito (Indiana Jones y el Templo Maldito)

Indiana Jones Y El Rabo Maldito (Indiana Jones y el Templo Maldito)

Indiana Jones Y El Templo Calentito (Indiana Jones y el Templo Maldito)

Indiana Jones: En Busca Del Rabo Perdido (Indiana Jones y el Templo Maldito)

Juranal Park (Parque jurásico)

La banana mecánica (la naranja mecánica)

La Guarra de las Galaxias (Star Wars)

La Princesa Nabo, primera trilogia de la amenaza travesti (Star Wars)
La Noche De Los Zombies Calientes (La noche de los muertos vivientes)

La noche de los zombis calientes

La Polla Interminable (La historia interminable)

Las Bellas Y Las Bestias (La bella y la bestia)

Las Bolas Del Dragon (Bola de dragon)

Las Historias Guarras De La Hermana De Harry Potter: Susu-Potte (¿¿¿???)

Mamatrix (Matrix)

Nabocop (Robocop)

Penecircuito (Cortocircuito)

Penetreitor (Terminator)

Penetreitor 2 el juicio final (Terminator 2 el juicio final)
Polvo Jurásico (Parque Jurásico)
Porculeitor (Terminator)
The Sex Blair Project (The blair whitch project)

Rabocop (Robocop)
Raboman (Robocop)
Sperman (Superman)

Spiderpene (Spiderman)

Star Sex: La Penetrilogia (Star Wars)

Star Warras: El Ataque De Las Poyas (Star Wars: el ataque de los colenes)

Star Warras: Episodio X (Star Wars)

Ya Se Quien Te La Chupó El Último Verano (Se lo que hicisteis el último verano)

© Alfonso Merelo 2008

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13/06/2008 14:48 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 2 comentarios.

363. BARBARELLA - MCGOWAN

Parece ser que Robert Rodríguez, el famoso y sobrevalorado director Mexicano, va a acometer la “proeza” de rodar un remake de la psicotrónica Barbarella. La versión original de esta proeza del pop-art fue rodada pro Roger Vadim en 1968. Su esposa en la época, Jane Fonda, fue la protagonista absoluta, acompañada por Phlip Philip Law, Marcel Marceau o Ugo Tognazzi en los papeles protagonistas. Una jovencísima Fonda que, en su memorias, cuenta lo que padeció en el rodaje del film. Estuvo colgada de cable con Jonh Phlip Law durante horas para rodar las escenas de vuelo, tantas que los arneses les provocaron heridas a los dos. La secuencia del streptease inicial se rodó en un set especial en el que Fonda permanecía en un cristal, mientras que las cámaras estaban debajo de ella con el consiguiente vértigo para la actriz. Jane Fonda es y sigue siendo Barbarella. Su figura, su cara y su actitud angelical daban un divertido toque a la heroína del espacio.

Para esta nueva versión Rodríguez quiere contar con Rose McGowan, su actual pareja y recordada suplente de Prue Halliwel en “Embrujadas” actuando como Page. Particularmente no me disgusta que la actriz sea la nueva Barbarella, sin embargo a mi me da una imagen de todo menos de angelical. Tiene la imagen contraria, seguramente favorecida por su pasado junto a Marilyn Manson y sus espectaculares vestidos o desvestidos que usaba. Mcgowan no se ha cortado un pelo en mostrar sus encantos, mientras que en Fonda era la primera vez que la veíamos así y el choque se convirtió en uno de los alicientes de la película. Con esta nueva actriz la impresión no va a ser la misma experiencia.

El personaje concebido por Forest no se parecía en nada ni a Fonda ni a McGowan, pero el icono que ha quedado es el de Fonda. ¿Qué otras actrices podrían haber interpretado a la dulce Barbarella?

Varias son las candidatas que han sonado para el puesto:

1. Kate Beckinsale (Pearl Harbour, El aviador, Underworld...)

2. Erica Durance (Smalville)

3. Drew Barrymore (ET, Los angeles de Charlie...)

4. Nicole Kidman (Muchas ...)

5. Lindsay Lohan (Betty la fea)

Estas son solo algunas de las postulantes que han sonado en algún momento. ¿Cual sería su preferida de estas u otras? Yo me quedo con Jane Fonda. ¿Como va a superar Rodriguez la escena de los créditos? ¡Imposible!

(c) Alfonso Merelo 2008

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14/05/2008 20:22 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 3 comentarios.

279. Se llamaba Tati, Jacques Tati

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Hace 100 años y 10 días nacía en Le Pecq, Francia, Jacques Tati (de apellido real Tatiscehff).

 

En el centenario de su nacimiento es justo que desde este humilde blog se le dedique un pequeño homenaje a ese genio francés, de ascendencia rusa, de la comedia visual.

Tati creó el personaje de Monsieur Hulot que paseo su gabardina por diferentes películas. Desde que en 1931 realizara su primer corto hasta su muerte en 1982, una producción fílmica no excesiva pero si excelente, fue su legado para todos.

 

El film con el que caí rendido a su genio fue Mon oncle. De 1958, refleja la actividad de un hombre normal y corriente en una serie de situaciones normales y corrientes tan genialmente contadas que la sonrisa, e incluso la carcajada, no nos abandona en ningún momento. Si ese barrendero del principio, el que va a barrer y nunca barre porque se entretiene, no es un personaje real, que baje Crom de su montaña y lo vea. Y además está esa música que ha perdurado hasta ahora; sencilla y tan francesa, que parece salida directamente de la Place du Tertre.

 

Les dejo con el trailer de Mon Oncle

 

 

 

© Alfonso Merelo 2007

18/10/2007 21:23 Alfonso Merelo Solá #. Cine No hay comentarios. Comentar.

Cinéfilos

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Esta mañana he estado resolviendo asuntos particulares; cobrar unos cheques, escribir un poco, recoger varios libros. Esos asuntos que se van dejando y que nunca puedes hacer si trabajas en horario de funcionario. Pro eso hoy me he escaqueado en toda regla y con las bendiciones del mando en plaza.
La ciudad por las mañanas es diferente. La mayoría del personal que te cruzas a tu paso no es el mismo que circula de tarde, cuando tú sales, ni idéntico al que te encuentras los fines de semana.
Hay mucha ama de casa que, engalanada para gustar a quién sabe ella, va a la compra. También chicas jóvenes que no tienen qué hacer o donde ir y pasean sus ombligos con piercing por las calles peatonales de la ciudad. Pero, sobre todo, hay viejos. Y me disculparán porque el término viejo no es peyorativo, sencillamente es notario de una realidad que tenemos que asumir porque a todos nos va a tocar mas tarde o más temprano. Esos viejos, por suerte para ellos, están en perfectas condiciones tanto físicas como psíquicas en la mayoría de los casos. Ves parejas que ya no cumplirán los 70 con su maletas para irse de viaje. Los ves en las cafeterías a las 9 de la mañana para desayunar ¿para qué coño van a hacer el café en casa si en el bar de Manolo lo ponen riquísimo y encima les dan conversación? Porque lo que les pasa a nuestros viejos es que no hablan. O mejor: no tienen quién les hable. Nosotros, sus hijos, estamos tan metidos en nuestros trabajos, familias o interneses variados, que, sí, los cuidamos, pero creo que no les hablamos lo suficiente.
Esta mañana, después de hacer los “encargos” ineludibles, me acerqué a unos grandes almacenes de nombre extranjero –sí, esos de los que reniego frecuentemente, para comprar un par de libros que no hay en ningún otro lugar de Huelva. Después de pasear por la librería y comprar sólo tres, eran dos pero se cruzó Auster en el camino, me acerqué a la zona de “Dvidis”, para ver si había alguna oferta de clásicos de esos que siempre nos gustan. Tengo que reconocer que me sorprendió ver “Plan nine from outer space” o “Ultimatun a La Tierra” entre las novedades. Como les digo, estaba yo viendo esas “joyas” del cine cuando un señor de no menos de 70, después me confesaría que tenía 78, se acerca a mi y me pregunta:
- Perdone: ¿es usted aficionado al cine?
Me sorprendí de la pregunta pero no pude menos que contestarle que sí, que lo era. El “viejo” me contesta que estás buscando una película de Sydney Poitier que no recuerda su nombre, pero que el argumento si lo conoce. Yo le contesto que conozco “¿Adivina quien viene esta noche?”, “En el calor de la Noche” o “Rebelión en las aulas”. Él me dice que no. Que esas las tiene, se explaya diciéndome que tiene mas de 500 películas en sus casas entre Jerez y Huelva. Fíjense que ya me ha contado parte de su vida en un momento. Me explica el argumento que consiste en que Poitier es un “pobre” que consigue subir en el escalafón social y vuelve a su barrio con un coche impresionante. Al parecer la ciudad le cobra por salir de su calle, por salir de su casa, en definitiva por todo. Se ve envuelto en un atraco, vamos que atraca un banco, y al final muere aunque sus amigos sobreviven. Esa es la sinopsis que me contó. Si saben cual es la película les agradecería que me lo dijeran. Le contesté que desconocía ese argumento y seguimos conversando.
Hablamos de Spielberg, del que había visto ayer mismo “El imperio del sol”. De las películas de Spencer Tracy y de que no le gustaba la violencia ni los efectos especiales porque eran sólo eso. Tuvimos unos instantes de conexión mas que interesantes. Y le recomendé una película que ví allí mismo. Era de Lubitsch. Era “To be or not to be”. Me pareció de lo mas apropiado para ese amable “viejo” con alma de cinéfilo. Me comentó que creía no haberla visto y que se la llevaba. Sólo eran 9 euros de nada. Espero que cuando la vea recuerde al tipo que se la recomendó. Y espero que le guste. Entre cinéfilos anda el juego.
© Alfonso Merelo 2007

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12/06/2007 19:57 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 4 comentarios.

El Capitán Barbossa

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El Capitán Barbossa

“Piratas del Caribe: Aventuras del Capitán Barbosa”, es como debería de haberse llamado la película estrenada este fin de semana “Piratas del Caribe en el fin del mundo”. ¿Y por qué, me preguntarán ustedes? Sencillamente porque el personaje de Barbosa, interpretado como en la primera parte por Geoffrey Rush, se “come” en todas las escenas en las que interviene a los demás protagonistas, incluyendo a una excesivamente “amanerado” Jonnhy Deep. La película cuenta además con la participación de un magnífico Chow Yun Fat –el Rey y to- y de un cameo de Keith Richards, que incluso se permite tocar el banjo, o algo así, en escena.

Rollings for ever.

¿Qué es Piratas...? Pues una magnífica muestra de lo que se puede hacer con dinero, con mucho dinero, combinado con un poquito de talento. Pese a ser un “best seller” apabullante, tiene algunas, bastantes, escenas y situaciones que la hacen destacar de las mediocres producciones de acción a las que Holllywood nos somete una y otra vez.

No hay que equivocares: Piratas... es una película de acción. Una película, tal vez, para todos los públicos a partir de 10 años mas o menos. Contiene todos los típicos tópicos en este tipo de películas: peleas, personajes agradables, una impresionante galería de efectos especiales, batallas a cañonazos, barcos piratas, fantasmas, malos prototípicos y otros no tanto y todo ese compendio de cosas que hacen que, las casi tres horas de metraje, se disfruten plenamente.

Respecto de la trama es una continuación directa de la segunda parte “El cofre del hombre muerto”. En esta ocasión, ya aliados con Barbossa, Will Turner y Elizabeth Swann se dirigen a la búsqueda de Jack Sparrow, perdido en el mundo del mas allá con su barco la Perla Negra. Su propósito es rescatar a Sparrow y su barco para que pueda reunirse la cofradía de los 9 piratas e intentar derrotar al Holandés Errante, capitaneado por Davy Jones, que obedece las órdenes de la Compañía de Indias –es decir Inglaterra aunque no se le nombre explícitamente-. Sparrow es rescatado y, después de varias escenas, cada vez mas espectaculares, tendrá lugar el enfrentamiento final entre los dos mejores barcos de ese universo: La perla Negra y el Holandes Errante.

El guión adolece de algunos fallos que lastran un poco la narración, dejando cabos sueltos como por ejemplo qué es lo que pasa con Calypso. Por otra parte la escena que enlaza la aparición de nuevo de Sparrow es casi innecesaria, pero está puesta ahí para el lucimiento del histriónico, cada vez mas, Deep. Interesante la escena que trascurre en ese mar “leteo” particular donde las almas cruzan hacia el otro mundo. Hay una cuantas referencias mitológicas que se hacen agradables de ver. El sentido del humor no deja de estar presente en ningún momento, y tanto Deep como los personajes secundarios, incluyendo esos dos soldados de la Compañia que son el Gordo y el Flaco o Hernández y Fernández, se encargan de aliviar las situaciones de tensión aplicando algunas de las mas viejas técnicas del cine desarrolladas desde las películas del mudo.

Vuelvo a insistir en lo soberbio del personaje del Capitán Barbossa. Mi propuesta es que en la cuarta película, que sin duda se rodará, este sea el personaje principal desplazando a Turner, por ejemplo.

Veanla y disfrutenla. No es un solomillo con salsa de trufas, pero sí un buen filete a la parrilla.

Vean algunas escenas


© Alfonso Merelo 2007

PD. Hay una tonada que se repite varias veces, siempre referida a la cajita. ¿Saben ustedes a que película homenajea/plagia? La música de la misma era del genial Ennio Morricone.

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28/05/2007 15:31 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 10 comentarios.

De estreno

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Miren ustedes que uno nunca había asistido al estreno de verdad de una película. Y quiero decir estreno en el sentido de premier, de esas “premieres” que vemos en la tele en la que están presentes los actores y el equipo técnico de la película encabezada por su director.

De comentar la película ya habrá tiempo en otros lugares. En este blog sólo voy a intentar reflejar lo que fue la noche del estreno en sí, y lo que participé y compartí con los actores y técnicos. Así que vamos con ello.

Ayer , en el auditorio de la Casa Colón en Huelva -un local con 800 localidades de capacidad-, tuvo lugar la presentación de la película Próxima. Con un auditorio abarrotado a partir de las nueve de la noche se proyecto la película antes comentada.
Allí estaban una gran parte de los actores como Oriol Aubets, el protagonista Tony, Joan Frank Charansonnet, Manuel Masera, Batriz Urzaiz y Karen Owens, y también se encontraban la productora Marta Timón, el autor de la banda sonora Xavier Tort y, por supuesto, el director Carlos Atanes.

En la “sala de chimenas” de la Casa Colón se reunió el equipo técnico. Los nervios de la premier eran palpables. Sobre todos las actrices estaban, aparte de guapas, hechas un filete de vaca añeja, por lo de los nervios. Marta Timón, productora de la cinta, tenía según sus propias palabras “un no se que en el estómago” que le hacía hablar sin parar y no detenerse ni un solo momento. Sin embargo Carlos Atanes, responsable del evento, estaba aparentemente relajado.

Después de las fotos de rigor, ya en el auditorio tomó la palabra el Rector de la Universidad de Huelva Francisco José Martínez López que se encargó de presentar la película, ya que la Universidad es coproductora de la misma.

Con algunos problemas técnicos, sonido deficiente e imagen no del todo nítida que serían corregidos sobre la marcha, pudimos visionar por primera vez en España esta película. El hecho de que muchas personas de Huelva hubieran participado como figurantes era un aliciente añadido para poder estar presentes en la gala y que esta resultara un éxito.

Una vez terminada la proyección, se ofreció en la misma sala de chimeneas un coctel organizado por la asociación "3 de marzo" de antiguos alumnos de la UHU. Allí pudimos compartir un rato agradable entre actores, alumnos y docentes de la Universidad. Previamente pudimos disfrutar en el patio de la Casa Colon del espectacular eclipse de Luna que, dada la temática de la película, parecía conjurarse con la misma para ofrecer una imagen bellísima en el cielo nocturno.

En la fiesta loa actores charlaron con cualquiera que se les quisiera acercar y compartimos algunos de los secretillos del rodaje de la misma.

Mas tarde, en una ambiente un poquito mas íntimo, pude hablar con casi todos los componentes del elenco. Carlos Atanes, Xavier Tort y yo mantuvimos una interesantísima conversación acerca de la cultura “oficial” catalana y sus problemas. Una charla esclarecedora que me dio puntos de vista de catalanes que no suelen oírse por estos pagos, y no porque no los haya, sino porque no nos llegan.
Tuve también la oportunidad de compartir una caña, gracias chicos, con Manu Martín y su hermano, el 1º de ellos es el responsable de “el séptimo no descanso”, la productora sevillana que se encargó de los CGI de la película. Me estuvo comentando algunas de las cosas que se crearon para la ambientación de la cinta, un trabajo mas que interesante en muchos aspectos. Y así, entre las idas y venidas de todos, he de reconocer que pasé una noche mas que interesante acompañado de unos amigos que ya lo eran y de otros que lo son a partir de ayer.
Un abrazo para todos, y sabed que se os espera por aquí cuando gustéis.
Unos cómicos de los de ley, si señor; y vosotros me entendéis.
© Alfonso Merelo 2007

En mi blog de fotos cosillas güenaspueden ver todas las del evento.

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04/03/2007 21:54 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 6 comentarios.

Próximamente, Próxima

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No se si saben que el año pasado participé en el rodaje de una película de ciencia ficción llamada Próxima. En el blog ya dí cumplida cuenta de la experiencia en el rodaje. Basta pinchar aquí, aquí o aquí y pueden leer lo que escribí en su día.

Después de la fase final de rodaje y del montaje definitivo, la película se va a estrenar en Oporto, en el festival Fantasporto el día dos de marzo y en Huelva el día tres.

La verdad es que estoy interesado por ver la película. Hace tiempo que leí el guión y me pareció que tenía posibilidades si se daban las condiciones y los medios para poderla llevar a cabo.

En la parte que yo participo la verdad es que estoy en un entorno amigable. Es una convención de ciencia ficción en la que un autor reconocido, imaginemos que podría ser Ángel Torres –por edad y por vehemencia-, se dirige al auditorio para habla de “su libro”. Yo me limito a presentarlo y después a retirarlo del auditorio porque en medio de su conferencia pasa algo, que no voy a revelar.

Próxima está dirigida por Carlos Atanes, realizador catalán que ya tiene en su haber otro largometraje titulado FAQ y que tuvimos la oportunidad de presentar en la convención Gadir2k4 que se celebro en Cádiz en el año 2004.

Esta película está rodada con bastantes mas medios y con muchos extras y figurantes. Los mismos, para las escenas de masas, son en su mayoría estudiantes de la Universidad de Huelva y ciudadanos de Huelva que se volcaron en la misma. Esto de salir en un “flim” es que mola cantidad, dicen.

El protagonista principal es Oriol Aubets que interpreta a Tony un joven aficionado a la ciehttp://memorando.blogia.com/
Salir al blogncia ficción que dirige un videoclub. Su vida se verá modificada cuando se cruza con él el escritor Felix Cadeq, que interpreta Manuel Solás, cuyas propuestas le resultan muy conocidas y que le ocasionarán mas de un disgusto.
Entre otros actores estará Anthony Blake, Abel Folk, Joan Fran Charansonnet, Hans Richter, Karen Owens o Arantxa Peña.

El día 3 será el primer pase en España. MEMORANDO estará allí en su doble condición de actor y reportero. El domingo habrá crónica rosa del evento. Ya saben, alfombras rojas y todo eso.


Para saber mas de la película basta pulsar el enlace de la misma
© Alfonso Merelo 2007

Soy muy chauvinista, así que me permito que la foto que sale ahí arriba es mía y ya de la película.

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26/02/2007 20:00 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 6 comentarios.

Ese Oscar ohé.

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Esta tarde, cuando llegaba a casa, me he enterado de las nominaciones a los Oscar de 2006. Y me he alegrado mucho por que se ha nombrado una película que me ha encantado y que está dirigida por una persona que tuve la fortuna de conocer personalmente hace un par de años.
La película es El laberinto del Fauno y el director Guillermo del Toro.
Guillermo es un tío fenomenal, cosa que puede corroborar cualquier asistente a la HispaCon de 2004 celebrada en Cádiz. Tuve la suerte de compartir con él varios ratos mas que agradables, tanto en la cena (vean la foto) del sábado como en la comida del domingo. Un super famoso que venía en camiseta, que le daba igual coger un taxi para ir al hotel y que aprendió en un segundo a decir “pisha” mas tortillitas de camarones. Un señor que atendió a todos los “fans” a cambio de nada. A cambio de un poco de amistad y de compañía nada mas. Que se divirtió y que nos divirtió. Que supo estar en todo momento y que en petit comitè nos contó un pequeño anticipo de lo que es hoy su gran éxito: El laberinto del fauno.
Y han sido seis nominaciones, seis oiga.
Mejor Película en lengua extranjera
Mejor guión original
Mejo música original
Mejor fotografía
Mejor dirección artística
Mejor maquillaje

Espero que se lleve alguno de los seis, aunque la cosa esté difícil.
Guillermo, espero que el domingo 25 de febrero suene eso de: “And the Oscar goes to “El laberinto del Fauno”.
De verdad, mucha mierda.

© Alfonso Merelo 2007

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24/01/2007 00:02 Alfonso Merelo Solá #. Cine No hay comentarios. Comentar.

Babel

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En estas fechas del año el cine norteamericano nos invade con películas de ambiente navideño. Papa Noeles de diferente pelaje y condición, niños perdidos en aeropuertos, casas, hoteles o burdeles si se tercia y toda clase de dibujos animados, generalmente menores, para que los sufridos papás, y mamás no nos olvidemos que si no me llamarán machista, puedan aparcara a sus deliciosos, e irritantes, retoños de vacaciones durante tres horitas en un cine, en el que –gracias a crom- no pueden incordiar demasiado.
Ese suele ser el panorama, poco atractivo, de las pantallas navideñas de medio mundo y de España en particular. De vez en cuando algún filme sobresale de al atonía festiva y se descuelga como salvación para los aficionados. En cartelera tenemos ahora tres películas, norteamericanas eso si, de gran interés: “Babel” -Alejandro González Iñárritu-, “Banderas de nuestros padres” -Clint Eastwood- y María Antonieta –Sofia Coppola-.
Babel ha sido la primera en estrenarse y lleva ya un par de semanas en cartelera. A la espera de poder ver la obra de Eastwood, y su segunda parte “Cartas desde Iwo Jima”, es de obligado cumplimiento ver la creación de Alejandro González Iñárritu.
El autor de la fascinante “21 gramos” se descuelga con cuatro historias, que se convertirán en tres, en dos y finalmente en una sola, que fundamentalmente narran lo que significa la incomunicación. Con escenas sumamente, duras la película trascurre en tres escenarios del mundo, Marruecos, Japón y México. En estos tres escenarios y con el vínculo de un rifle de caza los tres escenarios se verán entrelazados de manera magistral y en forma distemporal.
Actuaciones mas que sobradas dan vida a unos personajes que se hacen reales y próximos, desde los niños marroquíes, pasando por las adolescentes japonesas y las actuaciones individuales de Brad Pitt, Cate Blanchet, Adriana Barraza o Gael García Bernal, completan un excelente reparto que hay que agradecer al director de casting.
La película destroza el concepto de globalización. Y lo destroza de manera brutal cuando el director muestra cómo la insolidaridad, la incomprensión y la estupidez se produce en nuestro hipertecnificado primer mundo. Si Marruecos los lugareños se desviven por ayudar a los protagonistas, son los norteamericanos los que “abandonan” a sus compatriotas a sus suerte sin sentir el mas mínimo remordimiento. La historia japonesa es tambien brutal al mostrar la imposibilidad de comunicar sentimientos y pasiones por parte de Chieko. Haciendo un inciso hay que notar que la fotografía de este episodio recuerda mucho a la estética de Blade Runner, ¿o será al revés? ¿Ridley Scott se inspiraría en el Tokio moderno para su película? Es mas que probable.
Incomunicación, soledad y aislamiento es el mensaje de la película. Y es un mensaje que cala muy profundo porque, desgraciadamente, todos vivimos ese aislamiento, que por otra parte es connatural en los seres humanos.
Altamente recomendable
© Alfonso Merelo 2007

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05/01/2007 12:56 Alfonso Merelo Solá #. Cine No hay comentarios. Comentar.

Soy fácil

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Como pequeño anticipo de las fiestas que se aproximan a pasos agigantados, traigo a esta columna, en parte en homenaje a Robert Altman, una de las canciones que más me ha fascinado desde que la escuché hace ya muuuuchos años.
La canción es relativamente sencilla (a la guitarra es muy fácil de tocar con una clave de sol, do y re menor y pequeñas variaciones en mi mayor) y muy pegadiza de escuchar y recordar.
Fue interpretada por Keih Carradine (el hermano guapo de Kung Fu) para la película Nasvhille. Ese año, 1975, ganó el oscar por el mejor tema musical. La canción es I´m Easy y la escena en la que se canta es todo un ejemplo de actuaciones sin palabras.
La escena recrea un club country de la ciudad norteamericana en el que Tom Frank, Carradine, interpreta este tema. La legión de mujeres que está presente, Shelley Duball, Geraldine Chaplin o Lily Tomlin, interpretan que la canción está dirigida a ellas. El cantante se limita a repetir que es fácil “toma mi mano y tira hacia abajo, no encontraras ninguna resistencia, porque soy fácil. Sí, soy fácil”
En estas palabras
“But I’m easy
I’m easy
Give the word and I’ll play your game
So that’s how it ought to be
Because I’m easy”
se encierra una filosofía de vida, de la vida hippy norteamericana, sin ataduras y sin mayores pretensiones que vivir el momento. Una filosofía minimalista, pero... tan atractiva.
Escúchenla, no tiene desperdicio. Y observen la cara de atención de todas la mujeres deseando que lo que canta se les haga realidad. Fantástico.


© Alfonso Merelo 2006

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20/12/2006 18:29 Alfonso Merelo Solá #. Cine No hay comentarios. Comentar.

Superman: El retorno

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Uno ya ha visto y leido “cienes y cienes” de aventuras de Superman, desde los tebeos aquellos de Novaro, hasta las más recientes aventuras, cuando caía algun ejemplar en mis manos. No esperaba, ni mucho ni poco, grandes logros en las nuevas aventuras cinematográficas del personaje.
Vale, dirige Bryan Singer, que a priori es una garantía de buen hacer - basta recordar sus aventuras de los X-men o la serie House de la que es productor ejecutivo-, pero esa garantía sólo se sostiene en algunos, pocos, pasajes de este "Superman returns".

Singer se ha lanzado nuevamente a la dirección de superhéroes con el Héroe por antonomasia de la historieta. Después de sus interesantes incursiones en el universo mutante, la esperanza de que el producto fuera sólido era bastante plausible. Y, la verdad, no sale demasiado mal parado del encuentro, porque la película va a gustar por dos motivos fundamentales: es espectacular y es espectacular.

Para el público neófito, y no olvidemos que los que vean con 16 o 20 años este film, no habran visto “bien” las anteriores versiones, la película tiene de todo lo que vende actualmente: amores, escenas de acción, héroes buenísimos y malos malísimos, espectaculares efectos especiales y aventura. Eso es este Superman returns.
El espectador novel no tendrá problemas en asegurar que ha disfrutado del espectáculo. Y la verdad es que esto es cierto. Descontando algunos momentos, bastantes, plúmbeos la película se deja ver y se disfruta como un producto de consumo, que incorpora algún elemento destacable.

El problema, o la virtud, se materializa cuando analizamos de donde, o de qué, surgen las brillantes propuestas del director. En primer lugar, y hasta el minuto 40 mas o menos, Singer intertextualiza, por no decir que plagia, a Jonh Byrne en su reconstrucción del Superman de finales de los 80, en la reconstrucción del personaje después de las denominadas “Crisis en tierras infinitas” de los tebeos de DC. Teniendo en cuenta que estos tebeos eran mas que destacables, no es extraño que el director los haya aprovechado en mayor gloria para su producto. Pero si usa el tebeo como inicio y puntal, ¿por qué no utilizar la película, o las películas, de Richard Donner? A fin de cuentas los dos primeros filmes de Superman (versión años 70) eran bastante buenos. Chistopher Reeeve daba el tipo como el superhéroe, y se veía arropado por buenos actores como Brando o Hackman. Synger, investido de Donner, y frente a unos desconocidos como Brandon Routh (Clark Kent/Superman) o Kate Bosworth (Lois Lane) los contrapone a Kevin Spacey o Frank Langella. Realmente no salen demasiado mal parados ya que cumplen satisfactoriamente sus escasas potencias interpretativas.
Pero los parecidos nos se dan solo en la interpretación, es en el guión donde se encuentran las mayores similitudes con Superman el film. Sin ninguna duda esta película es un remake del film original.
Hay escenas que son exactamente iguales –el enfrentamiento Lex-Superman (aunque incrementada en sadismo dados los tiempos)- y que no mejoran el original ni aportan una visión nueva, salvo en los efectos especiales.
Los parecidos se incrementan cuando vemos la escena “amorosa” en la azotea del Daily Planet, tan similar a la original en el ático de Lois. La única diferencia se basa en que el diálogo introduce al hijo de Lois. Este personaje es claro que formará parte de la trama en la segunda película que, sin duda, se rodará.
El personaje de Clark Kent imita al interpretado por Reeve en su ineptitud e incompetencia como periodista simplón. Es el perfecto “amigo” que nunca te traicionará, pero al que nunca se le concederá el mas mínimo favor por la chica buena. Es el imprescindible que siempre pone los discos en la fiesta pero que nunca baila con la chica. Esta frustración del personaje se ve reforzada por la actitud de la amada que quiere al héroe, al poderoso, al infalible, pero que no es capaz de ver mas allá de los músculos y los poderes superhumanos. En definitiva se refleja una vez más la atracción del poder, en este caso la atracción hacia el poder divino.
Todo héroe ha de tener un némesis y volvemos a encontrar a Lex Luthor, esta vez encarnado en Kevin Spacey. Se ha comentado que Spacey reinterpreta a Luthor y que elabora un personaje muy logrado. Bueno, en realidad se limita a imitar los tics que ya Gene Hackman escribiera perfectamente en la primera versión. Las muecas y las expresiones histriónicas no mejoran el personaje que ya conocemos y este Luthor solamente supera al anterior en su falta de humor. Porque la película esta carente de cualquier requiebro a la sana chacota. Es un intento de película “intelectual” que trata de tomar muy en serio a los personajes, que ya de por si no pueden ser serios. El intento de intelectualizar la desmesura fracasa puesto que se carece de un mínimo de habilidad artística en los dos actores principales. En una producción que interpretara a Superman como un puro divertimento, hubieran estado mas que bien. El problema se da cuando se intenta trascender mas allá y filosofar en torno al poder y a las responsabilidades que implica. En ese aspecto fracasa debido a la inexperiencia de sus protagonistas que, en esas escenas, no son capaces de ser creíbles.
Superman Returns es, por propia inercia, un film que hay que ver. Que, sin duda, será un éxito de taquilla, pero que al espectador avezado dejará un regusto de insatisfacción por haber perdido las posibilidades de desarrollar el personaje de un dios. Podría haberse tomado como ejemplo la extraordinaria Miracle Man que si refleja lo que es un poder divino en manos de personas mas o menos normales. Pero esa es otra historia que, tal vez, veamos alguna vez en la pantalla.

© Alfonso Merelo 2006


12/07/2006 23:15 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 7 comentarios.

Icono Semanasantero

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La Semana Santa española es muy recurrente respecto a sus iconos.
La máxima expresión de estos iconos son las procesiones. En cada ciudad son diferentes: Sevilla con los costaleros, Cádiz con los “cargaores” o Málaga con los tronos dan variedad a una manifestación “folclórica” que se reconoce inmediatamente por los “pasos” y por las interminables filas de “penitentes”. Es diferente pero es igual, que diría aquél.
Supongo que cada uno tiene sus referentes para estas épocas. Yo al menos tengo dos muy arraigados: las torrijas y la película Jesucristo Superstar.
Jesucristo Superstar se estrenó en España creo que en 1976, poco después de la muerte de Franco. No es que la película fuera revolucionaria, ni mucho menos, se trataba sencillamente de reflejar toda la mitología cristiana sobre la figura de Jesús en clave de musical. Una revisión, desde el punto de vista de Judas, de muchas de las preguntas que se hace el personal sobre la figura de Jesús
El musical original, me resisto a llamarla ópera aunque algo de eso hay, fue estrenado en Broadway en diciembre de 1971 interpretado la noche del estreno por Yvonne Elliman (Magdalena), Jeff Fenholt (Jesús) y Ben Vereen (Judas). Ian Gilliam (componente de Deep Purple), Murray Head e Ivonne Elliman grabarían poco después la partitura en un doble vinilo. El tema Jesucristo Superstar –interpretada por Head- fue inmediatamente un éxito de superventas e incluso llegó a hacerse una versión española por un cantante del que no recuerdo su nombre.
De la película sólo me quedo con la música como referente. La estética y el mensaje, si es que lo hay, han quedado ampliamente superados. Sin embargo la partitura se mantiene incólume a pesar de su antigüedad.
Y si hay que elegir uno de los temas me quedo con los dos temas que cantan a dúo Anás y Caifas - Then We Are Decided se excribió expresamente pensado para la película. El otro tema es This Jesus Must Die, ya interpretado por los dos personajes anteriores y por los sacerdotes del templo.
Y me quedo con los dos temas por la impresionante versión que hace el bajo Bob Bingham. La voz baja en el belle canto me parece una de las mas bellas y difíciles de interpretar. Cuando yo cantaba en coros, mi voz era la de barítono y siempre tuve envidia de las magníficas voces bajas de algunos compañeros. Esa voz es inimitable. O se tiene o no se tiene. Se podrá mejorar pero si se nace si ella es imposible forzarla y que quede bien. Binghan, junto con Elliman, formó parte del reparto original que estrenó en Broadway la obra de Rice y Lloid Weber.
El tema que Caifás interpreta consigue un contrapunto excelente entre la voz aflautada de Anás y la fantástica voz de él.
Es una gozada escuchar, con esa voz surgida directamente de una caverna profunda:

No, wait!
We need a more permanent solution to our problem.
Y despues la réplica de Anás con un registro de voz completamente diferente

What then to do about Jesus of Nazareth?
Miracle wonderman, hero of fools.

Y continuando con las inteligentes frases acerca de la pérdida de su poder por causa del Nazareno:
I see bad things arising.
The crowd crown him king; which the Romans would ban.
I see blood and destruction,
Our elimination because of one man.
Blood and destruction because of one man.

Definitivamente es mi película, e icono, para Semana Santa. No hay año en el que no revise alguno de los temas o vea alguna de las secuencias.

© Alfonso Merelo 2006

Acerca de mi otro icono, las torrijas, consultar mi blog de cocina.

10/04/2006 12:35 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 11 comentarios.

¿Ahora si?

Como saben, la noticia del día -y del año- es que ETA ha anunciado una tregua indefinida.
No se si se mantendrá, pero desde luego es una esperanza muy grande.
Vamos a por la paz de una vez.
Que sea para todos un inicio que lleve a un final bueno para todos.
Hoy es un día alegre. Estoy contento, miren ustedes.
(c) Alfonso Merelo 2006

22/03/2006 12:55 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 6 comentarios.

And the Oscar goes to… Crash

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Este año Hollywood ha premiado películas de las que se podrían denominar de bajo presupuesto o de cine de autor, salvo la de Spielberg que sí ha gozado de un generoso presupuesto. Todas las nominadas se encontran en la categoría de películas que no desentonarían en un festival como el de de Sundance. Capote, Crash, Brokeback Mountain, Buenas noches y buena suerte y Munich fueron las cinco nominadas. Películas muy diferentes entre si, pero que se alejan del estereotipo de gran superproducción hollywoodense al uso.
La sorpresa de la noche fue la que se llevó Jack Nicholson al abrir el sobre que contenía el nombre del Oscar a la mejor película de 2005. Fue Crash la agraciada por los académicos, en detrimento de la que se veía como favorita Brokeback Mountain. Dos películas absolutamente diferentes. La primera es un puzzle coral que enlaza la vida de muchos personajes en la ciudad de los Ángeles, mientras que la segunda nos habla de la relación homosexual de dos cowboys (como decían en la SER la película de los ovejeros homosexuales).
Las dos películas son arriesgadas ya que Crash refleja, sin concesiones y sin aportar soluciones, el racismo que se produce en la sociedad nortemaericana. Pero es un racismo multidireccional porque se enfoca desde todos hacia todos: los blancos hacia los negros, asiáticos, árabes, o sirios o chicanos y asís sucesivamente. Todos desconfiando de los diferente. Casi ninguno intentando tender puentes. Por otra parte, la historia de Ang Lee es una convencional historia de amor, y de infidelidad, pero que esta vez es protagonizada por dos hombres. Sobrevalorada hasta el extremo, no se alzó con el premio debido, seguramente, a las reticencias para darle una premio a un film que hablaba de la homosexualidad. Aunque se lo han dado como mejor actor a Philip Seymour Hoffman por su personaje de Truman Capote que era, declaradamente, homosexual. Cosas de Hollywod.
Desde mi punto de vista, Crash es un película bastante mas sólida que Brokeback Mountain, y se merece sobradamente el galardón. De las tres restantes no puedo decir nada mas que buenas cosas. Cada una en su parcela son excelentes. Si acaso recomendar el extraordinario biopic de George Clooney –un muestra del savoir faire de Clonney se dio cuando al recibir el Oscar al mejor actor de reparto dijo: “¿eso es que no me van a dar el del mejor director?”-.
Pero el oscar mas emotivo fue para Robert Altman. Un director que nos ha dado M.A.S.H, Nashville, Quintet e, incluso, Pret a porter merece ese homenaje sobradamente.
Enhorabuen Mr. Altman
© Alfonso Merelo 2006

06/03/2006 09:47 Alfonso Merelo Solá #. Cine Hay 3 comentarios.

Robert, Barada Niktu

westside_poster.jpgLas palabras del título, un poco diferentes, las pronunciaba la actriz Patricia Neal al dirigirse al robot Gort en la película Ultimátum a la Tierra. Esta película fue dirigida por el recientemente fallecido Robert Wise. Wise murió el pasado 14 de septiembre en su residencia de los Ángeles.
Fue uno de los directores clásicos de Hollywood y su producción no se encasilló en ningún género, sino que tocó todos los palos, desde el melodrama a la comedia musical, pasando por la película histórica o la de ciencia ficción.
Sólido realizador que ganó dos Oscar por las dos películas musicales que realizó: Sonrisas y Lágrimas y West Side Story. No era uno de los grandes directores, las megaestrellas, pero sus películas no tenían nada que envidiar a las de los súper ególatras de Hollywood que con sus presupuestos inflados construyen espectáculos aburridos y sobrevalorados.
En el terreno que mas conozco, la ciencia ficción y la fantasía, tuvo varios filmes mas que interesantes. En su primera película, La maldición de la mujer pantera – continuación de La mujer pantera- sustituyó al director Gunther von Fritsch. A partir de ese momento se labró un gran prestigio como hábil realizador.
Son famosas Ultimátum a la Tierra, La amenaza de Andrómeda o Star Trek la película. En la Amenaza de Andrómeda consiguió convencer a los productores para que ésta fuera interpretada por actores casi desconocidos. Eso, decía, dará mayor credibilidad a sus papeles de científicos. Y lo consiguió desde luego. De su habilidad como director da prueba ésta última película en la que consiguió que el limitado Wiliam Shatner compusiera un papel medianamente interesante. Fue otra visión del universo Trek, no falta de interés.
Iba a ser homenajeado en el Festival de Cine de San Sebastián, pero el gafe del que tiene San Sebastián ha funcionado una vez mas. Los homenajeados o bien fallecen antes de acudir o mueren poco después. Si yo fuera actor o directo o algo relacionado con el cine rogaría a los responsables del festival que ni se les ocurriera nombrarme como candidato a homenaje. Por si acaso.
Vaya mi homenaje Robert Wise que tantas veces me hizo disfrutar en el cine.

Tonight, tonight,
it all began tonight..

© Alfonso Merelo 2005
15/09/2005 13:46 #. Cine Hay 2 comentarios.

Princesas

princesas.jpgLa nueva película de Fernando León de Aranoa se llama princesas y cuenta cómo son las princesas de la calle: las prostitutas mas comúnmente conocidas como putas.
Dos protagonistas, de origen dispar, van a concentrar en sus historias la trama del film. Por una parte Caye, que no se sabe bien por qué es puta ya que su afán es operarse los pechos para hacerlos más ostentosos, pero este parece un motivo espurio. Tal vez, sencillamente, no encontró otra profesión mejor. La otra protagonista es Zulema, una inmigrante dominicana, que intenta ganar dinero para traerse a su hijo a España.
Algo muy interesante es la relación de amistad que se entabla entre las dos, en un principio enemigas, prostitutas callejeras. Esa relación es de protección de una hacia la otra. De apoyo y de consuelo. Una relación de amor sin sexo.
Aranoa describe a su manera la vida de estas prostitutas. Desde luego se hace perfectamente plausible las desgraciadas vicisitudes por las que atraviesas. A destacar todas las secuencias que trascurren en la peluquería donde van a peinarse y acicalarse. Una especie de refugio en el que se cuentan todas sus desgracias y mantienen tertulias sobre los temas que les interesan. Uno de ellos es el racismo subyacente incluso entre las capas mas “bajas” de la sociedad. Entre la marginalidad y la pobreza aún hay clases y las clases españolas no pueden tolerar que las extranjeras les levanten los clientes.
La actuación de Candela Peña es espectacular componiendo un personaje mas que interesante y creíble, pese a sus excesos verborreicos y filosóficos, tal vez la exageración más disonante del film. Todas las actrices cumplen mas que holgadamente con sus personajes. Micaela Narváez, el contrapunto de Caye, elabora un personaje alegre y extrovertido pese a sus contratiempos vitales.
Interesante filme que será candidato a los Ignotus, perdón, a los Goya del año próximo y seguramente al oscar a la mejor película en habla no inglesa de 2006.
©Alfonso Merelo 2005
06/09/2005 22:02 #. Cine Hay 1 comentario.

Ninette

ninette.JPGEste año se cumple el centenario del nacimiento de Miguel Mihura. Sus obras de teatro son una muestra del humor inteligente que, junto con otros autores como Jardiel Poncela, se experimentó en la primera mitad del siglo XX en España. De su pluma son las conocidas obras Maribel y la extraña familia o tres sombreros de copa. Fue asimismo fundador de revistas tan “idolatradas” como La Codorniz.
José Luís Garci homenajea a Mihura con este filme, Ninette, que se basa en las dos obras teatrales Ninette y un señor de Murcia y Ninette, modas de París.
La obra Ninnete y un señor de Murcia fue llevada a la pantalla por Fernando Fernán Gómez en el año 1965 y protagonizada por Alfredo Landa y Rosenda Monteros como Ninette. Tambien se recuerda la adaptación en Estudio 1 de TVE que protagonizara Juanjo Menéndez y Victoria Vera, una mas que interesante Ninette. Además se realizó una miniserie de ocho episodios en 1984 protagonizada por Alfredo Landa y, una vez mas, Victoria Vera
Esta nueva adaptación de Garci presenta a Elsa Pataky en el papel de Ninette y a Carlos Hipólito como Andrés, el señor de Murcia. Completan el reparto un increíble Enrique Villén en el papel del amigo de Andrés, Armando, Beatriz Carvajal, Fernando Delgado, Mar Regueras y Javivi, en un papel que homenajea a Jacques Tatí y su Monsieur Hulot cuando silba por las escaleras la conocida tonadilla de la película Mon oncle, estrenada un año antes de lo que se cuenta en el film.
El director corre muchos riesgos al magnificar la presencia de Elsa Pataky, actriz correcta y guapa indudablemente, pero que no es capaz de llenar la pantalla por sí sola. Un fracaso estrepitoso es su muy deficiente pronunciación francesa, que no se entiende pues el personaje es nacido en Francia y francófona –todo lo contrario de Javivi con un francés mas que correcto y que no tartamudea en ese idioma-. Por suerte, la magnífica historia de Mihura y el arrope de actores como Fernando Delgado, Carlos Hipólito o Beatriz Carvajal, hacen que la película se convierta en una interesante historia muy agradable de ver.
Garci ha planificado la historia como una obra de teatro, de la cual proviene. Todo su metraje está construido en base a decorados y a planos medios en los cuales los personajes interactúan tal y como se verían en una boca escénica. Los primeros planos se muestran casi en exclusiva, en los desnudos, probablemente innecesarios, de Pataki y Regueras. En eso la película chirría puesto que, aparte de lo agradable de ver que suponen esos desnudos indudablemente, parece un exceso en una historia que perfectamente podría prescindir de ellos.
Carlos Hipólito realiza un correcto papel - muy inspirado en las características que le imprimiera Juanjo Menénedez- y Enrique Villén hace el mejor papel de su carrera de actor secundario dando vida a monsieur Armand. Sus expresiones faciales son para recordar.
Pese a que la película es muy interesante en muchos aspectos, se puede decir que fracasa al exagerar la seducción de Ninette hacia Alfredo, que resulta bastante increíble en el contexto de la fecha de la historia 1959. Esa libertad de actuación seria mas propia de nuestro tiempo que de hace 40 años, aún en Francia. Incluso Mar Regueras personifica un personaje extremo, al menos en la época, al intentar seducir a Andrés en una poco creíble, aunque interesante, escena.
Ninette resulta una interesante revisión de las obras originales de Miuhra -un homenaje suficientemente cálido y que respeta el espíritu original- y que puede servir de trampolín a Elsa Pataki en su camino para convertirse en una buena actriz.
© Alfonso Merelo 2005
26/08/2005 16:05 #. Cine Hay 1 comentario.

Libertad para morir

MarAdentro.jpg¿Quién soy yo para juzgar a los que quieren vivir?
Ramón Sampedro

“Mar adentro” ha conseguido El León de Plata del festival de cine de Venecia, además, uno de su protagonistas, Javier Barden se alzaba con el premio al mejor actor, premio indudablemente merecido.
No soy crítico cinematográfico, ni entendido en la materia, por lo que poco puedo opinar sobre la película, salvo decir que me gustó lo suficiente como para pasar dos horas atento a lo que veía y oía, y, teniendo en cuenta que estaba en la fila 5 de un cine de inmensa pantalla, supone un logro por parte de la película.
De lo que si puedo opinar es de lo que sentí al ver lo que Amenábar tenía que contarnos. En realidad Amenábar sólo ha contado algo que ya sabíamos los que habíamos seguido la trayectoria de Ramón Sanpedro. La lucha de Sanpedro fue una lucha por la libertad. Una lucha por la dignidad y por los derechos que a todos nos asisten. Ramón, que se hace tremendamente cercano gracias al buen hacer del director, luchó los ventiseis años de la prisión de su cuerpo inútil porque se le liberara de tal cárcel. Parece que todos tenemos derecho a la vida pero no a la muerte propia. Sobre todo si esta ha de ser provocada por otros. La decisión de morir de Ramón puede parecer que sea un acto de cobardía, tal y como cuenta el personaje del cura en la película, y sin embargo no es mas que una reivindicación de la libertad y del sagrado derecho a la vida y, por qué no, al no ser.
Nuestra sociedad es tan extraña, no se le puede denominar ni siquiera hipócrita, que tiene un miedo terrible a al muerte, que en realidad es una consecuencia de la vida. Como se cuenta, en boca de Ramón, los hombres nos inventamos una serie de recursos externos para que la muerte, la ausencia de ser, nos parezca mas soportable. Todas las religiones nos dicen que viviremos otra vida y que la muerte es sólo un pasito hacia el futuro. Cuando en realidad nadie tiene la capacidad de saber que pasa cuando desaparecemos. Probablemente porque desaparecemos para siempre jamás. Nadie ha vuelto nunca de la tumba para informarnos, al menos que yo sepa.
La película nos hace reflexionar sobre una de las verdades indiscutibles del universo; la muerte. Y esta reflexión lo es también sobre la vida y sobre la calidad de vida. Este hombre no estaba dispuesto a no sentir, a no tocar, a no poder amar. Su única esperanza era cesar de ser y desaparecer. Para conseguirlo tuvo que servirse de trampas y artimañas, porque sus congéneres, la sociedad miedosa, no le permitieron que tuviera un final digno, controlado médicamente. ¿Es lícito que alguien que desea morir y no puede hacerlo sea ayudado por otra persona? Ese fue el debate que Sampedro estableció, debate que no consiguió llevar a término al morir su instigador y verse nuestro Tribunal Constitucional con una puerta abierta para no sentenciar.
Véanla, será muy interesante.
© Alfonso Merelo 2004
12/09/2004 21:37 #. Cine Hay 5 comentarios.

Jesucristo Superstar.

mainpassion.jpgEn estos días que nos rondan, la celebración de la Semana Santa católica, es norma, y tan normal que se ha convertido en recurrente, que las diversas televisiones emitan películas de tema sacro, o seudo-sacro, en las que se nos muestra uno o varios de los episodios del Nuevo Testamento dedicados a su figura principal Jesús de Nazareth, o películas de “romanos” que llevan insertas eventos de la cristiandad principiante. Ben Hur, Quo Vadis, Jesucristo Superstar, Los diez mandamientos o Godspell son emitidas por cualquiera de las cadenas que se pueden sintonizar en España.
No hace demasiado tiempo la única televisión que funcionaba prácticamente interrumpía su programación a partir del jueves Santo y se limitaba a ofrecer informativos, misas, oficios y en todo caso alguna película de tema religioso. Afortunadamente han cambiado los tiempos y ésta práctica ya no es habitual y, salvo la inclusión de alguna de las películas de temática religiosa, las cadenas continúan con sus programaciones habituales. Pero el tic o la costumbre de estrenar esos filmes se va a volver a dar este año.
Si no me equivoco, el próximo viernes día 2 de abril se estrena en España La Pasión de Cristo que, dirigida por Mel Gibson, ha levantado gran polémica allá donde se ha estrenado. Por una parte, varias personalidades y grupos judíos la han tachado de antisemita- el New York Times se ha hecho amplio eco de estas opiniones-,y, asimismo, mandatarios de la Iglesia Católica han expresado su beneplácito, al considerar que refleja lo que fueron las últimas horas de la vida de Cristo.
La película muestra las horas finales de la vida de Jesucristo, recreando todos los acontecimientos desde su detención en el Monte de los Olivos a su muerte en el Gólgota. A modo de flash backs se intercalan algunos pasajes relevantes del Nuevo Testamento: La última cena, las bienaventuranzas, la lapidación de la Magdalena; pero la base de la historia es exclusivamente estas horas finales.
Una de las críticas mas extendida que se ha publicado sobre la película es su innecesaria recreación en el sufrimiento de Jesús. En tres escenas concretamente se explicita de manera inequívoca todo el rosario de torturas que se explican en el Nuevo Testamento.
Es evidente que no es igual leer que ver y, aunque todos conocemos la historia, la descripción visual de los latigazos, la corona de espinas o la propia crucifixión, por poner unos ejemplos, son de un verismo espeluznante.
Verdaderamente no es una película para cualquier público, máxime cuando esta muerte se hace muy cercana, para los cristianos por creen en Cristo, y para todos los no cristianos porque puede reflejar de una manera muy veraz las barbaridades de los métodos romanos de ejecución y tortura. En cualquiera de los caso estas escenas dejan al espectador una sensación de desazón muy intensas. ¿Era necesario ese nivel de explicitación? No lo sé; pero desde mi punto de vista se efectúa una innecesaria apología del sadismo o masoquismo, recreándose en los detalles más escabrosos.
Llegados a este punto sería conveniente recordar que las religiones cristianas basan sus iconos en esta apología del sufrimiento. Desde el símbolo de la cruz, hasta las manifestaciones de Semana Santa, o las barbaridades en Filipinas en las que los fieles se crucifican realmente rememorando la pasión, la religión cristiana tiene sus señas de reconocimiento en esa crueldad y en un no declarado componente sádico-masoquista. Sin salir de España podemos encontrar ejemplos clarificadores de estas tendencias: los “empalaos” de Valverde de la Vera o cualquier penitente que, descalzos, arrastrando cruces, cadenas o flagelándose públicamente, se pueden ver en cualquier procesión a lo largo de toda nuestra geografía.
¿Qué pretende Gibson conseguir con estas escenas? ¿Es una película aleccionadora para acercar la figura de Cristo al espectador; siquiera por medio de la compasión? Es posible. Gibson es un reconocido miembro activista de una iglesia cristiana y puede ser que su película pretenda “convertir” o acercar al espectador al Cristo evangélico. Desde luego el guión no se toma ningún tipo de libertades a la hora de reflejar la figura de Cristo, puesto que se sigue paso por paso lo que cuentan los evangelios sin interpretar u opinar nada.
La factura de la película es correcta y las interpretaciones se pueden dar por buenas, destacándose la de Maia Morgenstern –María-, cuya actuación refleja de manera muy convincente el sufrimiento de una madre para con su hijo, o la del cónsul romano con sus todas sus dudas y remordimientos.
Respecto del antisemitismo o no de la película, el director no parece hacer distingos entre la brutalidad de unos u otros. Es cierto que el sanedrín judío denuncia al protagonista y consigue que se condene a muerte al supuesto reo. Esto se refleja con nitidez en el metraje, haciendo tan bárbaros a los dirigentes judíos como a la turba que les acompaña. Como contrapunto tambien hay que decir que muchos de los judíos que aparecen como personajes reflejan su compasión y muestran su desacuerdo con este asesinato. Por otra parte los romanos tampoco salen bien parados, porque si bien a los jerarcas, o mandos del ejército, se les da cierto trato amable (yo no quería, yo hago lo que vosotros me decís qué haga), a los ejecutores se les trata como auténticas bestias sanguinarias que disfrutan de su trabajo sádicamente. La escena de la flagelación, unos terribles e interminables 15 minutos, muestra cómo estos romanos ejecutan fríamente con saña y gusto su “cometido”.
Como cosa curiosa me ha resultado muy agradable escuchar los diálogos en latín (la película esta rodada íntegramente en arameo y latín), idioma que tenía oxidado desde mis años de bachillerato, pero que resulta muy interesante de escuchar.

Es una película que indudablemente no resulta agradable de ver y no aporta nada nuevo al mito, o historia, de Jesucristo. Como decía el comentarista de cine de Canal + “gustará a cualquiera que disfrute con La matanza de Texas.”
© Alfonso Merelo 2004
31/03/2004 11:04 #. Cine Hay 4 comentarios.

Los montajes del director (o como se lo monta el director)

portada_t2003_10_29_20_54_49_q90_f14_100x100.jpgJosé Manuel Caballero Bonald, poeta jerezano nacido en 1926, acaba de reunir toda su composición poética en un libro titulado “Somos el tiempo que nos queda”. En ese libro el poeta ha decidido revisar muchos de sus poemas en lo que ha denominado “ejercicio de humildad”. Es claro que el autor no estaba satisfecho con los resultados finales de algunos de sus poemas y por ese motivo decidió las modificaciones que suponemos para mejor. El autor está en su derecho de hacer lo que le venga en gana con su obra, puesto que él es el único que puede hacerlo ya que es suya. Pero ¿es esto ético? ¿Se puede cambiar lo que es una obra de arte a capricho del autor? Imaginemos que un pintor no está satisfecho con un cuadro y se presenta en la casa del propietario y le pega dos pinceladas de color azul. Lo que para el pintor es totalmente válido para el propietario del cuadro puede ser una suerte de desastre y enviar al pintor a galeras por el resto de su vida.
Esto me lleva a considerar si es lícito, amen de ético, el reformar algo que ya se ha convertido en patrimonio de todos. Novelas, esculturas, cuadros, edificios que han sido concebidos en tiempo y forma son modificados por la caprichosa (in)capacidad de sus legítimos creadores o lo que es peor por otros ajenos a los mismos.
El caso mas flagrante del mundo del arte es el cine. Últimamente el cine se ha convertido en el mayor productor de dobles y triples versiones de lo que debiera haber sido una sola composición;. los famosos director’s cut. Ya no existe prácticamente película que no cuente con un montaje o adición posterior de escenas por parte del director, productor o el que lleva el catering si se tercia. El timo al espectador es patente. No estamos viendo en el cine lo que es realmente el producto, si acaso se nos da un avance de lo que veremos cuando el producto salga en formato DVD. Y no estamos hablando de extras como podrían ser cuadernos de rodajes, trailers etc, sino de verdaderos remontajes de la película e inclusión de escenas que al parecer los espectadores cinematográficos no tienen el derecho de disfrutar de ellas.
Casos flagrantes como El señor de los anillos –cuya tercera parte, según algunos entendidos, resulta poco menos que incomprensible si no se ha visto el DVD de la segunda- hace que el espectador cada vez entienda menos la industria cinematográfica. Bueno entenderse si que se entiende, ya que es evidente que la pretensión de esta industria es generar cuantos mas beneficios mejor, a costa del incauto que paga dos o tres veces por el mismo producto con modificaciones matizadas.
¿Qué diríamos los lectores si cada dos años nos vendieran una versión diferente de nuestra novela favorita a la que se le hubieran añadido dos capítulos? Es seguro que pondríamos el grito en el cielo, insultaríamos al autor por pesetero, o eurero que es mas parecido a usurero, y no compraríamos esa revisión. Sin embargo en el mercado del cine no ocurre lo mismo, compramos una y otra vez lo mismo con el añadido de director´s cut y nos quedamos tan anchos.
Somos muy raritos
© Alfonso Merelo 2004
25/01/2004 15:44 #. Cine Hay 7 comentarios.


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